En Escena... ROSTROS

Sean Penn, un perfil

2008-02-10T17:22:00.000+01:00

El que se ya ha convertido en uno de los iconos del cine made in Hollywood, comercial aunque con sustancia, aparca temporalmente su carrera como actor para regresar a la dirección por cuarta vez.

Tiene cierto aire de creador melancólico, sobre el que pesan años de maltrato, quizás por el alcohol, un compañero de viaje del que se despidió hace ya más de dos décadas. Fue entonces cuando cambió la pluma con la que escribía poemas por la cámara con la que ha demostrado que sabe recoger instantes de vida.

Hasta comienzos de los años noventa desarrolló en exclusiva una fructífera carrera como actor, con títulos como El clan de los irlandeses, Corazones de hierro, Nunca fuimos ángeles, Adiós a la inocencia y Atrapado por su pasado. A pesar de que se dejó contagiar por el virus de la dirección, Sean Penn no dejó a un lado su vis interpretativa: siguió formando reparto en 21 gramos, Yo soy Sam, Acordes y desacuerdos, El peso del agua, La delgada línea roja, El asesinato de Richard Nixon y Todos los hombres del rey, trabajando en ocasiones a las órdenes de cineastas con pasado y presente como actor, como Tim Robbins, en Pena de muerte, y Clint Eastwood, con motivo de Mystic River (Oscar a Mejor Actor en 2003).

Son ya cuatro los títulos que ha dirigido el actor nacido en California desde que puso el ojo en el visor en 1991. Está a punto de cumplir 48 años y, si de algo está seguro, es de que seguirá durante mucho tiempo contando historias, tanto las suyas como las que pueda recrear a partir de un libro como el de Jon Krakauer, uno de los últimos que le han mantenido concentrado. En él se recogen las vivencias de Christopher McCandless, un hijo de buena familia que un buen día decide dar un nuevo rumbo a su vida y encaminarla Hacia rutas salvajes que le llevan a terminar sus días en Alaska. Buenos resultados le da a Penn la dirección: es uno de los cineastas más queridos de los que 'combaten' desde el frente independiente; prueba de ello es que el último de sus hijos cinematográficos ha conseguido, entre otros premios, el galardón Gotham a la Mejor Película.

El más joven de los actores que haya recibido un Premio Donostia del Festival de San Sebastián -en el año 2003- tendrá que cumplir con otra cita festivalera dentro unos meses. Será en Cannes, donde presidirá el jurado encargado de valorar películas. Suponemos que tendrá en cuenta las inclemencias del tiempo cinematográfico, él, que ha visto como muchos han criticado con malas artes títulos de su cosecha como Extraño vinculo de sangre y Cruzando la oscuridad. Las dos, dirigidas, escritas y producidas por el que fue marido de Madonna y Robin Wright, se suman a El juramento, nueva colaboración con Jack Nicholson, a un episodio corto incluido en el largometraje colectivo 11 09 01. Once de septiembre y su último trabajo, el que nos lleva Hacia rutas salvajes.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Ellen Page, un perfil

2008-02-10T17:20:00.000+01:00

Con apenas 21 años, esta canadiense de Nueva Escocia, ha visto cómo su aparición en Juno, con un vientre enorme, le ha hecho merecedora de su primera candidatura al Oscar... por ahora.

Ha sabido entrar en el juego de una chica deslenguada, inteligente, listilla dirían algunos... El personaje de Juno MacGuff le puede abrir de par en par las puertas de Hollywood, aunque ella ya miraba de soslayo cuando las tenía entreabiertas, gracias a títulos de corte independiente, como Wilby Wonderful y Mouth to mouth, difíciles de encontrar en nuestro país.

En el Festival de Cine Independiente de Sundance la conocen bien aunque son muchos los que la tienen muy presente desde su participación en la tercera entrega de X-Men: La decisión final, donde dio vida a Shadowcat, una de las últimas mutantes en llegar. La que fue candidata al Globo de Oro en la categoría de comedia y todavía puede hacerse con un Bafta británico por su Juno, es la misma que conquistó a muchos en la dura (y atrevida) Hard Candy, donde una adolescente de apariencia frágil se dedica a chatear con demasiada sinceridad. Esa niña acudirá a una cita con un treintañero un tanto extraño... ¡Y hasta ahí podemos contar!

Tiene un halo especial esta actriz tímida y menuda al natural que lucha contra los tópicos, prueba de ello fue la elección de un guión 'divertido, único, con un humor inteligente, muy genuino y honesto'. Jason Reitman, el director de Juno, recuerda haberla visto con esa caperuza roja y sentir algo parecido a lo que tuvo que experimentar quien vio a una joven Jodie Foster en Taxi Driver, aunque en un personaje mucho menos retorcido que el que le brindó el atrevido David Slade a la aún adolescente Page en Hard Candy.

A día de hoy conserva el mismo desparpajo con el que asombró a sus paisanos en la serie de televisión Pit Pony, el primer trabajo que desempeñó, cuando no llegaba ni a los 10 años y ya iba camino de ser una estrella, y no sólo infantil, como ponen de manifiesto los seguidores, ya mayorcitos, de ReGenesis. Se ha hecho un nombre e incluso se ha convertido en referente para toda una generación, por eso cuida mucho sus palabras, aunque eso sí, al hablar del aborto no tiene pelos en la lengua y va aún más lejos, argumentando que la gente crítica 'porque no sabe otra cosa que hacer'.

Admira a la Kate Winslet de Criaturas celestiales y Olvídate de mí y, por ahora, tiene tiempo para seguir investigando en el campo de la canción, componiendo algunas letras. Ellen Page también hace gala de su buen oído, un gusto musical que podemos apreciar en la excelente banda sonora de Juno, a partir de canciones de Moldy Peaches y Cat Power.

Veremos qué ocurre el 24 de febrero pero, pase lo que pase, deberá recuperarse pronto de la resaca post-Juno, ya que va a rodar el primer proyecto como directora de Drew Barrymore. Por cierto, ¿no les resulta curioso? Drew, Natalie Portman, Sarah Polley… Quizás la propia Ellen también siga la senda de jóvenes actrices que en su día dieron el campanazo en la interpretación y parece que tienen muchas cosas por contar desde el otro lado de la cámara.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Paul Haggis, un perfil

2008-02-10T17:18:00.000+01:00

Estaba detrás del guión de Million Dollar Baby, impactó con su primer largo como director y ahora nos muestra las secuelas de la guerra de Irak en los soldados que regresan a casa En el valle de Elah.

Paul Haggis se las ha visto y se las ha deseado para llegar hasta donde lo ha hecho. El que ha recorrido ha sido un camino largo aunque nunca le ha faltado la constancia al que muchos han calificado de genio demasiado pronto, ya que aún tenemos pocos elementos para juzgar.

Tras muchas vueltas por estudios de televisión, en series más o menos vistas, como La ley de Los Ángeles y Walter, hace siete años se planteó dar un nuevo rumbo a su vida profesional: se hizo con los derechos de una novela que acabaría convirtiéndose en el sustento de Million Dollar Baby, dirigida por Clint Eastwood. El éxito de la película le abrió de par en par las puertas de Hollywood y pudo ver cumplido su sueño de llevar a la pantalla un relato de su cosecha, un mosaico de historias que transcurren en Los Ángeles y que fueron reunidas bajo el título de Crash.

Mientras ponía en pie su proyecto más personal, Haggis continuó trabajando al lado de Eastwood, en el guión de Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima, dos películas por el precio de una. Las curiosidades rodean el trabajo de este cineasta que está a punto de cumplir los 55 años: en su haber tiene el honor de ser el escritor de dos historias que ganaron, de manera consecutiva, el Oscar a la mejor película, en 2005 y 2006, pero al cineasta le debemos también 'perlas' más discutibles como el guión de The last kiss, copia burda –aunque no barata- de la cinta italiana El último beso.

A pesar de haber dirigido dos largometrajes y tener varios proyectos en mente, el canadiense no ha aparcado su faceta de guionista: pronto podremos comprobar si ha adecuado su escritura directa y limpia al personaje de James Bond en el proyecto que nos mostrará la aventura que hace la número 22 en la saga. Veremos si lo de Haggis no acaba en promesas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Nadine Labaki, un perfil

2008-02-10T17:14:00.000+01:00

Hacer una película es una tarea difícil, pero lograr un sueño en un país sin infraestructura cinematográfica casi podríamos catalogarlo de milagro. Tenemos el ejemplo de esta joven libanesa.

"Para normalizar una realidad es necesario poder contar algo diferente de todo lo que nos resulta cotidiano". La frase podría tener un significado distinto si no viniera de una mujer de 34 años que ha crecido en medio de una guerra civil, cruel como todas y larga, muy larga.

Dicho esto, no resulta extraño que en su primera película –que dirige, escribe e interpreta- proponga una mirada, sutil e irónica, al día a día de la sociedad libanesa, desligándose de la noticia, del hecho puntual por el que Líbano sale en los informativos...

Podríamos apuntar que su Caramel no es más que un sencillo toque de atención que descubre la existencia de otras realidades relatadas de una manera atractiva, algo que parece gustar a todos: Nadine Labaki comprobó cómo su primer largometraje encandilaba al público mediterráneo en los festivales de Cannes y San Sebastián, donde se hizo con los premios que otorgaban el público y un jurado compuesto por jóvenes.

Labaki tiene por delante un futuro prometedor y, sobre todo, las ideas muy claras, como su interés en hacer cine a partir de lo cotidiano: "tienes que contar lo que mejor conoces, por eso las historias que muestro son las que siempre he escuchado". Los cinco personajes en torno a los que gira la trama de Caramel están inspirados en muchas de esas historias, en personas que conoce Labaki, quien se animó a ser una de las protagonistas después de un largo proceso de cásting a otras actrices.

Como muchas de su generación, esta libanesa nacida en 1974 ha sabido encontrar el equilibrio entre el modelo occidental y el oriental. En su país de origen, muchas mujeres se debaten entre el estereotipo más europeo y el peso de la tradición, presa, por si fuera poco, de más de 30 confesiones religiosas distintas. Ese farragoso mix cultural, alimentado por diferencias ideológicas, es el sustento casi imperceptible de su alabado primer trabajo. Así lo ha querido reflejar en su película, la más taquillera en un país donde cada año no pasan de las seis producciones, y ya son muchas.

Desconoce la razón del éxito de Caramel – "quizás su pretensión de mostrar identidad propia acercándose a los usos occidentales"-, pero sí que cree que ayuda a llegar al público la posibilidad de reflejar toda la belleza que hay en lo cotidiano, en la gente normal, llena de contradicciones. Es la que puebla su universo más cercano, el de su Beirut natal, y también el de tantos creadores extranjeros que llegaban a su casa a través del videoclub donde alquilaba las películas con las que se recluía en casa, intentando escapar a la guerra civil que se veía desde su ventana. Así va camino de ser su cine, un trozo de vida narrado con toda la naturalidad posible.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El primer Goya de Maribel

2008-02-10T17:10:00.000+01:00

No ha comenzado mal 2008 para ella: Maribel Verdú ya está en Argentina para rodar Tetro, a las órdenes de Francis Ford Coppola, y además le ha dado una gran alegría a sus amigos y familiares.

Los que el pasado domingo estaban pendientes de que José Coronado pronunciase su nombre como mejor actriz protagonista por Siete mesas (de billar francés), una película que le ha dado grandes satisfacciones a una actriz a la que hemos visto crecer desde que Vicente Aranda le confió un papel en la serie de televisión La huella del crimen, en el episodio que dedicó a El crimen del capitán Sánchez, en 1984.

Dos años más tarde, Fernando Trueba y Montxo Armendáriz fueron responsables de su salto al cine, conEl año de las luces y 27 horas. De aquello han pasado más de 20 años, un periodo en el que ha tenido tiempo para pisar la alfombra roja de los Oscar (en 1993, junto con todo el equipo de Belle Epoque), protagonizar títulos imprescindibles en nuestro cine, caso de Amantes y La buena estrella, caer en el olvido y resurgir gracias a Guillermo del Toro y Gracia Querejeta. Con ella y Blanca Portillo reconoce haber formado un sólido y cómplice triángulo que va más allá de lo estrictamente profesional.

Con las maletas preparadas para irse a trabajar con uno de los grandes de Hollywood, en Argentina, donde se sintió bien acogida cuando rodó El niño de barro, Maribel Verdú acudió a la gala de entrega de los XXII Premios Anuales de Cinematografía. Era la quinta ocasión que aparecía en las quinielas al Goya, pero la experiencia de años anteriores le hizo adoptar la misma pose de siempre, mezcla de incredulidad y esperanza ahogada. Este año iba a ser diferente al de Amantes, cuando Silvia Munt se alzó con el Goya por Alas de mariposa, dejando a ella y Victoria Abril sin galardón; tampoco se iba a llevar el disgusto de 1997 al ver como Cecilia Roth 'se lo arrebataba' por Martín (Hache).

Lo dicho, tenía la cara preparada porque esperaba que dijesen el nombre de Belén Rueda, pero el Goya por fin acabó en sus manos por Siete mesas (de billar francés), que ya le ha valido, entre otros, el Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos y el Sant Jordi de RNE. Pero el Goya tiene otro sabor... Y mucho más intenso es, si cabe, por la película que más importante ha sido a nivel personal, ya que llevaba dos años de brazos cruzados, esperando que sonase el teléfono.

Era difícil que lo lograse, sobre todo porque cuando hay dos candidatas por la misma película en la misma categoría, y ahí estaba la Portillo, los votos de los académicos se suelen dividir -le pasó con Amantes-, pero el Goya no hace más que reafirmar la carrera de esta actriz de 37 años a la que le gustan los retos. Para comprobarlo sólo hay que echar un vistazo a lo que tiene por estrenar: Gente de mala calidad, una comedia a las órdenes de Juan Cavestany, con Alberto San Juan –el otro Goya- como compañero de reparto; la tremenda historia narrada en Los girasoles ciegos, adaptada por José Luis Cuerda, y, lo decimos en voz baja para que no se asuste, Tetro, del maestro Ford Coppola... Y lo que le queda.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Javier Cámara (una entrevista)

2007-11-24T09:04:00.000+01:00

A las órdenes de Isabel Coixet, Julio Medem, Pedro Almodóvar y Agustín Díaz Yanes ha participado en los últimos éxitos del cine español, pero siempre reserva un hueco para los cineastas debutantes. Es el caso de Tomás Fernández, al frente de La torre de Suso. La película se proyectó dentro de la sección Zabaltegui, del Festival de San Sebastián y ya está en las carteleras.

Daniel Galindo: Queremos que seas tú, el protagonista absoluto, quien nos de unas pinceladas acerca de La torre de Suso.
Javier Cámara: Pues con poco se dice mucho: es la primera película de un director con las ideas muy claras, que pretende contar la historia de un grupo de amigos que se vuelven a encontrar después de una década sin verse y se dan cuenta de que sus vidas han cambiando y también tienen que reconocer que sus sueños son otros.

D.G: Una cinta sobre la amistad, una comedia con un tono agridulce...
J.C: Hay un claro homenaje a una generación que hubo en Asturias, la de los hijos de la minería, que se vio abocada a enfrentarse y superar duros problemas. Pero por el enfoque, los protagonistas pueden ser gente de cualquier rincón del planeta, y el tratamiento, con mucha delicadeza, ternura, y un poco de ironía, contribuye a que el mensaje universal que plantea llegue más lejos si cabe.

D.G: La película apela directamente a la sensibilidad del espectador, precisamente por el halo nostálgico que la envuelve...
J.C: Lo cierto es que nosotros, los actores, no éramos conscientes de que estábamos recreando una especie de duelo por los amigos que se han ido, que ya no están... Los que se vuelven a reunir por circunstancias tristes son los verdaderos protagonistas. Es la típica película que terminas de ver y te apetece llamar a todo aquel al que hace tiempo que no ves. El espíritu de la película nos lo enseñó muy bien el director para que supiéramos transmitir ese sueño que el tenía, el de contar un trozo muy importante de su vida. Yo creo que el espectador va a reír y a llorar... Se lo va a pasar muy bien.

D.G: Te acompañan en el reparto actores como Malena Alterio y Gonzalo de Castro, sin olvidar a dos veteranos del cine y el teatro...
J.C: Los que hacen de mis padres, menudo orgullo, porque a Emilio Gutiérrez Caba no hay que presentarlo y Mariana Cordero es una actriz que, igual a la gente no le suena su nombre, pero ha hecho cosas muy importantes a las órdenes de Fernando Colomo en Al sur de Granada, de Benito Zambrano en Solas, y pronto la veremos en Todos estamos invitados, de Manuel Gutiérrez Aragón.

D.G: Estoy pensando... Menuda vida les tuvo que dar tu personaje a esos padres...
J.C: El chico huye de una vida prefabricada, de un futuro organizado por sus padres, que además, en este caso, son un hombre que ha vivido más de treinta años encerrado en una mina y una mujer que ha estado con el corazón en un puño, esperando una terrible llamada desde la mina... Pero eso le ocurre a Cundo aunque también podría pasarle a cualquiera de nosotros.

D.G: Hable con ella, Torremolinos 73, Lucía y el sexo, La mala educación, Malas temporadas, La vida secreta de las palabras, Ficción, Alatriste... Y todo esto y mucho más, Javier, en cuestión de muy poco tiempo...
J.C: Y no me he dado ni cuenta... Como me lo paso tan bien, trabajando en lo que me gusta, me llaman y allá voy. Lo último que he terminado de rodar es la historia de un chef y una jefa de sala, a la que da vida Lola Dueñas, y se titula Fuera de carta, de Nacho García Velilla, al que también conocí en Siete vidas y cuando pienso que he dejado la pequeña pantalla para hacer cine con gente que sabe mucho de televisión, me entra la risa.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Silvia Abascal

2007-11-24T08:56:00.000+01:00

Esta madrileña de 28 años ha sabido conquistar a todos con trabajos en cine siempre diferentes, como El tiempo de la felicidad, La fuente amarilla, La voz de su amo, El lobo, Vida y color...

Ahora tenemos la oportunidad de disfrutar de sus dotes como intérprete en una ópera prima diferente y entrañable. Y pronto la veremos en el teatro, a las órdenes de Manuel González-Gil, convertida en una de las Gatas que deambularán por el escenario, al que tiene la necesidad de subirse al menos una vez al año.

Daniel Galindo: Escuchando a Gabriel os ha dado la posibilidad de contar una historia de manera atípica, poniendo el acento en sentimientos y empleando sobre todo la música y la palabra...
Silvia Abascal: La música es el más universal de las artes: todos entendemos su lenguaje y creo que es muy buena vía para que fluyan sentimientos de todo tipo. Y en esta película hay un fuerte protagonismo del amor, el rencor y la ternura, además de hablar de la recuperación de la ilusión, de las reconciliaciones y de lo que significa. Para llegar a buen puerto fue vital la batuta de José Enrique March quien, dentro de la humildad de esta producción, fue muy exquisito en formas y detalles.

D.G: Es una película que depara muchas sorpresas, entre ellas, ver cómo Silvia Abascal ejecuta piezas al violín...
S.A: Qué va, qué va... ¿Tú sabes lo difícil que es el violín? Además me merece muchísimo respeto. Pero es como todo, hay que ser disciplinado y nunca decir que no puedes: de algo tiene que servir la disciplina, el tiempo y la energía dedicados, además de intentar dar lo máximo para ser lo más creíble posible. En eso consiste tu aportación como actriz, y no me olvido del respeto y el amor, en este caso, hacia el instrumento que es la joya del músico, del mismo modo que el cuerpo y la voz lo son para nosotros, los actores.

D.G: Una de las cosas buenas de la ficción es que te permite descubrir mundos que hasta la llegada de un guión o un libreto podían ser del todo desconocidos...
S.A: Ese es el mayor lujo del actor. Yo creo que si eres un pelín curioso puedes aprender muchas cosas: todos tenemos mil parcelas dentro, algunas más escondidas que otras, pero la interpretación te permite acercarte a ellas de manera descarada. Además, es un oficio en el que, si te implicas, te hace más tolerante por ponerte en la piel del otro, tomando su perspectiva. Es cierto que debes intentar no juzgar al personaje, sino sentirlo para poder ampliar horizontes y caer en cosas que jamás te hubieses planteado.

D.G: ¿Es más especial un rodaje como el que os mantuvo ocupados con motivo de Escuchando a Gabriel? Supongo que al ser un proyecto con el que muchos empezaban en el mundo del cine, sería diferente a otros dirigidos por gente con más experiencia...
S.B: Sí, empezando por los retos a los que nos enfrentábamos, uno de ellos era el listón tan alto que tenía que alcanzar Javier Ruiz con el personaje de Gabriel. He de confesaros que nada más leer el guión pedí a todos que ese personaje se convirtiese en varón, porque está lleno de matices y recorre todos los estados posibles. Luego, al coincidir mucha gente que seguro se va a abrir camino en esta industria, había sobre la mesa mucha ilusión y ahora estamos todos esperando a que la película se haga un hueco merecido, aunque la cosa está difícil, debido al aluvión de estrenos que hay cada semana.

D.G: Pero lo importante es lo que queda, trabajos como el de La dama boba, por el que te alzaste con una Biznaga de Plata en el Festival de Málaga y supuso tu tercera candidatura al Goya...
S.A: Ya no sólo de cara a las críticas, los premios, los reconocimientos... Para mí son más ricos los procesos que los resultados, y con La dama boba, a las órdenes de Manuel Iborra, viví una época maravillosa, por muchas razones: siempre me dan mucho drama y esto era comedia; teníamos la posibilidad de jugar con el verso –que no se hacía desde que Pilar Miró rodó El perro del hortelano- y prepararnos con una mujer que tanto sabe, como es Alicia Hermida.

D.G: Y pronto te vamos a ver como una de las Enloquecidas; las otras dos son Verónica Forqué y Concha Velasco...
S.A: Es una comedia loca, loca, que he rodado después de un proyecto para televisión, 48 horas, donde encarno a la hermana de Miguel Ángel Blanco. Enfoqué ese trabajo desde el rigor y la delicadeza, intentando ser objetiva e intentando obviar todas las referencias a aquel hecho que nos cambió a todos. Y pasar de ese drama a la comedia más irreverente fue un giro total: no sabes cuanto he disfrutado viendo a esos dos monstruos de la interpretación, así que espero que también vosotros lo paséis muy bien.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Marta Belaustegui

2007-11-09T14:01:00.000+01:00

Desde que tiene uso de razón, esta madrileña mantiene un idilio con el teatro, a veces dando la cara sobre el escenario, en otras ocasiones sacando adelante montajes desde la trastienda de la producción. Con ella hablamos de los entresijos de su compañía, Teatro del Duende, que pone en escena Dile a mi hija que me fui de viaje, con ella y María José Goyanes en los personajes principales.

Daniel Galindo: Contemplando la línea que seguís desde la compañía, vemos que habéis estrenado autores que en España no habían subido aún a las tablas...
Marta Belaustegui: Es una satisfacción poder decir que, a pesar de que se había hecho mucho Pirandello, nadie se atrevió con La tinaja, el montaje con el que nosotros empezamos, un texto muy crítico, muy potente... Y desde entonces hemos pasado por Valle-Inclán y Bernard-Marie Koltés, sin olvidar a un Edward Albee desconocido, el de La comedia del bebé, hasta llegar a Denise Chalem, un Premio Molière que merecía ser traducido al castellano. Son textos que nos gustan y que conllevan a su vez un cierto riesgo y casi una obligación para que el espectador escuche discursos nuevos que, junto a la revisión de los clásicos, nos hacen evolucionar.

DG: A pesar de todos los quebraderos de cabeza que puede dar afrontar la producción de una obra modesta y distribuirla, sois muchos los actores que os empeñáis en esta gratificante tarea que es la de vivir para el teatro...
MB: Salí de la Escuela de Arte Dramático y la verdad es que lo que quería era formar compañía, algo que he llegado a cumplir en tres ocasiones: algunas nos duraron muy poco, porque cuesta sostener los sueños, pero con Teatro del Duende ya llevo quince años. En realidad lo veo como una necesidad: es mi forma de expresarme y el trabajar en equipo te permite la posibilidad de esta en activo en todo momento y sentirte pleno como artista, sin tener que esperar a que los demás cuenten contigo.

DG: Dirección, interpretación, producción... Al fin y al cabo todo forma parte de lo mismo que, en definitiva, es contar historias...
MB: Así es, aunque me da la sensación de que los que nos ponemos a ello, los que nos remangamos y nos ponemos las katiuskas estamos muy mezclados con los mercaderes, con los vendedores de arte, los que distribuyen teatro... Y llega un momento en el que todo se combina demasiado. Nosotros tenemos la compañía y es un espacio en el que no se mezcla nada, es un lugar muy puro, en el que se trabaja y hacemos las cosas porque nos sale del corazón, sin tener que hacer concesiones de ningún tipo y eso me hace sentir tan libre... Además me gusta generar trabajo e incluso, en determinadas ocasiones, contar conmigo misma.

DG: Y eso da frutos como en el caso de Dile a mi hija que me fui de viaje... ¿Cómo llegasteis a este texto?
MB: De una manera casual, cuando fuimos a comprar los derechos del anterior montaje, La comedia del bebé, y quien nos los facilitó nos miró y nos dijo: 'tengo una obra y además las dos actrices están sentadas frente a mi'. Nos llamó la atención el comentario, leímos la obra y nos dejó sin respiración. Y esa sensación debe desembocar en algo... ¡y aquí está ya nuestra obra!

DG: Dos mujeres en una cárcel condenadas a comunicarse...
MB: Yo creo que el título, Dile a mi hija... es una decisión porque los dos personajes inician un itinerario individual pero llega un momento en el que tienen que empezar a entenderse, aunque sea a la fuerza, y cada una toma su propia decisión. Es una historia de secretos y mentiras, aunque a partir de ellos, nazcan las grandes verdades. Es una historia de amor, fundamentalmente.

DG: Dos personajes que tienen que encontrarse...
MB: El punto de partida es ese: en la vida nosotros elegimos con quien vivimos entre cuatro paredes y esa situación hace que la relación se tenga que establecer a la fuerza, en la incomunicación hay comunicación. Estás obligado a vivir con esa persona, y el día a día puede ser terrible o no. Lo atractivo de este texto es ver cómo se van encontrando dos seres tan diferentes entre sí, dando a entender que al final nos necesitamos unos a otros.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Demi Moore, un perfil

2007-10-07T15:11:00.000+02:00

La que en los noventa fue la estrella mejor pagada de Hollywood ofreció en el pasado Festival de San Sebastián todo un tratado de interpretación, fama y mercado. Y presentó película, Un plan brillante.

Por si no lo sabía, Demetria Gene Guynes nos lo aclara: "la carrera de un actor tiene subidas y bajadas, es como una ola y lo único que puedes hacer es lanzarte a ella". Se despachó a gusto con los periodistas la que ha recibido proposiciones indecentes, ha sido acosada, juró a Melanie Griffith, Rita Wilson y Rossie O’Donnell que serían Amigas para siempre, se marcó un Striptease y se rapó la cabeza al cero cuando le tocó ser La teniente O’Neil.

En su último estreno vemos a Moore compartiendo secuencias con Michael Caine, algo que si se lo hubieran dicho cuando debutó en el cine, allá por 1984, no lo hubiera creído, sobre todo si se lo dice el propio Caine, que daba vida al padre de su personaje en Lío en Río.

Por mucho maquillaje que le pongan durante la caracterización de su personaje en Un plan brillante nadie puede negar que, a sus 44 años, sigue siendo una de las bellezas de Hollywood, ese lugar al que llegó con poco más de 20. Por cierto, hablando de físico, ella señala que la belleza es algo que lo mismo puede jugar a favor que en contra y asegura que en su caso el papel que ha desempañado sido favorable, "pero lo esencial es no depender de ella para conseguir tu objetivo final".

Para la actriz nacida en Rosswell, Nuevo México, es un error centrarse demasiado en mantener la juventud en lugar de celebrar todo lo que conlleva la madurez. Su objetivo en la vida es buscar papeles que le supongan un reto: no le gusta repetirse, sino explorar nuevos caminos y salir de la comodidad que ya ha logrado en el terreno profesional.

Y ahora rebusquemos en su pasado: no, no vamos a decir que se ha divorciado ya dos veces, es madre de tres hijos –junto a Bruce Willis- y está en su tercer matrimonio, con Ashton Kutcher, quince años más joven que ella. Lo que sí hemos encontrado es que su mayor éxito data de 1990, es –seguro que lo han adivinado- Ghost, y llegó a ser la primera actriz del mundo en cobrar 10 millones de dólares por película.

Volviendo a lo estrictamente cinematográfico, dice que ahora elige mejor los papeles, prueba de ello es el de Bobby por ejemplo, a las órdenes de Emilio Estevez, un trabajo corto, pero intenso. A pesar de estar presente en casi el 90% de los planos, el de Un plan brillante no fue muy acertado que digamos. Veremos qué ocurre con Mr. Brooks, un título a punto de ver la luz en el que comparte protagonismo con Kevin Costner y William Hurt.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Maribel Verdú, un perfil

2007-10-07T15:03:00.000+02:00

Muchos consideran su trabajo en Siete mesas (de billar francés) y El laberinto del fauno como el renacer de las cenizas de este ave Fénix, aunque en realidad esta madrileña nunca se marchó para los amantes del cine en español.

Es de esas actrices que nos han saludado toda la vida sobre la pantalla grande, desde que a los 15 años apareció junto a Fabio Testi en El sueño de Tánger, de Ricardo Franco.

Fue el malogrado cineasta quien le regaló en 1997 uno de sus papeles memorables, el de 'la tuerta' en La buena estrella, con Antonio Resines y Jordi Mollá. Como leeremos, el cine le ha dado grandes satisfacciones a tres bandas y, en concreto, con sus dos amigos, aunque por separado, haría muchas de sus cerca de 40 películas: Carreteras secundarias, La celestina, El portero...

Quien haya visto Amantes, de Vicente Aranda, difícilmente podrá olvidar los primeros planos de la joven Maribel en Burgos. Por aquel momento, comienzos de los 90, ya empezaba a ser conocida en cine, tele y teatro. Repetía aquel cuarteto, porque en ese caso fue cuarteto, compuesto por la actriz, Jorge Sanz y Victoria Abril, bajo la atenta mirada del maestro Aranda, que pusieron en pie una atípica continuación de la televisiva Los jinetes del alba.

Cuatro años antes, en 1986, los más jóvenes del grupo aficionado a los capítulos de La huella del crimen se conocieron con motivo del rodaje de El año de las luces, de Fernando Trueba. Desde entonces Sanz y Verdú han sido novios, hermanos, amigos y esposos en la pantalla grande, la última vez en Tiempo de tormenta, de Pedro Olea. A Maribelín -así se refiere a ella Resines- se la rifan todos, por algo ha trabajado con Montxo Armendáriz (27 horas), Carlos Saura (Goya en Burdeos), Gerardo Herrero (Frontera sur), José Luis Garci (Canción de cuna) y Bigas Luna (Huevos de oro), sin olvidar a sus queridos Vicente y Fernando.

De resaca por culpa de la fábula del fauno, más terrible que hermosa, Verdú reconoce que ahora toca descansar, a pesar de que el papel le ha dado, si no todo, mucho: hace unos meses volvió a pisar la alfombra roja de los Oscar, casi 15 años después de acudir por primera vez a Los Ángeles con Trueba y la trouppe de actrices de Belle Epoque, también el amigo Jorge. Su papel a las órdenes de Guillermo del Toro le ha devuelto a la primera línea cinematográfica.

El año 2006 ha sido uno de los más productivos de su carrera: cuatro largometrajes a un lado y otro del Atlántico, sin olvidar su primer protagonista a las órdenes de Gracia Querejeta. Con la directora madrileña y Blanca Portillo ha formado un trío indisoluble que, según reconocen las tres, irá más allá de Siete mesas (de billar francés). Como apuntamos, es sólo uno de los títulos que tiene en la nevera a punto de estrenar, entre los que se encuentran Oviedo Express, de Gonzalo Suárez, y sus escapadas a Argentina con El niño de barro, otra incursión en el género de terror, y México, con motivo de La zona, de Rodrigo Pla. Maribel suma y sigue.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Ricardo Darín

2007-10-06T20:24:00.000+02:00

Ya está en las pantallas La señal, una película de género negro que nos lleva hasta el Buenos Aires de 1952. Es lo último del actor argentino que se dio a conocer en España con El hijo de la novia y al que luego hemos visto en títulos como Nueve reinas, Kamchatka y La educación de las hadas.

No sabemos si alguna vez pensó ponerse detrás de la cámara, pero seguro que no entraba en sus planes hacerlo de una manera tan improvisada. Tras la muerte de un amigo, el cineasta Eduardo Mignogna, ha conocido, casi sin pretenderlo, el gran esfuerzo que supone hacer un largo, no sólo en términos económicos, sino también el desgaste emocional que conlleva... De todo ello nos habló en su paso por Madrid.

Daniel Galindo: El guión que Mignogna no pudo ver convertido en imágenes por fin está en las pantallas...
Ricardo Darín: Y si has visto sus películas, El faro del sur, El viento, Sol de otoño, La fuga... Te habrás dado cuenta de que no es una película de Mignogna. Martín Hodara y yo le dimos muchas vueltas a la cabeza y al final decidimos no dejarnos influir por él. Me explico: él era el alma, sí, pero elegimos un camino muy diferente al que él hubiese tomado. Seguro que le hubiese quedado una cinta más esperanzadora, porque él tenía un gran sentido del humor, era muy inteligente...

D.G: Tú le conocías muy bien, ¿qué hubiese opinado del resultado?
R.D: Creo, de verdad, que estaría de acuerdo con lo que hemos hecho, sobre todo porque intentamos plasmar los valores y los códigos de una generación que pocos han sabido retratar, muy pocos, salvo él en su novela, una historia de traición y ambiciones ambientada en los días en que Eva Perón agonizaba.

D.G: Ese es el fondo pero la idea era la de dar una vuelta de tuerca al cine negro...
R.D: Queríamos una película de género pero buscando siempre el equilibrio y la credibilidad, sin que se nos quedase a todos un regusto negativo, recargado por culpa de unas interpretaciones acartonadas, menos digeribles y más propias de los años cuarenta y cincuenta. Los espectadores estamos acostumbrados a otra cosa, el gusto se ha educado de otra forma, es diferente y por eso, a sabiendas de que pretendíamos retratar una época, evitamos copiar giros y claves para huir del homenaje presuntuoso y hacer más nuestra la película, con una actuación negra y seca, pero mostrando la vulnerabilidad de los personajes y mostrando un equilibrio entre la argentinidad y los patrones del género.

D.G: Ahora verá todo el proceso de concepción de un largo de manera diferente... ¿Qué ha aprendido de la experiencia?
R.D: Muchas cosas, pero de lo que más me enorgullezco es de haber sobrevivido a los miedos, la responsabilidad y los quebraderos de cabeza por una primera película a la que se unía un componente sentimental por la muerte de Mignogna. Me quedo con el sacrificio que supone estar muchos meses con un proyecto, con la mirada totalizadora que te proporciona eso... Y he disfrutado muchísimo en el proceso de edición y montaje ya que ahí pude descubrir el origen de un gesto, algo que espero me sirva cuando esté delante de la cámara: a mi edad he cambiado de opinión en cuanto al trabajo del actor.

D.G: ¿En qué sentido?
R.D: En cuanto a eso de meterse en los papeles de época: siempre me pareció un tanto ‘facilista’, incluso infantil... Los grandes actores cambiaban de registro al enfundarse en trajes de otros tiempos, sólo por colocarse un sombrero, pero he comprobado que vestirse de cierta forma te condiciona a la hora de andar, de moverte, de expresarte... Uno empieza a comportarse de otra manera y eso enriquece la actuación.

D.G: Está de más preguntarlo, pero... ¿Repetiría la experiencia?
R.D: Sin dudarlo. Lo de actuar y dirigir a la vez es algo que no me parece recomendable porque alguno de los dos trabajos se puede resentir en el camino. Ya sabes que en este caso no tuve más remedio, pero me cuidaré de que no vuelva a pasar. Nadie sabe qué va a hacer en un futuro, pero lo que sí sé es que para poder dirigir hay que tener una historia muy clara y muy bien pensada, además de algo bueno que contar.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Gracia Querejeta

2007-10-06T20:18:00.000+02:00

Una estación de paso, El último viaje de Robert Rylands, Cuando vuelvas a mi lado y Héctor. Cuatro películas, sólo cuatro, y la cineasta madrileña se había convertido ya en un referente del cine reciente español.

La última, Siete mesas (de billar francés), estaba llamada a ser una de las grandes apuestas de este final de año, pero antes incluso de su estreno oficial ha dado más de una satisfacción, como la Concha de Oro al mejor guión y el reconocimiento, también en San Sebastián, a una de sus actrices, Blanca Portillo.

Daniel Galindo: Sabemos que te ha quedado un regusto amargo tras los premios que os habéis traído de San Sebastián...
Gracia Querejeta: No quiero que nadie lo entienda mal, pero me ha dado pena que Maribel se quedara sin premio. Me gusta mucho que hayan destacado la labor de Blanca, también el premio al mejor guión: está muy bien que se reconozca la labor más solitaria, que es la de escritura, pero me hubiese gustado que el premio a la actriz fuese ex aequo, porque Blanca y Maribel se sostienen una a la otra.

D.G: Blanca Portillo y Maribel Verdú, dos mujeres, dos personajes, condenados a entenderse...
G.Q: Por circunstancias de la vida no tienen más remedio que sacar a flote un negocio, un viejo salón de billares. Su relación cambia conforme avanza el metraje y al final es la película más optimista que he hecho. Salió de manera espontánea porque, después de esos veinte primeros minutos demoledores, necesitaba reírme de los dramas. Ha sido una necesidad y creo que el espectador agradece que entremezcles lo cómico con lo trágico. Ahí está por ejemplo el equipo de billaristas, que parecen sacados de otra época y le dan el toque menos dramático a la trama.

D.G: Ya se va diciendo que las tres formáis un nuevo núcleo duro del cine español, al menos en cuanto a amistad se refiere...
G.Q: Nunca se sabe lo que puede pasar cuando unos actores y un director empiezan a trabajar mano a mano: puede que la cuestión quede ahí y luego cada uno se marche a su casa, y hay veces que se sobrepasa la línea y desde trabajo se llega a la amistad. En nuestro caso se ha producido una doble fortuna, porque no siempre ocurre y tampoco tiene que pasar necesariamente, pero es cierto que con ellas me he sentido muy a gusto, me siento bien.

D.G: Blanca y Maribel son nuevas en el universo Querejeta; quien no llegar por primera vez a un proyecto tuyo es el guionista David Planell.
G.Q: Ya habíamos trabajado juntos en Héctor y lo cierto es que ha sido un trabajo muy intenso, aunque hemos tardado menos tiempo en parirlo que el anterior, alrededor de un año, muy poco si somos conscientes de mi lentitud habitual. Aunque hemos tenido dedicación exclusiva al proyecto, tengo que decir que ha sido un proceso muy fluido y muy, muy gratificante. Además te enriquece ver otro punto de vista sobre un mismo hecho.

D.G: Como ocurrió con Héctor, la película supone echar un vistazo al barrio de siempre, en este caso al municipio madrileño de Coslada, con ayuda de personajes luchadores, que son una constante en tu cine...
G.Q: Sí, yo creo que casi lo hago ya para exorcizar los miedos que puedo tener en un momento determinado de mi vida. Tiene mucho que ver con la necesidad de autoconvencerse de que casi siempre suele haber salida incluso de las situaciones más tremendas. Yo escribo para vengarme de los fantasmas y las cosas que me paralizan. Lo hago con ese propósito, pero el caso es que no me curo, aunque sí que todas mis historias, aunque el punto de partida pueda ser dificultoso o penoso, de pronto giran y eso es porque alguien acaba echándole ganas a las cosas y trabajo. De esta forma uno también contribuye a que pueda encontrarse con otras vías para tirar hacia delante y estar mejor de como uno estaba.

D.G: Y es por ese mensaje positivo y esa manera de contar las cosas que tus películas gustan tanto...
G.Q: No soy yo quien tiene que responder a eso, pero es cierto que todos pretendemos llegar al mayor número de público. Yo al menos no tengo intención de quedarme con mis cosas para mí misma y los míos, quiero que las películas fluyan para la gente que las está viendo. A veces pienso que quizás no sean fáciles o cómodas, pero sí creo que juegan con el valor de la cercanía: me gusta que el espectador se sienta reconocido en los problemas que está planteando la historia.

D.G: Tres veces has pasado ya por Donosti, la primera vez fue con El último viaje... La segunda con Cuando vuelvas a mi lado, acompañando a esas tres mujeres que deben cargar con las cenizas en un viaje al pasado...
G.Q: Esta película es diferente: no tiene flashbacks, todo el rato es hacia delante... Tendrá puntos en común con Cuando vuelvas... Incluso con Rylands, no lo sé, yo tengo la sensación de que todas las películas que he hecho, que tampoco son tantas, están unidas por una fina línea unas con otras y desde luego Siete mesas… es heredera de todo lo que he hecho anteriormente. También es distinta, yo sé que es distinta.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Kim Rossi Stuart

2007-09-30T10:31:00.000+02:00

Su primer trabajo como director nos lleva a conocer la historia de una familia romana tan curiosa como cercana. Líbero es la propuesta de un actor que casi se sintió obligado a ponerse detrás de la cámara. ¿El resultado? Una película a la que está acompañando por todo el mundo casi dos años después de su paso por Cannes.

Daniel Galindo: Durante hora y media tenemos la suerte de contemplar como mirones un relato sencillo que conecta con el espectador. Parece que estamos faltos de eso, de que nos cuenten historias cercanas...
Kim Rossi Stuart: El estilo, el corte de la película es muy realista. Siempre pretendí contar el día a día, algo alterado eso sí, de una familia normal. Esta familia es italiana, sí, pero con visos de ser de cualquier pais occidental.

D.G.: Y nos conviertes en espias...
K.R.S.: Mi idea era que les viésemos a través del ojo de una cerradura, que el espectador pudiese contemplar de manera natural, sin artificios, ese trozo de vida cercano y más frecuente de lo que creemos. Intento contar las historias de manera que se mantenga viva la atención del público, con un guión que le interese.

D.G.: Actuar y dirigir viene a ser lo mismo, contar historias, pero ¿de dónde te viene ese interés por colocarte al otro lado del visor?
K.R.S.: Siempre tuve el deseo de ponerme detrás de la cámara desde que tome conciencia de lo que hacía, actuar con regularidad, siempre planteándome problemas que podían preocupar al director. Lo de escribir no lo tenía en mente, lo llevaba a cabo, pero la posibilidad de orquestar un proyecto pasaba a un segundo plano cuando volvía a tener en mis manos un papel a las órdenes de directores a los que consideraba como maestros y posibles fuentes de enseñanzas.

D.G.: Lo que no estaba tan claro era que en esta cinta estuvieses delante y detrás de la cámara...
K.R.S.: Ya me parecía demasiada responsabilidad asumir un trabajo de dirección pura y dura, pero se dieron casualidades que me llevaron a pensar que nadie conocía a ese padre como yo después de haber convivido con él durante tres años. Mi objetivo prioritario era que los niños estuviesen a gusto, transmitirles confianza... Al final todo se volvió muy orgánico, yo tenía autoridad como director y, a la vez, como cabeza de familia.

D.G.: Dicen que es complicado rodar con niños, pero es mucho más complicado y arriesgado que un niño lleve el peso de la historia, ¿no?
K.R.S.: Todo personaje que aparece en el metraje tiene la intención de evidenciar su interacción con el niño desde el punto de vista del pequeño. También en el plano técnico el enfoque estaba siempre en consecuencia de su perspectiva, tanto visual como emotiva.

D.G.: Como actor has trabajado con directores como Michelangelo Antonioni (Más allá de las nubes), Roberto Begnini (Pinocho), Gianni Amelio (Las llaves de casa) y pronto te veremos de nuevo como intérprete en Romanzo criminale, de Michele Placido. ¿Hay algo de ellos en tu ópera prima o has escapado de toda referencia?
K.R.S.: Siempre aprendes, de lo positivo y de lo negativo, y he podido notar que un grandísimo siempre atraviesa por dificultades. Esto me hizo sentir más cómodo a la hora de afrontar las dificultades. Por otro lado he intentado plantear una película sin referencias explícitas a nadie: yo quería hacer algo personal, única, mía... y esto lo digo sin pretensiones de ningún tipo.

D.G.: La vida de Líbero está siendo larga, no deja de estrenarse en nuevos paises (Argentina, Reino Unido, Francia). Si ésta ha salido bien, está saliendo bien, puede que Kim esté pensando en una segunda...
K.R.S.: Llevo acumulando notas y apuntes desde hace mucho tiempo, pero no sé cuál es la historia más urgente a contar. Seguro que será un proceso bastante largo, primero escribo con total libertad, sin presiones, y luego porque tengo que analizar qué quiero contar y cómo lo quiero hacer.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Julio Medem

2007-08-31T08:06:00.000+02:00

Se dio a conocer entre vacas y ardillas rojas, buscó cochinillas en la tierra, a Lucía le descubrió el sexo, sufrió la piel contra la piedra y nos presentó a dos amantes en el Círculo Polar. Llega el turno de Caótica Ana.

Daniel Galindo: El relato parte de un homenaje explícito a tu hermana, ya fallecida. Al final su recuerdo queda para vuestra intimidad y en la película se muestran sus cuadros, pintados con cera y mucho color.
Julio Medem: En un primer momento la evocación de Ana me atrapó, incluso quería contar su forma de ser, su expresividad, por medio de una historia positiva, luminosa… Empecé a escribir en profundidad el guión y me di cuenta de que el personaje se estaba independizando de alguna forma, tomando un rumbo diferente. La comedia tornó en drama, apareció el caos y otro libreto cobró vida propia. Ana ya era muy distinta a mi hermana, así que por otro lado me sentí muy aliviado. Y pensé ‘es mejor que sea así’.

DG: Y entonces llegó una curiosa cuenta atrás, un despiece con aire de fábula en el que Ana es a la vez princesa y monstruo de un reino donde está instala la tiranía. Hablar de poesía visual resultaría pretencioso, pero sí es cierto que las imágenes están cargadas de simbolismo…
JM: Las experiencias inconscientes que emergen de las profundidades de Ana representan la lucha de la mujer frente al señor de la guerra, es una especie de oda a la feminidad y de enfrentamiento contra la supremacía impuesta del género masculino sobre el femenino. El hombre blanco es la primera causa de las desgracias de la humanidad y el contrapunto lo encontramos en la mujer, que es la vida, ya que representa la fertilidad y la continuidad de la raza humana.

DG: Como buen creador prefieres no explicar las metáforas que empleas, las ideas plasmadas en imágenes. Un ejemplo lo encontramos en el caos, que es algo así como un espesor que Ana, que todos, llevamos dentro y un día, con ayuda o sin ella, llegamos a conocer…
JM: En realidad estamos conformados, de manera muy íntima, por el material de los muertos, por todos aquellos que ya vivieron: no estamos solos, somos lo que somos porque otros fueron lo que fueron. Esa especie de arcilla es lo que nos da forma y al tiempo también contenemos, está en nuestra memoria. Yo no sé si hay paraísos o espíritus en el más allá, pero estoy seguro de que nosotros, ahora, estamos completando la existencia de los que ya no están.

DG: Y a esta reflexión sobre el alma añadimos el hecho de que te ha salido la película más viajera y no sólo por haber mostrado el corazón de Nueva York, los desiertos del Sahara y Arizona, la isla de Ibiza, Madrid…
JM: Lo que más me interesa de Ana es su interior, las ‘vidas’ que contiene… Y luego siendo un personaje pequeñito, sencillo, con actitud de falta de profundidad que en definitiva es su lucha para no enfrentarse a algo fuerte, oscuro y remoto. Esta criatura es un compendio de actitudes que tienen que ver con los niños, que tienen los afectos y las emociones a flor de piel, que pueden pasar de la risa al llanto, que sienten sin plantearse un porqué.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Antonia San Juan (una entrevista)

2007-08-04T10:19:00.000+02:00

Artista que toca diferentes palos, incluso la gestión. Así podemos definir a una mujer que se considera actriz por encima de todo. Asegura que se hizo directora para seguir actuando y poder dirigir a la intérprete que es. Ahora podemos comprobar esa faceta gracias a Hijos de su madre, que inaugura la nueva era del madrileño Teatro Arlequín.

Daniel Galindo: Regresas a Madrid con Las que faltaban, será en octubre, pero lo nuevo es esta comedia con la que sacas tu mirada como observadora "externa" implicadísima en el resultado final.
Antonia San Juan: Como una madre que mima y regaña a sus hijos. Aún así, a pesar de la responsabilidad, disfruto muchísimo dirigiendo. Es una experiencia preciosa y reconfortante, además de constructiva, ya que me sirve como modelo para corregir y probar cosas. Todo va reposándose y uniéndose a este largo y bonito camino que es la vida.

DG: Hijos de su madre parece tu obra más tuya, aunque lo cierto es que te agencias todos los libretos, en el buen sentido.
ASJ: Todos los textos, tanto los de Otras mujeres, como los que incluí en Las que faltaban, pasaban por mi mano. Necesito que los autores me den libertad para poder enriquecerlos, adaptármelos... Este es el primer espectáculo que, después de trabajar con otros montajes, nace él solito, casi por necesidad: estoy cargada de tantas vivencias que el propio texto me pide que lo escriba.

DG: Creo que tus dos primeros cortometrajes, V.O. y La china, convergen en este montaje...
ASJ: Después de contar aquellas historias me quedaba material al que darle forma, así que escribí dos relatos más que fueron Los frecuentadores y Almas gemelas. En principio los escribí para mí, para tener cuatro registros distintos, siguiendo a dúo la línea del monólogo, de mostrar a cuatro mujeres diferentes, pero lo que ocurrió es que se unió la gira de Las que faltaban con la necesidad de sacar adelante Hijos de su madre.

DG: ...Y es entonces cuando te acuerdas de Helena Castañeda.
ASJ: Estoy muy contenta con ella, con su versatilidad para poder pasar de un personaje a otro. Es el vértice idóneo para el triángulo que también forman Félix Navarro, un cantante lírico con mucha simpatía, y Luis Miguel Seguí, además de fijo en la empresa, por ser un excelente actor que cuenta ahora con bastante tirón televisivo gracias a La que se avecina.

DG:Hijos de su madre aborda temas de actualidad, las relaciones sentimentales, la amistad... Es una comedia, sí, pero con acento crítico.
ASJ: Tiene que tenerlo porque el teatro es el espacio que siempre se ha reservado para que el bufón, los comediantes, digan todo, sin cortapisas. Yo dejo que mis personajes digan que tienen que decir, incluso hasta con un grado de pudor, de autocensura. Aunque parezca que yo me excedo en comentarios, nunca termino de decir todo lo que quiero, pero también con ese cinismo que caracteriza a las televisiones afirmo que cualquier comentario vertido por cualquiera de los personajes que aparezcan ni la compañía ni la directora se hacen responsables.

DG: Por lo que podemos comprobar, todo tu trabajo sigue la misma línea...
ASJ: Todo forma parte de lo mismo, contar historias, da igual que lo hagas desde la dirección, la interpretación, la producción o la escritura. En cuanto al estilo, de lo que se trata es que al final tu obra tenga un sello, una marca editorial, y que la gente reconozca quien está detrás de eso. Esa es la ambición de todo artista. Al final no es que haya 60 obras de teatro, hay una sola que estás representando durante toda la vida, pero con diferentes nombres, compañeros, momentos...

DG: Y afrontas una nueva etapa, la gestión del Teatro Arlequín, que esperas que se convierta en un espacio multidisciplinar, no sólo teatral.
ASJ: Teatro y más cosas: desde escuela de actores hasta un espacio para la reflexión creativa. Lo voy a llevar durante unos cuantos años, quién sabe si veinte.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Alberto Jiménez (una entrevista)

2007-08-04T10:06:00.000+02:00

Este inquieto creador da muestras de su capacidad gestora con Cuerpo de mayor, la tercera entrega de Nada es casual, que ya podemos ver en la madrileña sala Cuarta Pared.

Daniel Galindo: El origen de Nada es casual lo encontramos hace 7 años en Santiago de Compostela, en unos encuentros teatrales, y parece que la mezcolanza de preocupaciones, miedos, inseguridades y alegrías ha dado juego...
Alberto Jiménez: Y no quería contar tanto mis historias como investigar acerca de lo que yo puedo aportar en realidad al público, cómo difundir lo que sale del actor-creador, qué puedo hacer para que nadie se sienta defraudado y, sobre todo, responsabilizarme de todo un proceso creativo, no sólo del canal de comunicación.

DG: Y hasta cierto punto tenías esa necesidad de vomitar lo que encerrabas dentro...
AJ: Sí, lo que os acabo de contar era la teoría. A partir de ahí, me voy dando golpes, casi de manera literal, porque a veces me encuentro con el vacío, con la sensación de que no tengo nada que contar... Pero toparte de bruces con tus límites te sirve para ir creciendo y aprendiendo, y no sólo de uno mismo sino también de la gente que me acompaña en esta aventura.

DG: Golpes te das unos cuantos en este Cuerpo de mayor, con el que pones punto final a la serie Nada es casual, decías que no era plan llegar a la entrega número 25...
AJ: La verdad es que en muchos momentos de este proceso me aferraba a la idea de que tenía que limitarme a mi trabajo como actor, que ya es lo suficientemente creativo, pero luego me entusiasmaba la idea de afrontar un reto más completo, con más palos que tocar.

DG: Durante algo más de una hora despliegas un abanico de facetas, desde la escritura, hasta la producción y la interpretación... No es tarea fácil.
AJ: Hay que tener un talento del que yo carezco. Lo que ocurre es que la respuesta del público y los compañeros está siendo tan bonita que merece la pena atravesar de nuevo por esta experiencia en la que se sufre mucho, sí, aunque siendo realistas, el verdadero sufrimiento es el de los que se juegan su vida en trabajos precarios. Por nuestra profesión nos podemos sentir muy afortunados.

DG: Antes de tomarte unas vacaciones y aparecer de nuevo en la pantalla grande con El hombre de arena y Oviedo Express, tenías ganas de seguir redescubriéndote en varios registros.
AJ: Sí, quería mostrarme de manera diferente al "Alberto actor", al que suelen dirigir otros. Es un reto más que afronto, y es especial en el caso de Cuerpo de mayor, que trata acerca de temas duros que, con ayuda del humor y con esas historias cotidianas donde realmente podemos descubrir lo trascendente de la vida pero sin grandilocuencias, hace que el mensaje que se pretende comunicar no resulte empalagoso y tedioso.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Sergi López

2007-07-08T07:38:00.000+02:00

Le conocemos por su trabajo en la pantalla grande, pero lo curioso es que el de Vilanova i la Geltrú se marchó hace años a Francia, a aprender más acerca del teatro, pero acabó convirtiéndose en uno de los europeos más requeridos por el cine, a un lado y otro de los Pirineos.

Daniel Galindo: …Y después de cuatro años dedicado en exclusiva al cine, al trabajo con cineastas como Stephen Frears, Manuel Poirier, Miguel Albaladejo y Guillermo del Toro, el actor vuelve a casa…
Sergi López: Tenía muchas ganas de subirme de nuevo a un escenario. El teatro es la madre de todo. El cine siempre fue algo, no ya secundario, sino que no entraba en mis planes. Yo me fui a París a estudiar a una escuela de teatro, con lo cual el hecho de abandonar un poco ese camino, casi me dolía. Cuando veía a compañeros en escena me entraban ganas de estrangularles y ponerme en su lugar, así que me dije, antes de meterme en follones, vamos a intentar montar algo propio.

DG: Y tanto que lo habéis montado: Non Solum se estrenó en 2005 en el Festival Temporada Alta, de Girona, y tiene aún mucha vida por delante…
SL: El espectáculo partió de la idea simple de reencontrarme con las tablas y fíjate por donde vamos: con bolos durante todo el verano, entre rodaje y rodaje. Es verdad que nos está desbordando un poco, porque queremos darle salida en dos idiomas, catalán y francés, y queremos machacarnos aún más porque, en cuanto podamos, lo haremos en castellano también. No tenemos la intención de explotarlo, por ejemplo, durante seis meses a fondo y nada más. Sé que compaginarlo con el cine es una muy feliz complicación, pero como estoy yo solo, pues me las apaño para ponerme de acuerdo conmigo mismo. Es algo muy personal, que queremos que crezca con nosotros, con el director, Jorge Picó, y conmigo.

DG: Tan personal que supone tu vuelta ese era tu deseo: volver al medio en el que criaste como actor…
SL: …Y como persona. Yo tuve el feliz incidente de toparme con el cine y entonces tuve que aparcar mis proyectos con una joven compañía de teatro en París. Cambié de parcela pero siempre con la vista puesta en volver, en dotar de sentido algún día el porqué estoy en esto. No me gustaría perder la ilusión, olvidarme de que para mi, actuar es como un juego, aunque sea un tragedia. Es imprescindible disfrutar, encontrarse con el placer. Y el teatro te lo facilita

DG: Pero el cine abre muchas puertas…
SL: Desde luego y es mágico, además de que lo puedan ver millones de personas, pero el teatro es muy potente en su sencillez: las cosas ocurren en un momento y ya, nunca más. El público es testigo privilegiado y el actor también. Cualquiera que haya probado este veneno, como aficionado o profesional, sabe de lo que estoy hablando.

DG: Inoculado el veneno, subimos el telón y encontramos a Sergi López haciendo muchas cosas a la vez…
SL: Y todas mal (risas). Nunca pretendí hacer una cosa convencional pero tampoco sabía lo que quería hacer, más bien tenía claro lo que no quería hacer. Por eso el espectáculo ha salido un poco parecido a mi: extraño, surrealista, absurdo y muy, muy cómico. Como me reconozco mucho en el personaje, que son muchos al mismo tiempo, de ahí las risas del principio: canto mal, hago mimo mal y bailo mal… No quería caer en lo común, ni vanagloriarme de lo que puedo hacer más o menos bien, como un alarde. No, no me gusta la gente que presume.

DG: Se te nota contento con el resultado de Non Solum.
SL: Sí, porque ha sido ver cumplido un sueño y una vez que lo armas, te das cuenta de que consigues emocionar a la gente. En esto, como en todo, lo importante era el juego, pasarlo bien, pero también la sinceridad… Quería comprobar si esto tenía sentido, si era capaz de llevar al público hasta paraísos insospechados.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Juan Carlos Fresnadillo (una entrevista)

2007-07-01T10:06:00.001+02:00

A punto de cumplir los 40, la carrera de este tinerfeño está más que consolidada después de una tarjeta de presentación que llegó hasta los Oscar con su cortometraje Esposados, en 2001 estrenó un primer largometraje sorprendente, Intacto, y ahora dignifica un encargo del mismísimo Danny Boyle: 28 semanas después.

Daniel Galindo: Danny Boyle te recomendó para que dirigieras este encargo, de hecho, te envío un mensaje proponiéndote continuar la historia…
Juan Carlos Fresnadillo: La primera reacción fue decir "esto es una locura", sobre todo porque yo admiró su trabajo y soy fan incondicional de 28 días después. Pero cuando hablé con Danny y los productores encontré las razones por las que podía encajar en el proyecto. Me dijeron que quería que crease una nueva película, diferente por completo, pero que respetase la esencia. Un tipo tan grande como es Boyle ha sido también muy generoso: lo primero que me dijo fue que me olvidase de lo que él había hecho y que filmara mi mirada.

DG: ¿Y te dieron libertad absoluta, partiendo de esa premisa?
JCF: Sí, pude explayarme a nivel creativo y contra con mi equipo, Enrique López a la cabeza. Desarrollé unas ideas, las presenté y vi que en realidad les entusiasmaba mi trabajo. Fue contemplar la luz verde y coger las maletas e irnos a Londres a disfrutar de la aventura que se nos presentaba, un viaje en toda regla, no sólo por rodar en un idioma que desconocías, con actores de primer nivel y un equipo técnico que no se quedaba atrás. Y además de esa lección humana y vital, el viaje me ha servido de autoaprendizaje de mi mismo.

DG: La película derriba todos los clichés propios del género de terror y, no contento con eso, aportas también tu toque personal, sin olvidar una alta dosis de violencia…
JCF: La historia en esta ocasión está dotada de un realismo salvaje. Me decante en parte por rodar como si se tratase de un documental. Yo creo que la realidad es violenta y sangrienta, y eso hay que contarlo, era una muestra de honestidad por mi parte: haberlo escondido no hubiese estado bien. Para que el relato tenga el impacto emocional que debe tener, en algunos momentos la cámara tiene que enseñar cosas destructivas y oscuras.

DG: Es una forma también de que el espectador se identifique con las víctimas de esos rabiosos, ¿no?
JCF: Para engancharle tienes que enseñarle lo que supuestamente les ocurre a los personajes. Por eso hay que mostrar la crudeza en toda su dimensión, aunque de manera justificada. También quería innovar y aportar algo nuevo al cine de terror, mi obsesión era la de transmitir veracidad, además de captar la violencia y reflejar, por medio de una alegoría, el mundo en el que vivimos.

DG: Hablamos ahora de buenas críticas, excelentes en Gran Bretaña, y de una recaudación de más de 30 millones de dólares en sólo dos fines de semanas: los infectados pisan los talones de Spiderman 3… ¿Sufrimos de vértigo?
JCF: Intento abstraerme, olvidarme de toda esa vorágine. El triunfo al otro lado del Atlántico y en la propia Gran Bretaña ha sido una sorpresa que me llena de orgullo y satisfacción, porque lo que han dicho críticos que para mí siempre han estado en un pedestal ha sido muy fuerte, y eso que la crítica siempre es dura con las películas de género, aunque tú te refieras a la peli como terror de autor.

DG: Lo cierto es que más vértigo da el fin de la humanidad, tal y como planteáis con la película…
JCF: Estamos rodeados de amenazas, que cada vez parecen más cercanas, desde le calentamiento global a las enfermedades, pasando de manera inevitable por las guerras. Vuelve a surgir una preocupación general por nuestra destrucción. Estamos viviendo en una cultura que ella misma intuye que tiene un final. Quizás pueda pecar de pesimista diciendo esto, pero tengo la impresión de que estamos abocados a una destrucción, no sabemos en cuanto tiempo y tampoco quiere decir que sea algo negativo, me explico: desde un punto de vista histórico, después del desastre viene el renacimiento, todas las crisis son para bien y detrás de todo lo que se destruye acaba creándose algo nuevo y mejor.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Juan Carlos Naya (una entrevista)

2007-07-01T09:59:00.000+02:00

Cada noche se encierra en los sótanos de un banco, uno de esos a los que solemos confiar nuestros secretos y pertenencias más valiosas.

El actor reivindica también la faceta de productor, aunque no ejerza de ello en Madrugada de cobardes, y nos invita a un espectáculo teatral que promete más de una sorpresa, tantas que la productora sabe que tendrá poco efecto negativo su aviso promocional: 10 euros la entrada, y si no gusta, devuelven el dinero.

Daniel Galindo: Después de diferentes experiencias con compañías formadas por decenas de miembros, ahora toca un montaje con un carácter más íntimo, no sólo por la trama, sino también por la producción.
Juan Carlos Naya: Las grandes funciones de clásico en las que me he embarcado han sido con el Teatro Español, claro, empresa pública. Piezas de este tipo son muy difíciles de afrontar desde una compañía privada, por lo que hay que recurrir al formato del monólogo o a textos con muy pocos personajes. Embarcarse en historias con más gente es muy peligroso: como se suele decir, en el teatro ganas pesetas y pierdes duros.

DG: Ahí se enmarca una obra con la que diste rienda suelta a tu faceta como productor en la temporada pasada: Marlene.
JCN: Es coincidencia también que los textos, adaptados en montajes menos multitudinarios, me han interesado. Desde que terminé El retrato de Dorian Gray, una gran producción, me fui hacia una función de dos personajes y autor español, caso de Marlene, de Martín Garrido; luego he estado con Bárbara Rey, los dos solos en un Ático con terraza y con la palabra de Juan José Alonso Millán…

DG: Y ahora, Madrugada de cobardes, escrita y dirigida por José Cabanach.
JCN: Una aventura muy interesante, ya que en ella se habla de problemas de hoy y yo, la verdad, es que ya estaba algo cansado de referirme siempre a situaciones del siglo XVI y centurias venideras. Contar con un tipo comprometido, que domina el verbo y además pretende contar cosas reales, me pareció una oportunidad imposible de rechazar, sin olvidar que se crea una magia muy especial sobre las tablas trabajando con un solo compañero, con el que te tienes que batir en duelo interpretativo y al que tienes que recurrir en todo momento.

DG: Dos personajes encerrados en la cámara acorazada de un banco… ¿Con qué se encuentra el espectador cuando cae sobre él esa madrugada?
JCN: Se va a topar con un buen texto, inquietante, en la que el autor, que además, también es director, juega con todos los trucos teatrales a su alcance. Lejos de parecer un relato monocorde, la función está tan bien planteada que atrapa a todo el mundo, al menos, eso creo. Y luego está el tema de las cajas de seguridad a las que muy pocos tienen acceso. Eso otorga un morbo y una tensión fundamental para que nadie se aburra, aderezado además de humor, drama, violencia y cotilleo: cada caja que se abre encierra todo un mundo por descubrir.

DG: Y por encima de todo, y nos ponemos algo metafóricos, la palabra, al igual que esas cajas, encierra muchos matices…
JCN: Por desgracia, el valor de la palabra, la fuerza del vocabulario, se están perdiendo. Hay que transmitir con la palabra, pero también que ese discurso tenga un sentido, coherente con el mundo en el que vivimos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con Joan Ollé (una entrevista)

2007-07-01T09:54:00.000+02:00

Comenzó el viaje como actor, en 1974, una década más tarde se decantó por la dirección... A este usuario habitual del puente escénico Barcelona-Madrid le gustan los retos. Prueba de ello son sus próximos proyectos, que compagina mientras su versión de Soldados de Salamina sigue de gira por Cataluña y el resto de España hasta la próxima primavera: una excelente oportunidad parar disfrutar de la palabra bien dicha.

Daniel Galindo: Hemos podido leer el libro, ver la película de David Trueba, quizás tengamos muy reciente su argumento, pero como bien sabemos, un texto acaba siendo siempre diferente en función de quien marca la visión...
Joan Ollé: Y es un arma de doble filo, ya sabes eso de traduttore, traditore. Cuando se traslada algo de un lenguaje a otro traicionas su espíritu, por mucho que quieras respetar la esencia. Buscaba la fidelidad estricta; es decir, de este libro lo que más nos entusiasmó fue la escritura y yo no quería cambiarla, de ahí que apostase por quedarme cerca y conservar la estructura a partir de la palabra, una maravillosa materia prima.

DG: En esta búsqueda del héroe verdadero sobresale la fuerza del texto, que tiene a su servicio una curiosa sinfonía de voces y un soliloquio contundente bajo el nombre de Memoria de ultratumba.
JO: Si la palabra está bien dicha y es buena, podemos recrear retratos y situaciones en la mente. Es lo contrario a lo de la una imagen vale más que 1.000 palabras. En eso centré el trabajo con los intérpretes, basado en la amistad y diferenciando varias partes. En la primera pretendí que dejarán de interpretar para pasar a ser instrumentos musicales: precisos en la dicción, en la musicalidad... En definitiva les he pedido que buceasen en el texto para llegar a la humanidad que desprende Javier Cercas, ya sea en el monólogo de un fascista que quería ser escritor o en un acto donde la emoción contenida sale a rebosar cuando se encuentran dos seres humanos olvidados, perdidos.

DG: ¿Qué nos dices de Javier Cercas? ¿Cómo ha vivido su ingreso en el teatro?
JO: Ha sido un compañero de viaje espléndido. Él empezó diciendo "haz lo que quieras que yo ya he hecho lo mío; para que tú te explayes, tengo que apartarme". Pero desde el principio se mantuvo pegado a nosotros, aportando su ilusión. Su confianza sigue siendo la mejor garantía de que esto está saliendo bien.

DG: No has cambiado ni una sola palabra del texto, fidelidad máxima...
JO: Era mi homenaje a un autor con la capacidad de conmover, y no todos la tienen. Acabé la novela una noche de verano en Grecia: me puse a llorar con las últimas páginas del libro y tuve muy claro que aquella emoción que sentí en privado tenía que trasmitírsela a los demás, al menos intentarlo. Fue relativamente fácil poner en pie el montaje, un grano más a nuestra pasión por recuperar el "teatro documento". Mucha gente ha disfrutado en privado de la historia, yendo a un asunto colectivo que es nuestra guerra civil... ¿por qué no llevarlo a un sitio vivo como el teatro, concelebrarlo en público y así releer la novela de otra manera?

DG: Esa misma idea de compartir movió a Josep María Pou a hacerse cargo de La cabra o ¿quién es Silvia?...
JO: El teatro es un sitio de gente viva, donde la palabra sigue teniendo un valor, es el arte más fácil del mundo: uno que cuenta una historia y otro que la recibe. En nuestro mundo tecnológico, el teatro es la última iglesia y me refiero en el sentido de religar lo terrenal con lo trascendente. Antes las ciudades eran oscuras y las personas iban al teatro en busca de luz y espectáculo, ahora es quizás al revés: toda la vida es un espectáculo y creo que de vez en cuando es bueno refugiarse en el teatro, un lugar donde hay menos mentira que en la vida.

DG: Has apostado por una escena limpia, la luz, los actores y la palabra... ¿Hemos hecho pleno?
JO: Creo que sí. Parece que el público ha captado nuestras intenciones y algunos maestros me han dicho que les ha gustado. Uno de ellos fue José Luis Gómez y como uno es todavía un chavalito que lo que quiere es aprender, le encanta que los grandes y el público le digan que estamos haciendo algo que no es estridente, donde no se grita y da idea de un teatro que, por lo menos, no molesta.

DG: Y como "persona que está aprendiendo" seguro que tienes deberes por hacer... JO: En la Feria del Libro de Frankfurt acompaño a la cultura catalana con una especie de suicidio artístico que consiste en condensar la historia del habla catalana en hora y media. Estoy abocado al fracaso más estrepitoso, pero en el fondo creo que valdrá la pena ya que estarán Carles Santos, María del Mar Bonet, primera figuras de este trocito de piel de toro que es Cataluña. Quiero que el mundo se entere de que más allá de un pseudo problema político se pueden hacer cosas buenas por la cultura y el arte. Y con motivo de la Expo de Zaragoza dirigiré El ángel exterminador, de Buñuel, una idea de Jordi Mesalles, un querido amigo que falleció sin poder poner en escena su sueño.

DG: ¿Con ovejas sobre el escenario?
JO: Pues no lo había pensado, aunque sí que es cierto que las ovejas son más caras que los actores. A lo mejor hay que mezclar unas cuantas con esas personas encerradas en una habitación de la que no pueden salir a pesar de que las puertas están abiertas. Otra vez será traduttore, traditore, pero en este caso robaremos ideas del cine y no de la literatura.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... José Carlos Plaza (una entrevista)

2007-07-01T09:45:00.000+02:00

Hablar de este madrileño de 61 años es hacerlo de más 4 décadas de teatro en nuestro país. Su trayectoria abarca desde la gestión del Centro Dramático Nacional hasta la dirección escénica de óperas como Don Carlo, Wozzeck, Carmen y, recientemente, Fidelio.

Acabado su viaje hasta Jean Genet, retoma Afterplay, obsequio de Helio Pedregal y Blanca Portillo. En su agenda no hay hueco libre: habitual del Festival de Teatro Clásico, ya está metido en faena para sorprendernos con una Fedra muy especial con Alicia Hermida y Ana Belén.

Daniel Galindo: Un montaje muy laborioso, Splendid´s, le ha traído de cabeza estos últimos meses por ser una muestra atípica de teatro que no entronca con lo habitual. Es curioso que la obra salga de la cartelera el 3 de junio, un viaje demasiado corto después de tanto esfuerzo...
Jose Carlos Plaza: Que su vida sea más corta de lo normal se atiene a la programación del CDN. Tiene muy acentuado el toque experimental y se pensó para darla a conocer a un determinado público. Se concibió como un desafío puntual y, hasta cierto punto, un acto de rebeldía al ir en contra de lo está en vigor: la frivolidad, la superficialidad, el olvidarse de uno mismo... Genet nos coloca un espejo delante y claro, no nos gusta mirarnos. Pero el teatro está para eso, para obligar al ser humano a mirarse dentro de sí y ver lo que no quiere reconocer. Quería, de alguna forma, continuar esa intención, aunque enfrentarme a este mundo poético y filosófico y además estrenar fue como lanzarse a una piscina sin saber si había suficiente agua.

DG: ¿En algún momento ha sentido que podía ahogarse? Si para nosotros ha sido un montaje difícil de digerir, para el director y los actores debe estar siendo una experiencia intensa.
JCP: La función ha ido creciendo, los actores hablan de un viaje y como tal, tiene momentos en los que todo sale mejor y otros más abruptos. Es una bajada a un submundo que nunca se completó, es decir, Genet no da el visto bueno a la obra y es Sartre el que se enamora de ella... Yo creo que el autor no la considera terminada, por lo que hay un planteamiento por su parte de una cantidad de ideas, de una enorme fuerza de imágenes y sentimientos, pero con una débil o inexistente dramaturgia pretendida. Había que mantener una línea argumental en una obra en la que los personajes hablan por boca de un pensador. No ha sido fácil combinar esos procesos internos con el entorno en el que se desarrolla la historia, son gángsteres atrincherados en un territorio donde domina la inmundicia.

DG: Si para comunicar sentimientos se necesita un acto previo de confianza entre director y actor, en este caso responde a un vínculo mucho más estrecho.
JCP: Hemos estado muy unidos. Es cierto que a veces se han sentido perdidos al no ver con claridad la luz que creo que yo sí percibí desde el principio, pero poco a poco, por su enorme fe hacia mí y hacia Genet, hicieron una entrega de confianza total, siendo los principales defensores de una dramaturgia que hemos hecho entre todos. Se tocan temas muy duros, se habla de la violencia, el miedo, la cobardía, la homosexualidad, los límites de la realidad, la pérdida de la identidad, del fracaso de una vida... Para ellos ha sido extenuante, no tengo palabras para agradecer lo que han hecho.

DG: Considera al actor por encima de todo, un material sensible muy valioso...
JCP: Y fundamental para que se pueda dar el hecho teatral. Sin ellos no habría nada y a ellos les debo el estar aquí. Sólo les puedo pagar siendo coherente con eso: tanto en el caso de Splendid's, como en Solas con Lola Herrera, Natalia Dicenta y Carlos Álvarez-Novoa, tenía que contar con profesionales que tuvieran ingredientes precisos: generosidad, valentía, sensibilidad, cultura...

DG: El proceso a la inversa se dio con Afterplay: dos actores-productores necesitaban una mirada externa, limpia y acertada... Tenía que ser Plaza.
JCP: Y siempre se lo agradeceré: fue la experiencia íntima, del placer, el río tranquilo, lleno de ternura y paz... Casi la experiencia contraria a la idea de lucha y revolución que nos ha tenido ocupados en el CDN. Cada montaje tienes que afrontarlo de manera diferente y precisa. Me considero un servidor de los textos, que son como lienzos delicados: a veces tienes que trabajar sobre ellos, ya puede ser un Velázquez o un cuadro del siglo XXI. No pretendo tener un estilo propio, sólo sigo el texto, que me aporta una determinada forma de hacer, y al actor, que es lo más sagrado.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Audrey Tautou (una entrevista)

2007-07-01T09:37:00.000+02:00

Siempre le perseguirá la sombra de Amélie, aunque lo cierto es que ese papel le permitió trabajar más tarde a las órdenes de Stephen Frears (Negocios ocultos) y Ron Howard (El código Da Vinci).

El fascinante personaje creado por Jean-Pierre Jeunet también la convirtió en objeto de deseo de muchos aficionados al buen cine y embajadora de la nueva hornada de intérpretes europeos junto a Daniel Bruhl, pero de las subidas y bajadas a Montmartre han pasado ya 6 años. Actualmente, con 15 películas en su haber, la heredera del toque Hepburn, sigue labrándose un camino personal, no exento de devaneos interesantes y posible escapadas hollywoodienses: ya se sabe, la línea recta no siempre es la mejor opción.

Daniel Galindo: Después de dramas como Largo domingo de noviazgo te acercas de nuevo al género con el que te conocimos, mucho antes de Amélie incluso.
Audrey Tautou: Sí, es un registro de comedia pura, más comedia que todas las películas que han calificado de comedia. Creo que no tenía un papel similar desde 1999, año del estreno de Venus: salón de belleza. Ah, y no me puedo olvidar de mi escapada española, a Barcelona, con Una casa de locos.

DG: ¿Hay algo de tu personaje en Un engaño de lujo que te gustaría llevarte puesto?
AT: Muy poco, la verdad. No es una mala chica, pero sería su polo opuesto en la vida real. Tras ese lado banal hay un fondo soñador e infantil que le lleva a no reparar en medios para llegar a ser una princesa. Por eso y por muchos otros aspectos, es el personaje más lejano a mí, aunque no creas, no me causó muchos quebraderos de cabeza meterme en su piel: un buen vestido, un peinado y unos tacones altos sirvieron para allanar el recorrido. Además, rodar con todo el equipo fue una especie de vacaciones muy bien pagadas.

DG: Y de nuevo, en casa, cine europeo...
AT: Nunca me fui, la verdad, si es que lo dices por El código Da Vinci.

DG: ¿Qué hizo una chica como tú en un rodaje como ese?
AT: Intentar no dejarse llevar por el interés que rodeó al proyecto y sus lógicos miedos e inseguridades. A pesar de mis limitaciones lingüísticas, era ya la segunda cinta que rodaba en inglés, la primera, por cierto, con un compatriota vuestro y gracias a su trabajo en Francia, casi mío, Sergi López. Me fijé más en la forma de actuar de dos maestros como Tom Hanks y Jean Reno, que en la estructura del guión. Me gusta colaborar con gente interesante, que tenga cosas que contar y lo haga bien. Eso te puede llevar a trabajar en Turquía, Latinoamérica, España... donde sea, además nunca me hubiera visto haciendo una película tan grande, y eso que Largo domingo... fue brutal.

DG: Pero hay cintas que dejan una huella más profunda... ¿Pesa mucho la imagen de Amèlie Poulain?
AT: Al contrario, no pudo existir mejor tarjeta de presentación. El mejor regalo de tu vida no lo puedes asociar a un posible problema. Lo que peor llevo es la fama y la perdida de identidad y anonimato, dos cosas muy diferentes, libertades preciosas que quiero mantener, pero de la que suelen carecer los que acaban convirtiéndose sólo en una celebridad del cine norteamericano y, ya puestos, del cine mundial.

DG: Puede que te veamos como Coco Chanel...
AT: Y además en Francia, sí. El guión todavía se está escribiendo a partir de una novela de Ana Gavaldon, poco más se puede decir. Me encanta hacer películas en mi país, en toda Europa, la verdad, porque todavía queda un cine de autor, que me atrae muchísimo, por ejemplo Pedro Almodóvar, Julio Medem, Sergio Castellito, Isabel Coixet, Nanni Moretti... La verdad es que hay muy buenos guiones escritos en francés, español, italiano, alemán, sueco... incluso en inglés, con acento británico, por supuesto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Alberto San Juan (una entrevista)

2007-07-01T09:31:00.000+02:00

Teatro, cine... Da igual siempre que haya una buena oportunidad para superarse. A este madrileño que dejó el periodismo por el viejo oficio de actor le atraen los retos, y el de Bajo las estrellas, lo era.

Esta cinta, opera prima del director Félix Viscarret, arrasó en el pasado Festival de Málaga, donde también hubo premio para el protagonista. Y es que Alberto San Juan interpreta a un personaje que bien podría haberse presentado como un ser odioso, dentro de un complejo mundo de sentimientos que había que anclar a tierra firme.

Daniel Galindo: El director pensó en ti desde que empezó a leer la novela, aunque el personaje fuese irrespetuoso, caradura, tierno, un poco perdido en el mundo… ¿Cómo es Beni según Beni o, mejor dicho, en palabras de Alberto San Juan?
Alberto San Juan: Mi personaje padece un sentimiento de orfandad. Su forma de no sufrir es no implicarse en nada, pero un accidente le obliga a tomar postura. Es la ansiada segunda oportunidad, la que le llega a una persona que iba a la deriva. Al final se da cuenta de que la solución no consiste en encerrarse en uno mismo sino en darse: además la moral social no vale, sólo la honestidad de los sentimientos.

DG: Hay que decir que Viscarret siempre remarca que Alberto, como actor es reservado y correcto, muy diferente a este rol que te devuelve, en cierta manera, a la infancia…
ASJ: Y hace muy bien porque gran parte de la vida adulta es absurda y dolorosa sin motivo aparente. Fernando Aramburu ya dejó bien claro la filosofía de este personaje en la novela El trompetista del Utopía y Félix se ha encargado de, respetando su esencia, matizar mucho más su comportamiento y de incidir en la visión vitalista con la que afronta la muerte, un tema que planea sobre toda la evolución dramática de esta película ‘de carreteras perdidas’.

DG: Lo de road-movie a la navarra suena como un plato de menú…
ASJ: Y de postre, el western, porque Benito Lacunza es un antihéroe que vuelve a casa a saldar una cuenta y encuentra personajes que viven en ninguna parte.

DG: Y de nuevo os cruzáis Emma Suárez y tú, en Bajo las estrellas, y pronto te veremos junto a Maribel Verdú…
ASJ: Bonita casualidad. Trabajar con Emma en Horas de luz fue una de las cosas más intensas que he vivido, es única. Y luego está Gente de mala calidad, a las órdenes de mi amigo Juan Cavestany y teniendo como compañera de reparto a Maribel en una comedia amarga, muy amarga, sobre gente que hace las cosas mal.

DG: Hemos leído que Alberto San Juan todavía no ha encontrado su lugar en el cine… ¿Después de una década delante de la cámara?
ASJ: Lo cierto es que en parte es así: me considero más vinculado al teatro, donde me siento con más autonomía y más dominio a la hora de trabajar. Después de unas cuantas, muchas películas, me sigue dando la sensación de que el escenario es más humano que el cine al no estar sometido a tanta presión económica: el teatro vale para pagar el alquiler y la compra, hacerse rico es difícil.

DG: Pero engancha… Y, además, ya sea en Animalario o en otro proyecto, Andrés Lima y tú vais a muerte…
ASJ: Siempre que podemos… Ya le he pedido un pequeño papel en la zarzuela que dirigirá en el año que viene. Por ahora estoy concentrado en una nueva versión de Arlequín, servidor de dos patrones, de Carlo Goldoni, para el Teatro de La Abadía.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Arthur Miller, un perfil

2007-06-16T10:27:00.000+02:00

El hijo de unos emigrantes vieneses personificó el sueño americano y fue más lejos aún, al sentar las bases del teatro del siglo XX y contribuir a derribar ese mismo sueño.

Vivió la centuria anterior de manera intensa aunque esperó al recién entrado siglo XXI para despedirse, no sin antes dejarnos su ingente obra literaria que abarca, tras unos primeros cuentos y novelas, desde piezas teatrales tan conocidas como Todavía crece la hierba y Todos eran mis hijos, hasta guiones, el primero, Vidas rebeldes, llevado al cine por John Huston.

En España son muchos los que han versionado al considerado como uno de los mejores dramaturgos del siglo pasado. Su teatro forma parte del repertorio tanto de grandes teatros, como de pequeñas compañías. Juan Echanove viajó con El precio durante varias temporadas. Así pudo estar más cerca de un "ídolo" que influyó en su forma de interpretar y en sus posturas sociales y políticas. Esa forma de ver el teatro realista, más allá del naturalismo, "del nobilísimo arte de entretener", fue convenciendo a todos.

De él se decía algo así como que era a la lengua inglesa lo que Bertolt Brecht a la alemana. Nunca quiso aleccionar a sus espectadores, sino jugar con la ironía y la sátira. Su mensaje está más cerca de la moral humana que de la política. Sus dramas inciden en los valores familiares y morales de la sociedad occidental de mediados del siglo XX, aunque en todos aparece bien marcado su peculiar acento crítico. Y algo que a todos nos gusta mucho de los textos, su vigencia, permanece inalterable incluso en los textos que ambientó cuatro siglos atrás, como Las brujas de Salem (Teatro Español, Madrid, hasta el 15 de julio) vinculado al momento en que fue escrito, pero cuyo vigor moral lo sitúa por encima de épocas y casos concretos.

De eso, de crear fuentes teatrales inalterables, primeras referencias, se encargó este maestro de la pluma que igual alababa al marxismo, que lo criticaba, sufrió la caza de brujas del senador McCarthy y denunció la intervención de Estados Unidos en Corea y Vietnam. Avisó de la desunión de la sociedad, la que siempre ha inquietado a los más puritanos y conservadores, y se hizo fuerte en la idea de que, en realidad, nada es permanente e inalterable, de ahí la progresión de su mundo literario.

En España recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2002. Miller fue tan conocido por sus obras, como por su activismo político y su vida sentimental. Se casó en tres ocasiones: con su novia del colegio, Mary Slattery, la hija católica de un vendedor de seguros; con la actriz Marilyn Monroe, de la que también se divorció, y con la fotógrafa austriaca Ingeborg Morath, que retrató magníficamente la Guerra Civil española.

Con La muerte de un viajante se alzó con el prestigioso Pullitzer. La primera versión teatral de esta pieza, dirigida por Elia Kazan en 1949, se llevó 6 premios Tony… Muy buenas perspectivas para un drama escrito en seis semanas cuando contaba con 33 años. El guionista y dramaturgo se marchó de viaje con la muerte el 10 de febrero de 2005. Tenía 89 años.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

El universo Coixet se expande hasta Hollywood

2007-06-02T09:20:00.000+02:00

Se han descubierto tres nuevos satélites: Penélope Cruz, Ben Kingsley y Dennis Hopper. Orbitan a las órdenes de la cineasta en Nueva York y Vancouver.

El motivo es el rodaje de su sexto largometraje, Elegy, basado en la novela de Philip Roth El animal moribundo. Isabel Coixet rueda de nuevo en inglés, ésta vez a partir de un guión no escrito por ella, y lo hace después de ser uno de los altavoces de los Invisibles, el proyecto de Javier Bardem que le emparentó con Wim Wenders, Mariano Barroso y Fernando León de Aranoa.

Demasiado viejo para morir joven fue su tarjeta de presentación en 1988. Tenía 26 años y con ella optó al Goya a la mejor dirección novel. Emma Suárez, Fernando Guillén y Carmen Elías fueron los primeros en girar en torno a esta creadora sui generis, luego llegarían muchos otros, compatriotas afines a su cine -Javier Cámara y los hermanos Almodóvar como productores-, y foráneos, como Tim Robbins y Monica Bellucci. No hay diferencia entre ellos ya que el cine es su mejor visado.

Con Cosas que nunca te dije comenzó su periplo norteamericano. Continuaría con Mi vida sin mí 8 años más tarde, sin olvidar la escala gallega de A los que aman, con Patxi Freytez, Gary Piquer y Albert Pla, entre otros. Tras su pasional historia de amor paneuropea cogió las maletas y se marchó hasta Canadá para relatarnos su 'triste cuento vitalista' en el que Amanda Plummer, Mark Ruffalo, María de Medeiros, Deborah Harry y Scott Speedman tenían un protagonismo activo.

Al contrario de otros cineastas que comenzaron en el mundo de la publicidad, Coixet no lo ha abandonado: lo mismo sigue a Manolo Escobar en la búsqueda de su carro, que manda a Leonor Watling al quinto pino, bien equipada eso sí. Su manera de realizar ha marcado un estilo propio que se puede ver cuando la actriz se transforma en la voz de Marlango y protagoniza videoclips como el de It´s all right.

Su abuela vendía entradas en un viejo cine de Barcelona y de ahí le viene su vocación. Dice que nunca quiso ser actriz, sino la persona que hacía esas hermosas historias, relatos que sirven para transmitir una idea concreta del mundo: aprovecha su obra para dar a conocer músicos como Anthony & the Johnsons, recuperar escritores como John Berger y plasmar su peculiar catálogo de píldoras sobre el amor, la familia y la amistad.

Si en todas sus películas da pinceladas acerca de su compromiso social, en La vida secreta de las palabras lo hace con mayor profusión: su refugiada bosnia, interpretada por Sarah Polley, estaba íntimamente relacionada con el Consejo Internacional de Rehabilitación de Víctimas de la Tortura, una sólida y necesaria institución que permite que supervivientes al tormento puedan dejar de sobrevivir para intentar vivir.

Su quinto largometraje parece una extensión del Viaje al corazón de la tortura, documental con el que recorrió el lado más siniestro de la India, el corazón de los Balcanes y Turquía. Detrás de sus gafas de pasta y su personalidad estridente se parapeta un carácter curioso, una rara avis ávida de indagar en la vida de los otros y contárnosla, empeñándose a través de su productora Miss Wasabi, su nombre de guerra.

Siempre que le llaman para participar en un proyecto colectivo no pone excusas. Había motivo para gritar junto a otros y criticar al Gobierno de José María Aznar. Ella lo hizo narrando La insoportable levedad del carrito de la compra. Dejando a un lado su activismo, se tomó unas vacaciones para declarar su amor por París con un episodio rodado en el barrio de la Bastilla con Sergio Castellito como cicerone. Y ahí no termina la historia ya que es una de las cinco cineastas que se han unido bajo el paraguas del medio ambiente para rodar un corto sólo con la ayuda de un móvil. Incombustible.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Jean Genet, un perfil

2007-05-04T20:39:00.000+02:00

Nunca quiso que Splendid's viese la luz. Dos décadas después de su muerte, el Centro Dramático Nacional recupera este texto que ha derivado en un montaje que navega contracorriente.

Así lo cree su director, José Carlos Plaza, que ha descubierto en uno de sus textos más engañosos sobre la necesidad de aparentar ante los demás, la fascinación del 'otro lado' gracias a los escritos de un autor al margen de lo común.

No sabemos si por voluntad u obligación Jean Genet se adentró en los submundos que un par de siglos antes visitó el también parisino y controvertido Donatien Alphonse François de Sade, más conocido como el Marqués de Sade. Lo cierto es que este novelista y dramaturgo, autor también del poemario El condenado a muerte, no tuvo que fantasear sobre las vidas de los marginales, aunque le dio rienda suelta a su imaginario para reinventarse otras existencias, otros entornos para seres que pudieran mantener su idea de la vida y el papel que le había tocado representar.

Como si del inicio de una de sus obras se tratase, Genet nació a finales del año 1910 en un ambiente poco favorable en los arrabales del París más alejado de las vanguardias artísticas y la luz de sus avenidas más ilustres. Hijo ilegítimo de una meretriz, con menos de 10 años ya destacaba por ser un hábil ladrón, aunque no siempre consiguió escapar de la policía. Vio la Legión Extranjera como la posibilidad de escapar de centros de internamiento y cárceles juveniles, aunque pocos años después desertó de otro reducto de normas y reglas.

Comenzó entonces una vida de mentiras, falsedad y marginalidad, de hurtos para sobrevivir y prostitución... ¿Realidad o ficción? En torno a los personajes más controvertidos siempre aparece una costra de suciedad moral no exenta de atractivo o morbo para el común de los mortales. La de Genet fue alimentada por sí mismo (siempre se definió como homosexual, bandido, traidor y cobarde) y por los demás: él, que repudió un mundo que le había repudiado, fue acusado injustamente ('he robado porque los demás me creían ladrón'). El mal camino se enderezó después de una condena a cadena perpetua que fue conmutada en 1948 gracias al apoyo de intelectuales como Jean Cocteau, Jean-Paul Sartre y Pablo Ruiz Picasso.

Entre las cuatro paredes de una celda empezó a escribir. Lo primero, Nuestra Señora de las Flores, un texto autobiográfico acerca de la homosexualidad y la vida en los bajos fondos. De su producción narrativa destacan Diario de un ladrón, Querelle de Brest, El milagro de la rosa y Pompas fúnebres, que combinan el lenguaje lírico y literario con cuadros de la realidad más cruda. En el lector caló su simpatía hacia los desheredados y los marginados de la sociedad, expuestos al sexo, el delito, la muerte. Su gran éxito en el teatro vino de manos de Las criadas, aunque para Sartre, ningún libreto (Los negros, Severa vigilancia, El balcón, Los biombos) superaba la calidad de Splendid's. Tres años antes de su muerte, en 1986, fue reconocido con el premio nacional de las letras francesas.

Directores como José Carlos Plaza se sirven de él para meter la mano en el fango, en lo políticamente incorrecto. El que tomaba como referencia tanto pinceladas pintorescas como aspectos grotescos de la humanidad estaba interesado en mirar hacia donde nadie quería hacerlo: inmundicias, detritus, amoralidad... Sobrecoge la lectura de Cuatro horas en Chatila, escrito después de la matanza de miles de refugiados palestinos en los campamentos de Sabra y Chatila, en septiembre de 1982. No nos sorprende que llegase a afirmar que 'hasta los desperdicios formaron parte de la esencia de Dios'.

Santidad y crimen, orden y mal... La línea que separa estos contrarios es demasiado fina como para distinguirla. Nuestro mundo, donde no existen blancos ni negros, sino una amplia gama de grises, se parece mucho a una cesta de manzanas. Pudo ser una reflexión de Genet, aunque en este caso es de Mauro Armiño, responsable de la traducción de Splendid's. Seguro que con esta afirmación hubiese estado de acuerdo él francés quien, como dice Armiño, se limitó a introducir el gusano en una manzana que ya estaba podrida: no iba a ser él quien maquillase ese cadáver.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Sergio Otegui (una entrevista)

2007-05-04T20:34:00.000+02:00

Asegura que es actor por inercia, al tener en casa al maestro Juan José Otegui (El precio,Visitando al sr. Green). Con más de 15 años de carrera, su nombre aparece vinculado a montajes muy recordados, como La gaviota, dirigida por Amelia Ochandiano. Aunque nos tiene acostumbrados a personajes cómicos -es capaz de encontrar la comicidad y trasmitirla- lleva un tiempo embarcado a proyectos con fuerte carga dramática. Cuando la aventura de Splendid’s terminé retomará Johnny cogió su fusil, uno de los éxitos en la actual temporada de la Cuarta Pared.

Daniel Galindo: Vuelves a coincidir con José Carlos Plaza y, por primera vez, participas en un montaje del Centro Dramático Nacional…
Sergio Otegui: Una conjunción difícilmente rechazable. Con él ya había trabajado hace tres años en Mirando hacia atrás con ira y cuando me llamó no lo dudé, incluso antes de leer la pieza. Luego puede comprobar que era una obra tan complicada como interesante, en la que se dicen cosas muy valientes que no suelen gustar al ser oídas.

DG: Plaza argumentó al presentar Splendid’s que quería actores inteligentes que tuvieran interés en embarcarse en un viaje diferente y arriesgado.
SO: La obra requiere una confianza entre el director y los actores que a lo mejor no tiene porqué darse en otros montajes. Él da cosas por supuestas en los intérpretes, que cumplen una serie de requisitos, de ahí que la selección no fuera un cásting al uso. Su nivel de exigencia es muy alto y por eso sabe que a cada uno de nosotros puede exigir unas cotas mínimas de esfuerzo, no se conforma con cualquier cosa. Mi caso fue diferente al de mis compañeros, ya que por las características del personaje, me incorporé en la segunda parte de los ensayos, que habían tenido lugar durante 7 semanas.

DG: Ese locutor radiofónico, al no estar dentro del mundo más provocador de Jean Genet, aporta una visión un tanto externa…
SO: Yo me abstraigo al interpretar un papel que es la representación de la sociedad en la obra y por tanto escapa al lenguaje poético, onírico y metafísico de Genet, que dibuja a unos seres marginales en una situación extrema, de absoluto agotamiento, que para un actor supone un desgaste brutal al estar siempre al límite. El deterioro de los personajes queda patente según avanza la obra al tiempo que Genet arremete contra la sociedad sin ningún tipo de tapujos. La sensación de pérdida, de tirar la toalla ante la posibilidad de descansar, se refleja muy bien en la pieza.

DG: Salvando las diferencias lógicas, encuentro muchas similitudes entre Splendid’s y tu anterior montaje, Johnny cogió su fusil.
SO: Pero Johnny es un eterno luchador a su pesar: no tiene la oportunidad de no pelear, así que no le queda otra cosa que replantearse su vida desde esa situación insólita en la que está: sin sentidos, sin extremidades, sin futuro… Supuso un trabajo muy motivante, sin olvidar el reencuentro con Beatriz Bergamín y el director, Jesús Cracio, con quien hace muchos años desarrollé el formato del monólogo. Es curioso que esta obra sea un largo soliloquio salpicado de pequeñas escenas.

DG: Gracias a la televisión, con una serie mítica como Más que amigos, conocimos a un actor que llevaba mucho tiempo subido a las tablas, que no le hace ascos a nada…
SO: A mi lo que me gusta es trabajar, el medio me es indiferente. Es cierto que, a diferencia de lo que hago en televisión, en teatro me encuentro muy cómodo haciendo comedia. Pero un actor debe ser bueno a la hora de contar historias de todo tipo. Luego echas de menos que se hagan más funciones de ciertos montajes o que salgan más proyectos en cine, aunque pronto se estrenará Manolete, donde tengo un pequeño papel.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Juan Carlos Rubio (una entrevista)

2007-04-20T19:10:00.000+02:00
Estrenar tres textos en la misma ciudad es una hazaña, pero este cordobés de 39 años lo ha conseguido. Sus obras llenan teatros en Miami, Chile, Puerto Rico... Vive un buen momento pero se mantiene con los pies en la tierra. La escritura le ha atrapado con tanta fuerza que casi ha aparcado su carrera como actor: le ha perdido el gusto, por ahora...

Cuando le toca ser director intenta ser invisible para dar protagonismo al texto y los actores, con quienes goza en cada representación. Por cierto, dirigir, escribir, interpretar... al final todo consiste en lo mismo: contar historias y las suyas son diferentes porque busca no repetirse, provocar siempre sensaciones distintas en el público.

Daniel Galindo: Tal y como está el entramado teatral, es casi un honor hablar con un autor español que tiene dos textos representándose a la vez...
Juan Carlos Rubio: Lo cierto es que me siento muy feliz, imagínate, pero hay que mantenerse algo escéptico: hoy no tienes tiempo para dedicarte a una sola cosa y mañana todo se ha esfumado. Conste que no me quejo, sólo alzo un poco la voz y planteó la realidad de la dramaturgia española, que estamos muy mal tratada por lo general.

DG: Las 'salas grandes' parecen esquivar a los autores españoles. Siempre hay excepciones y algunos logran entrar en los circuitos (Jordi Galcerán, Lluisa Cunillé, Juan Mayorga, Albert Espinosa...). ¿Hay que recurrir a un exilio forzoso?
JCR: Para que las obras no se queden en un cajón, quizás... La eterna frase de que en España no hay autores es mentira y has puesto buenos ejemplos. En mi caso, Humo se ha traducido al francés, Las heridas del viento al italiano, eso quiere decir que hay interés por estrenarlas por allí. Me llena de orgullo, pero a veces me gustaría seguir el camino contrario: que las obras se viesen en España y luego salieran en la maletita de alguien. Pero siempre hay gente que tira de los proyectos, como Juan Luis Galiardo, que quiere llevar Humo hasta el último rincón de España después de que abandonemos el Maravillas en junio.

DG: En el caso de los dos textos que podemos ver en Madrid, Humo es más abierta, una especie de torrente, mientras Las heridas... es más poética e íntima, de búsqueda interior...
JCR: Me llena de satisfacción ver a los espectadores que salen de Humo con una sensación buena y de la Triángulo, muy tocados. Hay casi 7 años de distancia entre las dos: escribí Las heridas... en 1999, Quería dedicarle a mi padre una función, que fuera para él, porque los homenajes, los reencuentros, hay que hacerlos en vida. Pretendía hablar acerca de la incomunicación, buscada o no, de que a veces culpamos a los demás, dar pinceladas sobre de las angustias. También quería sacar a la luz el tema de los amores equivocados, de la falsa idea acerca de cómo no te puedes apartar de las cosas que no te convienen: nos duela o no, todos podemos evitarlo. Lo que no nos merecemos es estar toda la vida sufriendo y nos lo recuerda el personaje de Juan, interpretado por un espléndido Marcos Casanova: 'háganme caso, nunca se enamoren de alguien que les desprecie'.

DG: Es una de las perlas preciosas, palabras llenas de significado y emoción que ilustran este texto, de esos que quieres tener en casa para releer de vez en cuando...
JCR: Es una obra muy sencilla de planteamiento, sólo dos personajes y una historia pequeña. Intenté que su elaboración viniese de la psicología de los personajes: lo que sienten, lo que quieren, lo que han perdido, sus sueños, sus miedos... Con un lenguaje muy poético, casi al borde, juego con el misterio, con los caminos que parecen llevarnos a ciertos remansos. Si no están los actores adecuados, la obra puede resultar muy dura.

DG: Se te ilumina la cara cuando hablas de tus actores, de los dos repartos: si un espectador se emociona con la obra, ¿qué se le pasa por la cabeza al autor que ve cómo su obra cobra vida?
JCR: Yo me quedo embobado como el primer día. Cuando volé a Miami en enero de 2005 yo no sabía nada acerca de este montaje y les vi: viví una de las experiencias más intensas de mi vida. Al no conocerles, ellos eran los personajes: consiguen darle alma, carne y pasión, hacen suyas muchas frases que son muy literarias... Ellos, además del director Juan Manuel Cifuentes, hicieron que la obra fuese candidata a cinco premios de la crítica de Nueva York. No quería que los espectadores españoles dejarán de sentir lo que me provocó y por eso, como mini-productor, les embarqué en esta corta pero apasionante aventura.

DG: Además de marcharte a Chile para dirigir Humo, lo próximo que cobrará vida es Arizona, texto que ahora está en fase de 'lectura dramatizada con visos a...'. Cantan e interpretan Carmen Conesa, Miguel del Arco y Ángeles Martín. ¿Quién sabe si pronto les veremos sobre otros escenarios?
JCR: Ojalá. Me apetecía escribir algo más extraño, con menos peaje al realismo, pero basándome en un hecho concreto: ciudadanos estadounidenses que se dedican a patrullar la frontera para impedir la llegada de los mexicanos, una especie de comando social privilegiado sobre el que el gobierno hacía la vista gorda. Más absurdo aún era el que ellos dijeran de sí mismos que estaban ahí para reflexionar con los vecinos, eso sí, con un rifle en la mano. Es tan sólo la excusa para hablar de otras realidades, como la nuestra, con el Estrecho como trágico escenario: alguna razón habrá para parcelar el mundo, pero yo odio la idea de delimitar todo y definirnos 'de aquí', 'de allá', con lo enriquecedora que es la mezcla.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Danny Boyle, un perfil

2007-04-20T19:06:00.000+02:00
Su manera de hacer cine, arriesgada y sugerente, gana adeptos, sin olvidar que es capaz de conciliar dos modelos de industria: el europeo y el norteamericano.

Analizando su filmografía encontramos experimentos que van más allá de las meras películas: 10 años separan por ejemplo Tumba abierta de Millones, dos aproximaciones distintas a la hora de afrontar un mismo tema: la primera con aire más desencantado, aderezada con misterio y humor negro, y la segunda, dando pie a la fantasía.

Después de la fábula cuasi-infantil, muchos pensaron que este valorado cineasta había dulcificado sus formas, pero no, tan sólo sigue siendo fiel a su ideario, dominado por la máxima de jugar con el espectador, desconcertarle, no darle tregua. Lo mismo nos relata una entrañable historia protagonizada por dos mocosos que atesoran un botín de 230.000 libras esterlinas (haga el cambio: 1 euro equivale a 67 peniques) que embarca a un reparto en Sunshine, un viaje suicida hacia el astro rey, a punto de morir y llevarse con él todo rastro de vida.

Detrás de estas y otras cintas se esconde la misma persona, un genio creativo de 51 años que cuenta con la extraordinaria facultar de narra historias. A mediados de la pasada década brotaron en el vasto páramo cinematográfico internacional creadores dotados de un don especial que les permitía olisquear por los diversos formatos y géneros. Cineastas británicos como Michael Winterbottom, Danny Boyle y, algo antes, Stephen Frears, comenzaban a contar con el beneplácito de público y crítica.

El segundo largometraje de un director teatral que venía de Manchester se convirtió en visado de entrada a la industria norteamericana: Trainspotting llevó a Hollywood a Boyle y su actor fetiche, Ewan McGregor (en casa se quedaría Robert Carlyle). Juntos rodarían Una historia diferente, con Cameron Diaz y a medio camino entre lo comercial y lo independiente con marca.

Con Leonardo DiCaprio y Virginie Ledoyen rodó La playa en uno de los parajes asolados por el Tsunami que cambió en diciembre de 2005 la geografía física y humana del sureste asiático. Su escasa repercusión en las pantallas norteamericanas, que no en el resto del mundo, le hicieron replantearse su futuro inmediato. Deja Hollywood por su país natal y comienza una nueva senda por un terreno que hace 15 años era impensable en el Reino Unido, donde dominaba el cine con conciencia social de Ken Loach y otros que denunciaban el régimen político de Margaret Thatcher, la dama de hierro.

Él mismo había rodado Tumba abierta (1994), más cínica ante el poder del dinero que su recién estrenado cuento moral, en el que encontramos la conexión Winterbottom, cineasta de su generación con el que coincide en más aspectos que en los estrictamente formales: Millones se levantaba sobre un argumento de Cottrelll Boyce, guionista de 24 hours party people, y estaba producida por Graham Broadbent, que estuvo al tanto de Welcome to Sarajevo, ambas del director de Código 46, que el año pasado desembarcaba en la cartelera española con Camino a Guantánamo.

Boyle tiene la intención de adaptar al cine Porno, continuación literaria de Trainspotting, de Irvine Welsh. Se trata de un proyecto que uniría de nuevo a Boyle y McGregor, al que se tilda como demasiado mayor para encarnar al mismo personaje que le elevó a la fama hace algo más de una década. Mientras llegue la confirmación continúa en su afán de despistarnos tocando palos distintos: ahora le toca el turno a la ciencia ficción con Sunshine, un título que pertenece a la hornada de cintas apocalípticas con sustancia y ambientadas en un futuro no tan lejano (caso de la apabullante Hijos de los hombres, de Alfonso Cuarón).

Como siempre, ha contado con libertad para hacer lo que quería desde un principio: acercarse, física y metafóricamente, al sol como nadie lo había hecho antes, con una trama apoyada en el suspense y el terror, sin olvidar los componentes filosófico y religioso, y empleando un reparto capaz de interpretar los personajes límite creados por uno de sus guionistas habituales, Alex Garland, y él mismo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Jim Carrey, un perfil

2007-04-20T18:59:00.000+02:00
'Sólo me gusta el de El show de Truman. ¿El que no pone caritas? Sí, ese, aunque también tiene ahí sus mohines'. ¿Es que hay dos actores? Desde luego: el exagerado y el normal.

Corríjanme si me equivoco pero este mini-diálogo lo hemos escuchado más de una vez, seguro. También eso de que Carrey es el actor de las mil caras y no es para menos: duende verde y maligno en El Grinch, acertijo misterioso (un poco copia de Joker) en Batman Forever, cómico incontenible en Man on the moon, y lelo, muy lelo, en Dos tontos muy tontos.

Los otros 996 rostros los encontramos en sus más de treinta interpretaciones sólo en cine, las que suma una filmografía que se inició quince años antes de que saltara a las pantallas de todo el mundo a mediados de los noventa con Ace Ventura, un detective diferente y La máscara. Por aquel entonces aún pasaba desapercibido el que destacó en series de televisión después de recorrer bares como humorista de carretera y trabajó a las órdenes de Francis Ford Coppola en Peggy Sue se casó, de Clint Eastwood en La lista negra, y en una mítica producción de serie B, Mordiscos Peligrosos, junto a Lauren Hutton.

Pocos intérpretes generan amor y odio a partes iguales como el canadiense nacido hace 45 años, eterno candidato a Globos de Oro: 6 candidaturas, 2 convertidas en premio por el histriónico artista Andy Kaufman –dirigido por Milos Forman- y su querido Truman. Premios a un lado, Carrey atesoró éxitos más populares, como Un loco a domicilio, Mentiroso compulsivo y Yo, yo mismo e Irene, sin olvidar su incursión en el terreno menos comercial con Olvídate de mí, de Michel Gondry (La ciencia del sueño).

Lo último suyo en llegar a las carteleras españolas es Número 23, un thriller psicológico que gira en torno a la presencia de esa enigmática cifra, capaz de convertir una vida idílica en una pesadilla. Su director, Joel Schumacher, se convirtió en uno de sus principales valedores desde que trabajó con él en la tercera entrega de la saga protagonizada por el hombre-murciélago.

Aunque Carrey echó el freno al bólido del cine, tiene pendiente de estreno su segunda colaboración con Cameron Diaz, su 'partenaire' en La máscara. Entre sus proyectos inmediatos destaca un título bajo la atenta mirada de Tim Burton, además de protagonizar una nueva comedia y poner voz a un elefante de animación.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Judi Dench, un perfil

2007-04-14T09:39:00.000+02:00
La profesora déspota y ermitaña presa de su soledad en Diario de un escándalo es la misma que ha puesto a raya al agente 007 en 4 ocasiones, la primera, a petición de Pierce Brosnan.

Londres, 1969. Se abre el telón del Kit Kat Club y vemos a una Judi Dench de 35 años bailando y embelesando a los hombres en Cabaret. Fue tres años antes de que Liza Minnelli inmortalizara en la gran pantalla al personaje de Sally Bowles. La británica llevaba dos décadas subida a las tablas, desde que debutó en 1951 con Hamlet en el papel de Ofelia.

Diez años después se puso a las órdenes de Franco Zeffirelli en Romeo y Julieta y se unió a la prestigiosa Royal Shakespeare Company, comenzando las giras con obras como El lobo, Macbeth y La importancia de llamarse Ernesto. Su dilatada carrera en teatro le ha permitido afrontar proyectos como directora: a mediados de los 80 afrontó una versión de Mucho ruido y pocas nueces, con Kenneth Brannagh y Emma Thompson como protagonistas.

Y ahora toca decirles que no se ha equivocado de sección, que continúa en la de Cine. El caso es que Judi Dench considera que su salto al celuloide fue algo no premeditado y, hasta cierto punto, curioso: Brannagh, uno de sus discípulos en los escenarios, le ofreció pequeños papeles en sus primeras películas, Hamlet y Enrique V, pero fue James Ivory quien le dio su primer papel de peso en Una habitación con vistas.

Su filmografía es tan amplia que abarcarla en su totalidad cuesta: desde la historia típicamente inglesa (84 Charing Cross Road, Su majestad Mrs. Brown) hasta las últimas cuatro entregas de James Bond, pasando por relatos narrados de manera atípica, como Chocolat, y reencuentros con amigos de siempre, como el que tuvo con Zeffirelli en Té con Mussolini. Allí coincidió con Maggie Smith, una habitual en su vida ya que juntas rodaron La última primavera. Con Vanesa Redgrave también ha compartido muchos títulos de crédito y va camino de repetir hazaña con Cate Blanchett, con quien también rodó Atando cabos a comienzos de siglo.

En cuatro ocasiones ha sido candidata al Oscar a la mejor actriz (Su majestad Mrs. Brown, Iris, Mrs. Henderson presenta y Diario de un escándalo) y otras dos veces ha optado por el que reconoce a la mejor actriz de reparto, por Chocolat y Shakespeare enamorado, por cuya interpretación, la más corta de todas las que han concurrido a este premio –8 minutos-, se alzó con la estatuilla.

Se da la paradoja de que en la pasada edición de estos premios coincidió con Kate Winslet y Helen Mirren, dos actrices que, con diferentes edades, reconocen ser deudoras de las enseñanzas de Dench, Smith y Redgrave, tres representantes vivas de una generación imprescindible en la vida cultural del Reino Unido. Y pesar de todo, la Dama de Honor del Imperio Británico, teme quedarse sin trabajo. ¿Usted se lo cree?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Entrevista Elvira Mínguez

2007-04-14T09:25:00.000+02:00
Fue descubierta en 1994 por Imanol Uribe en Días contados y desde entonces la actriz vallisoletana que iba para bióloga no ha dejado de captar adeptos por sus buenas maneras: Me llamo Sara, El portero, Sólo mía, Pasos de baile, Los abajo firmantes, Trece campanadas... Pero ella es agradecida: sólo tiene buenas palabras para los hermanos Ulloa después de que la convirtiesen en principal reclamo de Pudor, cinta por la que en Málaga repitió premio, Biznaga de Plata a la mejor actriz, dos años después de Tapas.

Daniel Galindo: Coincidimos en que Pudor es dura con ciertos toques de optimismo. ¿Qué otros aspectos destaca de la cinta?
Elvira Mínguez: Hablar de temas como la muerte y el sexo supone, incluso en el cine, un pudor verdadero y esta película, además de ser una ópera prima, es valiente y planta ahí esos temas. Es una reflexión sobre la vida aunque narrada desde un rinconcito concreto.

DG: Sus últimos personajes, los de Tapas y Pudor, comparten el hecho de ser dos mujeres maduras acuciadas por la soledad...
EM: Sí, son parecidas, pero las soledades en las que están inmersas son diferentes: por un lado está la física de Tapas, que es muy dura porque no tienes a nadie, y por otro está el destierro acompañado de mucha gente a tu alrededor, que es también muy terrible por la asfixiante sensación de incomunicación. De éste me atrajo, además de la historia, el proceso de creación del personaje desde cero, distinguiendo poco a poco su horizonte.

DG: ¿Le da pudor escuchar lo que dice Tristán de su actriz fetiche? 'Da una lección de entrega y generosidad, es una de las mejores de su generación y su gran calidad interpretativa la remata con la gran persona que es'.
EM: Un poco sí. Cuando recogí el premio en Málaga sólo quería decir que todo en esta película se lo debía a los hermanos Ulloa, pero no pude, sólo me salían las lágrimas. Pensaba que no me merecía la Biznaga, la segunda ya: se la debo por completo a Tristán y David Ulloa.

DG: ¿Qué le han dado estos hermanos, además de un personaje difícil pero hermoso? ¿Un nuevo pasaporte hacía los Goya?
EM: No, no lo creo, aunque si recojo otro, bien estaría... El del personaje de Pudor ha sido un viaje más largo que el de otros realizados en mi vida. En el plano emocional no sabías hacia dónde te podía llevar, pero Tristán y David siempre estuvieron pendientes de mi, además de darme carta blanca. Tristán, a diferencia de otros directores que son más herméticos e impenetrables, compartía con los actores sus miedos e inquietudes del rodaje y además recibía todas nuestras consultas acerca de los personajes. Es algo que destaca en todos los actores que se atreven con la dirección.

DG: ¿Y Elvira Mínguez se atreve a dar ese salto?
EM: Por ahora no, aunque lo que sí querría es poder disfrutar de un papel cómico. Va conmigo y con mi forma de ser, pero soy consciente de que, según qué roles, hacer comedia, requiere un músculo especial: es mucho más difícil y complejo que afrontar un drama y como cada vez la gente se ríe menos, a lo mejor me iba a costar sacar la carcajada.

DG: Con José Corbacho y Juan Cruz se ríe mucho... ¿algún proyecto en común?
EM: Hay algo, hay algo... Pero hasta que no nos sentemos, con un guión delante, no podemos decir ni mu. Por ahora está, además de Pudor, el estreno de La caja, de Juan Carlos Falcón, que por cierto es comedia dramática muy negra. Es la historia de un hombre relatada por las mujeres de su vida, entre las que están María Galiana y Ángela Molina.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Natalia Menéndez

2007-03-24T12:22:00.000+01:00
Requerida por la Compañía Nacional de Teatro Clásico y al frente de Tres versiones de la vida, le ha llegado la hora de demostrar toda su valía como directora de escena. El invierno bajo la mesa en el Centro Dramático Nacional y las colaboraciones con 10 y 10 danza fueron algunos de sus avales. Pronto veremos un proyecto que lleva a cuestas desde hace años, por ahora nos da una pista: serán 15 mujeres sobre el escenario del Teatro Español. Suma y sigue.

Daniel Galindo: El curioso impertinente, las colaboraciones con el CDN y Silvia Marsó, la danza... ¿Mente abierta para recibir todos los impulsos del teatro?
Natalia Menéndez: No sólo del teatro, sino de la vida misma. El abanico de posibilidades es tan amplio que no hay que limitarse: las barreras ya las ponen otros. A veces tomas unas decisiones que te llevan a lanzarte a lugares donde antes ni te atrevías. Siempre he sido muy pudorosa con respecto a llamar a las puertas y de pronto llega un día en el que te ves capacitada para hacerlo. Que te florezcan las flores te resulta muy raro, sobre todo si estas acostumbrada al arado.

DG: ¿Y cómo se produce tu acercamiento al teatro clásico?
NM: El director de la CNTC, Eduardo Vasco, me ofreció cuatro textos, entre ellos El curioso impertinente, que me salta a la cara y me atrapa con tal fuerza que no tuve que reflexionar acerca de mi elección. Coincidió en el tiempo con la propuesta que me hizo Silvia Marsó para que dirigiera Tres versiones de una vida. Me pareció un reto interesante tocar palos tan distintos, viajar hasta el Siglo de Oro y luego subirme a un ring interpretativo planteado por una autora viva, Yasmina Reza, que no ofrece respuestas, sino que plantea preguntas con respecto a las grietas de lo cotidiano en una pareja. Había que tener actores que quisieran jugar a voltear, a permutarse, y así nos plantamos este montaje, como un enredo.

DG: También un embrollo, aderezado por los celos, la amistad y la ostentación del uso del poder, domina una obra que ya, desde la entrada de los personajes a escena, da la sensación de que está resuelta de manera ágil...
NM: Un texto desconocido parte con desventaja, por eso hacía falta que todo pareciera muy fácil. Pero el mérito no es sólo nuestro: cuando Guillén de Castro se recrea en este relato incluido en el Quijote, ya lo consigue. No creo que hayamos exagerado las tuercas, casi se podría decir que Yolanda Pallín no ha hecho una versión sino una adaptación de un autor muy inteligente. Cuenta con un sentido del humor nada suave, que tiene más que ver con la rudeza y la crueldad de la commedia dell'arte y menos con los convencionalismos: cuestiona el poder, dibuja otras salidas a la mujer, escapa a los arquetipos...

DG: Es curioso que sea tan desconocido después de abrir nuevos caminos...
NM: Cuando tienes un Mike Jagger de la época que se llama Lope de Vega y a nosotros nos gusta tanto tener bastiones, grandes referentes, obras más complejas, porque ésta lo es, resultan muy chocantes y por ello se menosprecian. El tiempo les ha dado la razón aunque en el siglo XX sólo se haya hecho una representación de la pieza.

DG: Hay textos que no se pueden tocar, por mucho que nos guste actualizar los clásicos...
NM: Y hay que creerse por encima de autores para hacer una versión de algunos de sus textos, y nadie sería tan osado. En el caso de El curioso... hemos limado ciertos guiños a la época. No tengo ningún pudor en eliminar pasajes que hoy día nos serían ajenos e incomprensibles: a Guillén le falta la belleza de Lope, él es un hombre más de acción, tiene una mente muy compleja, y se aprecia en la construcción de las frases. Hemos pretendido buscar la agilidad hacia el público, con una escenografía que respondiera a los espacios anímicos y un movimiento escénico ex profeso, que se puede sentir.

DG: Llama la atención tu interés por la dirección de movimiento. No es la primera vez que colaboras con Mónica Runde: ella se encargó de la coreografía de Invierno bajo la mesa, tú de la dramaturgia de sus Hebras de mujer...
NM: En España no estamos acostumbrados, pero la dirección de movimiento, dentro de la dirección teatral, es complementaria y absolutamente necesaria, incluso cuando no hay nada de baile. El actor a veces se encuentra encorsetado en su interés por emocionar y hay que ayudarle a expresar mucho más. Llevo trabajando con 10 y 10 danza 15 años y he aprendido tanto que en todos los montajes la parte de movimiento me parece crucial. El teatro no sólo es escuchar: lo primero que te atrapa, antes incluso que la palabra, es el gesto, la aparición del personaje, que suele ser muda. Es el aspecto físico y el estético lo que te atrapa y si no lo cuidas, te quedas en una dirección a medias.

DG: Pronto te veremos en Las trece rosas, de Emilio Martínez-Lázaro. Lo tuyo es contar historias, ya sea desde la escritura, la dirección o la interpretación.
NM: Para mi son cosas complementarias, aunque llevaba un tiempo pensando que no me requerían como actriz porque me veían entregada a la dirección. La verdad es que si no me llaman, ya me lo invento yo: he montado recientemente un espectáculo, hago recitales... El mono del escenario lo voy supliendo, pero tenía ganas de contar algo como esto. Ha sido una experiencia muy potente que necesitaba: un personaje fuerte, rodeada de intérpretes jóvenes, chicas como Marta Etura, Jasmina Trinca y Verónica Sánchez, que están sublimes y sus carreras lo demuestran... Fue como rodar un sueño durísimo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Leonardo Sbaraglia

2007-03-24T12:15:00.000+01:00
El bonaerense abre una nueva etapa en el cine español: el 'extranjero' ha dejado de serlo gracias a Concursante, donde combina la ironía argentina con las exigencias interpretativas de un trabajo ideado sólo para que el acabase interpretándolo. Descubrimos que no ha perdido el acento y que continúa con los pies en el suelo, tan sencillo como el primer día y eso que el director, Rodrigo Cortés, no escatima en elogios: no hay un actor de su edad como él y hace una exhibición casi sobrenatural al pasar de transmitir la mediocridad de su personaje al principio a la demencia total. Casi nada.

Daniel Galindo: Estrenas los 36 años con un personaje muy completo en un largometraje con historia atípica y, por lo que hemos visto, hecho a medida...
Leonardo Sbaraglia: Ya tocaba, aunque es verdad que al personaje llego después de un intenso y laborioso proceso de aprendizaje como actor. Desde que llegué a España, en 2001, he luchado por evolucionar y desarrollar el conjunto de mis capacidades. Rodar en España con directores como Gerardo Vera (Deseo), Vicente Aranda (Carmen) y Antonio Hernández (En la ciudad sin límites, Oculto) me ha servido mucho más que cualquier master en interpretación. Yo creo que los personajes son una excusa para aprender, investigar, desafiarse a uno mismo y arriesgar, y desde el primero al último en este ciclo han cumplido con estos objetivos.

DG: Apareces en el 95% de los planos, soportas el peso de la trama de manera estoica y nos guías con soltura por un terreno complicado y peligroso, el del sistema económico-financiero... Y eso que estás muerto desde el inicio de la cinta.
LS: Menos mal que no destripas nada con eso y sirve de aliciente para que vayan a verla... La moraleja es que ser millonario puede salirte muy caro, espero que este trabajo no tenga la misma repercusión negativa. No, es broma. Cuando te topas con un libreto excelente, muy bien construido y te lo presentan como un juego entre géneros, aquí tragedia pero narrada con humor, es difícil apartar la mirada del proyecto. Si además te agasajan diciendo que sólo tú puedes darle vida en la pantalla, ya sería un tonto si girase la cabeza.

DG: Parece que te estás plagiando a ti mismo, ya que esta respuesta parece estar sacada de la primera entrevista que nos concediste por Intacto...
LS: Los dos proyectos tienen muchas similitudes entre sí, con el paso lógico de los años desde luego, porque somos mas mayores. Con Rodrigo Cortés me ocurrió igual que con Juan Carlos Fresnadillo: me atraen los cineastas que plantean un desafío, que ofrecen algo diferente. Y a lo mejor parece un tópico pero los que empiezan en esto se dejan llevar por sus ilusiones y están más interesados en arriesgar, en quebrar el lenguaje y contar otras historias.

DG: Respuesta obvia, pero lanzo la pregunta: ¿contento con el resultado?
LS: Siempre se pueden mejorar cosas, pero es cierto que me he entregado al 101% de mis posibilidades, cada jornada de rodaje incluía 25 planos, así que fue muy duro pero a la vez muy gratificante. Ya me sentiría pleno si Concursante llegase al otro lado del Atlántico, sería catárquico: para un argentino el engaño económico es moneda corriente; ha sido así toda la vida, por eso me sigo negando a tener una hipoteca en este país.

DG: ¿Y después de Concursante?
LS: Ahora toca descansar y estudiar algunas cosillas. Ha sido un trabajo intenso, dominado por un gran monólogo esquizofrénico que no tiene una lógica temporal, sino musical. Debía cambiar cada dos por tres de registro, tocar nuevos palos y no sucumbir al ritmo narrativo. Me gustaría beber un poco de los buenos resultados de la peli y también de los palos que nos puedan pegar. Ya sabes, seguir aprendiendo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Gala Évora

2007-03-24T12:10:00.000+01:00
No era una perfecta desconocida, pero casi. Hasta el año pasado esta joven de Sanlúcar de Barrameda tenía un currículum bastante parco de no ser por su participación en el grupo musical Papá Levante y un 'extra' en El día que nací yo, siendo muy niña. Provienes de una familia con gran tradición artística y ha pasado buena parte de sus 24 años cantando y bailando. Su entrada en el cine no ha podido ser más sonada: dar vida a La Faraona en Lola, la película.

Daniel Galindo: Uno ve el cartel, algún avance y sabe que te va a encontrar ahí, pero de pronto, apareces en pantalla con una fuerza que ya otros la querrían. Sorprende saber que es tu primera interpretación...
Gala Évora: Pues lo es, lo es. Es algo que me dice mucha gente y cuando lo piensas detenidamente caes en la cuenta de que lo has tenido que hacer bien, porque no soy de las que causan sensación por el físico. Pero el mérito no es mío: Miguel Hermoso ha confiado la fotografía en Hans Burmann y también la música de Víctor Reyes te va anticipando la entrada en escena de cada personaje vital.

DG: Si llegar al cine es un sueño cumplido, encarnar a un mito y ver todo lo que conlleva debe ser una preciosa locura.
GE: Desde la presentación en el Festival de Málaga, antes incluso, estoy en una especie de nube. Y que no se nos olvide que mi referente era una mujer que convertía en magia todo lo que tocaba. Desde siempre fue como una Virgen para mi, una imagen a la que rezaba y por la que tenía respeto y admiración. Además es como si fuera parte de mi familia: la asocio a mi abuelo y de hecho tengo un recuerdo lejano de haberla visto en su casa, él tocando la guitarra y ella bailando.

DG: Has hecho un exhaustivo trabajo de documentación, ¿a cuántas Lolas has conocido?
GE: Sólo a una, pero con tantas facetas profesionales y humanas... Con este proyecto he tenido la oportunidad de darme cuenta de que Lola Flores no era sólo la más grande como artista, sino que también lo fue como persona, con su genio y temperamento, que es lo que la hacían única. Me ha llenado de vivencias, de detalles, que me han enriquecido muchísimo como persona, y eso es algo que jamás podré agradecer del todo. Ha sido todo un privilegio hacerla un poco mía, ella ya está dentro de mi.

DG: En algún momento te asaltaría el vértigo... ¿Cómo abordaste el trabajo?
GE: A lo que le di más importancia fue al trabajo con Miguel, ya que durante mes y medio, sobre el guión, preparamos 'nuestra Lola'. Siempre tenía la sensación de que todo lo que tocaba, leía, contemplaba y aprendía, no era suficiente para interpretarla. Me atrapó la biografía En carne viva, escrita por Tico Medina, la autobiografía audiovisual El coraje de vivir, recortes de prensa y muchas de sus películas.

DG: ¿Cómo te cayó el peso de tanto referente y luego todo lo extracinematográfico, como la postura de sus hijas?
GE: Fue bestial, llegó a abrumarme en demasiadas ocasiones, pero sobre todo el volumen de información. Se unía a que era mi primera película y por eso buscaba a José Luis (García Pérez) y a Ana (Fernández) que se convirtió en la amiga, la confidente, la persona a la que le contaba todo, y eso que mi madre real me acompañaba siempre. En cuanto a las hijas, intentaba ponerme en la piel de Rosario y Lolita: yo como hija no sé si aguantaría una película sobre mi madre, pero es verdad y creo que se ve, que todo el equipo puso el corazón en el proyecto, de ahí que quisiéramos dedicarle a Lola la película de parte de sus compañeros. Pero ya te digo, esto era una aproximación

DG: ¿Fue posible huir de la imitación?
GE: Había que intentarlo, sobre todo para no estrellarte nada más salir. Está bien que el público vea en el personaje ciertos, muchos referentes, pero luego el personaje debe volar solo, para sorprender... Lola era irrepetible e inimitable, por eso quería llegar a otro lado, a nuestra Lola.

DG: Y seguro que os la reconocerán: vamos a ir pensando en un regalo prenavideño, quizás la candidatura al Goya...
GE: Quita, quita... Es muy pronto para eso, ¿no? Sería bonito, pero lo tomaría como una palmadita, un empujoncito que me ratificase que no me estoy equivocando y si sirve para seguir trabajando, pues bienvenido sea.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Gong Li

2007-03-24T12:06:00.000+01:00
De la China del siglo X al París que vio crecer a Hannibal Lecter. La actriz de 41 años se mueve con la misma soltura en Hollywood que a las órdenes de sus benefactores Zhang Yimou y Chen Kaige.

Los directores chinos pertenecientes a la Quinta Generación, los que sentaron las bases del cine después de la Revolución Cultural, casi se quedan sin musa: la pequeña Li siempre quiso ser intérprete musical pero le cerraron las puertas de la Escuela de Canto. Le quedaba cerca la de Arte Dramático de Pekín y allí que se fue la hija de unos profesores universitarios que no iban a poner trabas a las aspiraciones de la menor de cuatro hermanos varones.

Zhang Yimou la encumbró como actriz cuando en 1987 confió en ella el papel protagonista de su ópera prima como realizador, Sorgo rojo. Aún no lo sabían, pero juntos iniciaron entonces una provechosa relación sentimental y profesional que les llevaría a rodar 6 títulos más: La linterna roja, Qui Ju, una mujer china, Do Jou, ¡Vivir!, Quin yong y La joya de Shangai. En Europa le echaron el ojo gracias a su habitual paso por las alfombras de Cannes y Venecia, aunque fueron los magnates de Hollywood quienes aprovecharon su tirón para darle papeles de mujeres exóticas en cintas como Corrupción en Miami e incluso de meretriz japonesa en la adaptación de Memorias de una Geisha.

Li, que así se llama (Gong es su apellido), tiene en su currículum, como mérito o mancha según se mire, una muesca por haber protagonizado el primer desnudo en el cine de la China comunista. Es la anécdota de una carrera imparable repleta de protagonistas, como los trabajados junto a Chen Kaige en Adiós a mi concubina, Luna tentadora y El emperador y el asesino, y la participación casi estelar en 2046, de Wong Kar-wai, sin olvidar su primer papel en una producción de capital extranjero: La caja china, junto a Jeremy Irons.

Considerada un símbolo de la pujanza china en el exterior, su popularidad sigue en alza tras ser elegida para presentar la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de 2008 y dotar de glamour al cine que se hace en su país natal, donde sigue enraizada. Para comidilla de la prensa rosa ha vuelto con Yimou, pero sólo en el terreno laboral: ella culmina con La maldición de la flor dorada la trilogía iniciada con Héroe y La casa de las dagas voladoras, con otras dos intérpretes tan codiciadas en China como en el mercado internacional: Zang Ziyi y Michelle Yeoh.

Su experiencia en EE.UU. está siendo tan positiva que ha tenido que mejorar su inglés y buscarse alojamiento fijo allí: pronto veremos The yellow M, con James Caviezel (La Pasión de Cristo) y puede que haya otro proyecto junto a Rob Marshall (Memorias...). Dice Michael Mann, director de Corrupción en Miami, que podría haber estado entre Al Pacino y Robert De Niro en Heat; ella prefiere dar pasos cortos aunque su próximo objetivo parece claro: abrirse camino en la industria del Viejo Continente, ¿qué opinará Monica Bellucci?
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Gerard Butler

2007-03-24T11:59:00.000+01:00
Detrás de la cara de bruto de su personaje en 300 se esconde un actor versátil que hasta ahora había pasado de puntillas por el cine, a pesar de sumar más de una decena de títulos.

Tan sólo una década separan sus primeras apariciones en El mañana nunca muere y Su majestad Mrs. Brown, del anuncio para encarnar al legendario Snake Plissken en una nueva versión de 1997: Rescate en Nueva York, de John Carpenter. Y ya le señalan como el sucesor del australiano Russell Crowe, otro rudo capaz de dulcificar sus maneras o, todo lo contrario según se mire: tipo delicado diestro al mostrarse basto.

Trabajar con Joel Schumacher abre puertas. Seguro que fue lo que pensó este escocés nacido en Glasgow en 1969 cuando logró pasar el exhaustivo cásting para convertirse en la versión que el director de varias secuelas de Batman hizo del musical El fantasma de la Ópera, de Andrew Lloyd Webber. Lo cierto es que la película no tuvo el éxito que todos esperaban y Butler tuvo que seguir llamando a las puertas del cine.

Provenía del teatro, terreno que fue descubriendo por medio de obras como De repente el último verano, junto a Rachel Weisz (El jardinero fiel). Hacia tiempo que se había desencantado de los estudios de Derecho, abandonados tras 7 infructuosos años. A finales de los 90 se bajó de las tablas, donde representaba la adaptación teatral de Trainspotting, para participar en su primera producción estadounidense, Las flores de Harrisson, donde daba vida a un fotógrafo en la guerra de Bosnia, coincidiendo con Andie McDowell.

Muy conocido en los escenarios londinenses del West End, empezó a copar los títulos de crédito de películas menores: Drácula 2000, El imperio del fuego y Timeline, además de compartir protagonismo con Angelina Jolie en Lara Croft Tomb Raider 2: La cuna de la vida. Poco antes de la entrada en escena de Schumacher, aspiró a ser un padre postizo en Mi querido Frankie, emotiva y sincera película que por desgracia no tuvo mayor repercusión, como sus primeros papeles en el cine.

Después de 300 y su interpretación del espartano rey Leonidas, visto por Frank Miller, parece lanzado al estrellato con una carrera imparable. Prueba irrefutable son las películas que tiene pendientes de estreno. Pronto llegará Butterfly on a wheel, protagonizada junto a Maria Bello y Pierce Brosnan quien, de no firmar por dos películas más como James Bond, le hubiera cedido el testigo a Butler. Destaca también el proyecto que le unirá a Hilary Swank y Lisa Kudrow en la recreación de la novela Posdata: Te amo, y otra adaptación, en esta ocasión de la novela gráfica de Min-Woo Hyung Priest, sobre un sacerdote caza-vampiros enfrentado a la Iglesia Católica.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Vicky Peña

2007-03-24T11:49:00.000+01:00
Ha convertido la palabra y el gesto en sus armas para llevarnos a otros mundos. Es algo que deberían lograr todos, pero sólo los grandes actores lo consiguen.

Esta barcelonesa nacida en 1954 encabeza una generación de intérpretes que aprendieron de referentes como Nuria Espert, Rosa María Sardá y Adolfo Marsillach.

Curtida en las tablas y criada entre bambalinas, por sus venas circula sangre actoral ya que es hija de los actores Montserrat Carulla (Barcelona, mapa de sombras) y Felipe Peña, cuya voz en castellano nos llegó por boca de John Wayne, Anthony Quinn, Laurence Olivier, Burt Lancaster y Spencer Tracy. Al igual que su padre, coquetea con el doblaje –es la voz de Mira Sobrino, por ejemplo- aunque Victoria, antes de aparcar el nombre, se hizo popular gracias a la televisión y al cine.

Mario Camus vio en ella a la Martirio de La casa de Bernarda Alba; antes había participado en producciones de Jaime Camino (Dragon Rapide), Francesc Bellmunt (La orgía) y Pilar Miró (Werther), pero no fue hasta Secretos del corazón, en 1996, cuando abrió una nueva etapa: como suele hacer, se entregó a una descarnada madre en Morir (o no), de Ventura Pons, y fue la única mujer entre todos los hombres de Smoking room, sin olvidar sus participaciones en Sé quien eres, Piedras, Las voces de la noche y El principio de Arquímedes.

Comenzó en el teatro a mediados de los 70, con El criado de dos amos, de Carlo Goldoni. Fue el inicio de una dilatada carrera: a montaje por año, Peña sedujo a los aficionados a las tablas con obras como Doña Rosita la soltera, La balada de Calamity Jane y Tirant Lo Blanc. Se apropia del texto clásico en estado puro (Electra), pero también tamizado por Lluís Pasqual (Edipo XXI) y Mario Gas (La Orestiada).

El gestor del Teatro Español la ha convertido en una de sus actrices-guía, junto a Gloria Muñoz: la catalana debutó a sus órdenes en 1978 con Enrique IV, de Pirandello; desde entonces cultivan una relación de amistad alimentada por el amor a Brecht (La ópera de tres centavos, Madre coraje), Shakespeare (Otelo) y Sondheim & Wheeler (Golfos de Roma, Sweeney Todd).

Asegura Peña que, con respeto, puede atreverse con todo y a veces, en un mismo año: tras meterse en la piel de uno de los Veraneantes, de Gorki, en 2006 dirigió su primer montaje, Los días felices de Beckett, poco tiempo después de pasearse De Mahagonny a Youkay Un viaje con Kurt Weill, recital musical ideal para una actriz, ya que la obra de Weill debe ser interpretada.

Le apasionan los personajes a los que puede hincar el diente y lo único que le llega a asustar es la responsabilidad que tiene todo el que se sube a un escenario. Queda patente en el sugerente monólogo de En casa / En Kabul, su última interpretación, la de una mujer hastiada y convencida de que en Afganistán encontrará la solución a su insatisfacción. A lo largo de 60 minutos nos lleva de viaje por estados emocionales diversos y abre el horizonte de un país tan escondido que acabó siendo olvidado. Lejos de que ocurra algo parecido con ella, Vicky Peña ya ha labrado un hueco en nuestra memoria.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Paz Vega

2007-03-09T10:10:00.000+01:00
Sevilla, 1976. Nada más comenzar el año abre los ojos por primera vez Mari Paz. 31 años después va camino de deslumbrar como estrella en Hollywood y además es actriz.

Si su nombre ya era uno de los más buscados en Internet, a partir de ahora estará asociado de por vida a la de nuestra santa más conocida gracias a su último trabajo por el momento: Teresa, el cuerpo de Cristo.

Detrás de un séquito de fotógrafos, caza-autógrafos y gentecilla de la industria se esconde una intérprete disciplinada que nunca ha perseguido escandalizar con sus personajes, aunque algunos de los que le ha tocado, como los de la mística abulense y la heroína de Carmen, la han destacado entre las actrices más sensuales del panorama europeo.

Antes una actriz debía participar en decenas de cintas para labrarse un hueco en la profesión; ahora, cosas del marketing, basta con tener un par de papeles reseñables (Sólo mía, El otro lado de la cama), alguna colaboración con Almodóvar (Hable con ella) y algo de relleno (Nadie conoce a nadie, Di que sí, Los Borgia). Pero ella, con los pies en la tierra, reconoce que no se siente en ninguna cima, viéndose igual que cuando empezó, con las mismas dudas, inseguridades e inquietudes, aunque más madura y consciente de que 'la carrera de un actor es la suma de muchos noes'.

La que encarnó un mito muy carnal, para disfrute de Vicente Aranda entre otros, y abandonó una carrera televisiva plácida (7 vidas) para convertirse en la Lucía de Julio Medem, mira con algo de vértigo el paso del tiempo: vive (y trabaja) en Los Ángeles cuando aún no se ha cumplido una década desde que se presentó en el bar de Más que amigos, serie generacional que reunió a actores que hoy son requeridos por el cine y el teatro, como Sergio Otegui, Elena Ballesteros, Alberto San Juan, Ana Risueño y Jorge Bosch.

Se considera en fase de aprendizaje ('así hasta el final') y a pesar de que elige muy bien sus proyectos ('todas las elecciones son muy meditadas') no le hace ascos a algunos retos, como una incursión en el cine francés (Novo), en el italiano tras recibir la llamada de Paolo y Vittorio Taviani (La masseria della allodole) y la colaboración en videoclips de su amigo Alejandro Sanz. De su bautizo con Ray Loriga sólo saca cosas buenas; el director también: que si muchos deberían imitar su visceral forma de trabajo, que si es una actriz completa, que si se mueve con paso firme...

Es el que a llevado a Paz lejos aunque lo suyo con Hollywood no fue premeditado: con un inglés muy básico accedió a participar en un cásting con James L. Brooks (Los Simpson, Mejor, imposible). Fue la chica de Spanglish y el papel le abrió las puertas de la industria. Desde allí nos llegarán muy pronto 10 items or less, donde da lecciones de 'hispanidad' a Morgan Freeman, y Fade to black, de Oliver Parker. La sevillana suma entre sus nuevos amigos a Diego Luna, Christopher Walken y Anna Galiena gracias a este thriller con Orson Welles como personaje principal.

Ahora se enfrenta en exclusiva a su mejor papel, el de madre, aunque sólo hasta que sepa compaginarlo con cualquiera de los proyectos que surgen a uno y otro lado del Atlántico, como el que le llevará a trabajar con Rodrigo Santoro (300), Jordi Mollá y la cantante Shakira en un retrato audiovisual sobre Carlos Gardel visto por Alfonso Arau (Como agua para chocolate).

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Ray Loriga

2007-03-09T10:07:00.000+01:00
Escribe novelas -traducidas a 17 idiomas-, dirige largometrajes y firma alguno de los guiones del más reciente cine español. Pero este madrileño de 40 años está generando más revuelo por haber convertido a Paz Vega en una joven Teresa de Cepeda y Ahumada que por el valor estrictamente cinematográfico de su Teresa, el cuerpo de Cristo.

Daniel Galindo: Desde La pistola de mi hermano hasta hoy ha pasado una década y el final del viaje viene representado por un proyecto ambicioso, costoso, de época, muy diferente de aquella película, cine de autor al igual que éste, pero mucho más pequeña.
Ray Loriga: Estos 10 años me han servido para aclarar las ideas, pensar bien por donde quería ir en el que sería mi siguiente proyecto. Entre una película y otra he tenido la gran suerte de trabajar en los guiones de Carne trémula, Ausentes y El séptimo día, con personas muy generosas (Almodóvar, Saura, Calparsoro) que te entregan mucho para que puedas aprender de ellos.

D.G: Aprender, por ejemplo, a no quedarse en una imagen de "estampita" a la hora de narrar parte de la vida de una iluminada...
R.L: Desde que empecé a investigar fui consciente de que había una y decenas de películas sobre Santa Teresa. Su vida fue apasionante, destacó por su sensualidad, su relación carnal con Dios y con un entorno convulso, contra el que luchó y salió indemne. Si creen que hay más ficción que realidad, yo lanzo el dato: el 90% de todo lo que se cuenta es verídico. Luego está el trabajo como guionista, donde se ordenan fechas, se juega con saltos temporales, se acentúan caracteres, etc, pero siempre a partir de un trabajo riguroso.

D.G: Y no queda duda de ello: aquel que no sepa mucho acerca de Teresa se llevará a casa un manual lleno de apuntes...
R.L: Esa era mi pretensión, sin olvidar que el cine es un objeto de entretenimiento. ¿Queremos una heroína? Tenemos ante nosotros un personaje sometido a tensiones internas y externas, en medio de un proceso de transformación brutal y enmarcado en un contexto rico en términos espirituales, sociales y políticos. Muchas capas que podrían pertenecer a diferentes personas se aglutinan en una sola mujer, muy potente en todos los sentidos, pero sobre todo en el cinematográfico.

D.G: Destaca el cuidado de los detalles. Podemos apreciar, por ejemplo, una interesante inspiración estética en el trabajo visual...
R.L: Los directores de arte y fotografía (el fallecido Rafael Palmero y José Luis Alcaine) han realizado un esfuerzo por recrear toda la iconografía religiosa. Más que copiar pretendían entender cómo los pintores de la época desarrollaron su arte, el efecto de la luz sobre las telas y los lienzos, la composición a partir de pequeñas anécdotas narrativas. Queríamos darle un toque de realidad a lo que nos ha sido legado a través de la pintura y por eso confiamos a ciegas en la diseñadora Eiko Ishioka (Drácula, de Francis Ford Coppola) que ha logrado que el vestuario pueda conmover. Hemos sido muy puntillosos, la verdad, pero era nuestro reto. Creo que en ese sentido, y en muchos otros, nos ha embargado el interés por la precisión milimétrica.

D.G: A muchos les puede resultar curiosa la presencia de Geraldine Chaplin como priora del convento en el que ingresa la joven Teresa.
R.L: Siento una profunda admiración por esta mujer, una de las grandes damas de la interpretación. No me podía resistir a ofrecerle el personaje. Siempre ha estado vinculada al cine español y eso, siendo hija de Charles Chaplin y nieta de Eugene O'Neill, es de agradecer. Me dieron libertad para elegir a los actores y todos me han sorprendido por su capacidad para dotar de vida a personajes del siglo XVI, que no parezcan burdas imitaciones.

D.G: Hemos terminado la charla sin pronunciar palabra acerca de polémicas sin fundamento ni de inexistentes escenas escabrosas que puedan escandalizar.
R.L: Ahora me llamarán antipatriota, pero bueno... En este país tenemos exceso de disputas, nada constructivas, y andamos escasos de debate, que nunca es contraproducente. No pueden tacharme de irrespetuoso por llevar a imágenes la literatura de los místicos, cuya relación con Dios es llevada a una metáfora amorosa: todo está en los libros. Yo respeto todas las opiniones siempre que estén argumentadas, así que a más de uno le diría que se interesará por la historia y la literatura antes de criticar por criticar.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Roberto Álvarez

2007-03-09T09:52:00.000+01:00
En su primera vez con Mario Gas, se embarca en un viaje hasta el complicado Kabul de los talibanes. Su personaje, creado según las indicaciones de Tony Kuschner, también es complejo.

Daniel Galindo: Ante una producción del Teatro Español era difícil negarse, pero daba la sensación de que ya te habías olvidado de la relación íntima que tenías con el teatro...
Roberto Álvarez: Es cierto, lo confieso: a veces aparecen "ligues" con los que tienes una aventurilla, pero el que es fiel a un sentimiento no puede olvidar tantos y tan buenos momentos de pasión: estuve 20 años en Teatro de la Danza, decidí tomarme un respiro que se convirtió en 7 años alejado de los escenarios, metido en los berenjenales del cine y la televisión. Ahora vuelvo a casa con una obra de este calado y a pesar de la alegría, me siento temblando todo el tiempo por el respeto que le tengo al escenario. Pero se trata de un temor adictivo: el hecho de estar haciendo teatro es una experiencia única, una sensación personal y artística tan diferente a las demás, que merece la pena entregarte a fondo.

DG: Cuando alguien lleva tantos años tirando de un proyecto como Teatro de la Danza, del que sigues siendo socio, resultará difícil desvincularse de la producción...
RA: Cuesta, cuesta mucho, y sobre todo si la compañía lo ha sido todo para tí durante tanto tiempo. Pero llega un momento en que uno busca la comodidad de ser un trabajador por cuenta ajena al cansarse de tanto esfuerzo en facetas que en un principio no le incumben a uno. Pero lo de la producción lo llevo dentro y no puedo dejar de implicarme.

DG: En este montaje también resultará difícil no inmiscuirse a fondo.
RA: Es una obra ancha y vasta, son muchas las cosas que se tocan, en ningún momento de soslayo y, por ello, es tremenda. Tony Kuschner, que es un tipo muy listo, ha escrito En casa/En Kabul teniendo muy claro el teatro de Shakespeare, Beckett, Arthur Miller, Tennesse Williams... Su obra es muy compleja, más allá de que la califiquen como teatro político y la ensalcen en polémicas absurdas. Abarcar el texto ha costado mucho trabajo. Te digo, por ejemplo, que he llegado a comprender mi personaje, a encontrarlo definitivamente hace unos días, y eso después de tres meses de ensayos.

DG: Después de tanto estudio a lo mejor puedes decirnos si es el conocimiento la receta contra el fanatismo.
RA: Creo que sí, al menos es lo que proponen los grandes pensadores. Esta obra pone de manifiesto lo interesante –aunque difícil- que puede resultar mezclarse entre sí. No hay que olvidar el fuerte acento crítico y Kuschner no deja títeres con cabeza, pero decapita a quienes debe hacerlo, a los talibanes, al mundo radical religioso, da igual que sea católico o musulmán, a la soberbia de los estados del decadente primer mundo, responsable de que en el tercero se pudran sin mínimas expectativas de vida. Se nos olvida con demasiada facilidad que las personas en cada ciudad son sobre todo ciudadanos que quieren vivir en paz y ver crecer a sus hijos. Les importa un pimiento los fanatismos, siendo victimas nada más del poder opresor, y el totalitarismo da igual que venga vestido de talibán, comunista u occidental.

DG: Un debate siempre es interesante, mucho más cuando hablas con gente que vive lejos del área donde te desenvuelves.
RA: En Marruecos, Argelia o Irán, de donde son algunos de mis compañeros, al tratar estos temas del Islam, la religión, la política, cada uno habla de su experiencia en su país. Somos parecidos, pero no podemos olvidar que hemos crecido de manera diferente, mirando con algo de desprecio o desconfianza al otro. Parece una frase hecha, pero convivir como lo hemos hecho, con gente con tus mismas inquietudes, teatrales y vitales, aunque pertenecientes a otras culturas, es tan enriquecedor que sólo tienes que abrir un poco la mente para crecer y crecer como persona.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Cate Blanchett

2007-03-02T10:56:00.000+01:00
Antigua amante de George Clooney en El buen alemán, herida en los brazos de Brad Pitt en Babel y rival de Judi Dench en Diario de un escándalo. La australiana no comienza mal 2007.

Su agenda está repleta de proyectos y largometrajes ya rodados, como The curious case of Benjamin Button, de nuevo junto a Pitt, y el atípico I'm not there, que hace hincapié en diferentes aspectos de la vida de Bob Dylan, tantos como actores le dan vida, entre ellos Christian Bale, Heath Ledger, Richard Gere y ella misma.

El año se presenta interesante para la que se convirtió en Galadriel, reina de los elfos de la Tierra Media por deseo de Peter Jackson. Su nombre permanece ya imborrable en la historia del cine gracias a la trilogía de El Señor de los Anillos, pero antes hubo un buen número de capítulos en su vida, el primero de ellos dedicado casi en exclusiva al teatro.

Se metió en la piel de la Ofelia de Hamlet y también volcó sus sueños como actriz en el personaje de Nina en La gaviota. Los escenarios se le quedaron pequeños y se probó la corona de Isabel I. No le quedó mal a juzgar por las buenas críticas gracias a Elizabeth, además de su primera candidatura al Oscar y el primer Globo de Oro. Una década después vuelve a tomar contacto con la reina en The Golden Age, donde flirtea con el aventurero Walter Raleigh (Clive Owen), ante la atenta mirada de Felipe II, que no es otro que Jordi Mollá.

Pero volvamos a 1997, año en que se puso en cabeza de una carrera de fondo llena de títulos: Mike Newell le confió el protagonista de Fuera de control, junto a John Cusack; fue la compañera delincuente de Billy Bob Thornton y Bruce Willis en Bandits, y Anthony Minghella la incluyó en el reparto de El talento de Mr. Ripley, junto a otros prometedores compañeros de generación, como Gwyneth Paltrow y Jude Law.

Después de trabajos 'alimenticios' entre los que destacan las comedias La chica de mis sueños y Un marido ideal y los dramas Vidas furtivas y Desapariciones, se fue ganando a pulso su hueco en los repartos americanos y europeos, llevando el peso de cintas como Verónica Guerin (Joel Schumacher), interesante retrato de la periodista irlandesa que sacó a la luz a mediados de los 90 el tráfico de drogas en Dublín.

En 2005 se alzó con el Oscar a la mejor actriz de reparto por El aviador, de Martin Scorsese, donde convenció al dar vida a Katharine Hepburn, pero más allá de las interpretaciones reconocidas con premio, Blanchett acumula papeles sustanciosos menos conocidos, como el de Charlotte Gray, que le emplaza en la II Guerra Mundial, la colaboración en Coffee and cigarettes (Jim Jarmusch) y la participación en la divertida The life aquatic.

Después de pasarlo mal en Marruecos a las órdenes de Alejandro González-Iñárritu y pasearse por el Berlín de posguerra de manos de Steven Soderbergh, se bate en duelo con Dench, 72 años de sapiencia interpretativa. Reconocemos que sale indemne a pesar de las estocadas que le suelta la dama inglesa, con la que coincidió hace 5 años en Atando cabos. Las dos fueron candidatas a un Oscar por su trabajo en Diario..., cinta que sin ellas podría pasar por telefilme de sobremesa.

Tras la vorágine de Hollywood vuelve al país donde nació hace 38 años para subirse de nuevo a las tablas en las que coincidió con Geoffrey Rush y Richard Roxburgh, aunque cambiando su Melbourne natal por Sydney, sede de la compañía teatral que gestiona junto a su marido, el dramaturgo Andrew Upton. Y ya veremos si puede cumplir su promesa de dedicar sólo tres meses del año a rodar películas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Luisa Martín

2007-02-27T08:12:00.000+01:00
Madrileña, de 47 años, conocida gracias a la pequeña pantalla aunque curtida sobre los escenarios. Son muchos los que aún la recuerdan junto a Juan Echanove en El verdugo, por la que consiguió los principales premios de interpretación.

Enamorada del teatro -una veintena de trabajos corrobora el sentimiento- va más allá de su faceta como actriz y afronta la producción de Como abejas atrapadas en la miel, un montaje arriesgado y diferente.

DG: Dice el director que tienes en tu haber todos los registros, incluso los que no están inventados...
LM: Qué va a decir él, que me ha tenido que aguantar: Esteve Ferrer, él sí que no para y eso, además de volverte loco, es muy enriquecedor... Hemos llegado al estreno muy tranquilos porque hemos hecho más ensayos generales de lo que habitualmente. Lo necesitábamos porque aquí somos pequeñas piezas de relojería, todos y cada uno de los que estamos delante y detrás tenemos que estar sometidos a una precisión exacta.

DG: Pero precisamente gracias al libreto y a la dirección, lo pasáis bien y eso se nota.
LM: Me gusta el ritmo frenético, los cambios de personajes, el juego que plantea a partir de saltos temporales, el descubrimiento de pistas esenciales y las escenas paralelas. Es como trabajar con cámaras y el montaje de imágenes sobre las tablas, aprovecharse de lo mejor de dos medios maravillosos: el escénico y el audiovisual. Para poder provocar el desconcierto y el asombro en el público debemos estar, además, muy compenetrados: hay un componente de precisión ineludible para que el engranaje funcione al 100%.

DG: Embaucadora, inteligente, atractiva y hecha a sí misma, así es Alexa, una mujer con muchas aristas y secretos y capaz de engatusarnos con guiños...
LM: Ahí está el juego que te mencionaba, uno de ellos. Yo no soy ambiciosa con los personajes, sino que soy más entusiasta del montaje. Aún así, esta mujer es la bomba, complicada y entretenida a la vez porque no la ves venir. Me gustó por las posibilidades que puede dar, por pasar por todos los estados de ánimo posibles, es un rol ideal para divertirse sobre el escenario más que sufrir.

DG: Supongo que también os enfrentaréis a muchas dificultades...
LM: Hay muchas cosas difíciles en teatro, pero uno de los principales desafíos es encontrar un buen texto. ¿Cómo debe ser? Novedoso, atractivo por la estructura narrativa, por el tipo de personajes, sugerente... Tengo la suerte de tener muy cerca de Albert Mori, un espeleólogo de los textos teatrales acordes con la necesaria sátira social. Nuestro anterior proyecto, Historia de una vida, bebe de la misma necesidad por tratar un texto muy completo que hace referencia al mundo regido por el triunfo rápido y el afán por hacerse famoso a toda costa.

DG: Tras aquella producción, más intima y sencilla, aterrizas en un montaje propio de compañía nacional o gran empresa.
LM: Si funciona la mitad de bien nos podemos dar por satisfechos. Supone un paso más, al cambiar de formato, y pasar de un ambiente más introspectivo a una fachada dominada por el glamour y lo urbano. En términos de producción, el salto es gigante, al contar con primeras figuras detrás del escenario, como la diseñadora Ana Garay y el iluminador Juanjo Llorens, y cinco actores más. Puesta la carne en el asador, sólo nos hace falta conseguir promoción, mantenerse arriba entre tan buena y variada oferta y con tan escaso apoyo.

DG: El reconocimiento del trabajo bien hecho anima a seguir con proyectos nuevos...
LM: Sí, los hay, pero estamos muy concentrados en las abejitas. En caso de que marche bien tenemos un par de ideas en vista, no conmigo como actriz, aunque sí con otras intérpretes, ya que manifiesto mi gran admiración por las actrices españolas, de todas las edades, gente que trabaja mucho y no pierden la ilusión por el teatro, como Blanca Portillo y Blanca Apilánez, por mencionar a dos de ellas.

DG: ¿Y repetirías con Esteve como director?
LM: Si el quiere, siempre. Es un profesional entusiasta que tira del carro con toda la fuerza y a veces sólo. Unos se encargan de la dirección escénica, otros descuidan los aspectos de realización, y también están quienes dejan la interpretación en manos de los actores. Él es el más apropiado para este montaje por su carácter extrovertido y su visión del trabajo, limpia y meticulosa.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Verónica Forqué

2007-02-27T08:05:00.000+01:00
Ella es Carmela. Fue la primera, mucho antes de que la sustituyera en el mítico montaje estrenado en 1987 Kiti Manver y el personaje llegase al cine con el rostro y la voz de Carmen Maura.

Como toca hacer teatro de calidad y recuperar nuestra memoria más olvidada, retoma esta reflexión sobre los cómicos en los momentos críticos de una guerra entre hermanos.

Daniel Galindo: ¡Ay, Carmela! es un reto para cualquier intérprete aunque sea un "miliciano de las tablas".
Verónica Forqué: Por aquel entonces yo no era ni un cuarto de eso que dices. Hubo un antes y un después como actriz con esta obra. Yo sabía algunas cosas pero luego aprendí muchísimo más. Me eligió José Luis Gómez entre muchas compañeras y me entusiasmó mucho, tanto que creo que hasta el propio Gómez se asustó de mi interés en hacer la obra. Luego entró en escena Manuel Galiana con el que hice una gira entrañable. Así estuvimos durante año y medio... ¡Y de nuevo está Carmela dando guerra y aquí estoy yo también!

DG: ¿Qué queda de aquella actriz que con 32 años nos contó la dura vida de los cómicos y los infortunios del azar?
VF: Mis vivencias me han convertido en otra persona: 20 años son muchos aunque el tango diga lo contrario. Estoy muy feliz de poder retomar un personaje dos décadas después, siendo más madura y comprendiendo mejor ciertas cosas. Yo era muy joven cuando lo hice y con Miguel he podido profundizar y enriquecerlo todo lo que he podido... Lo disfruto y eso es gracias a él, a que dirige con mucho cariño. Cada día revivimos con ilusión las mismas cosas, es un descubrimiento continuo, y eso que llevamos más de 150 funciones.

DG: De José Luis Gómez a Miguel Narros...
VF: Cambian muchas cosas aunque cada uno ha hecho que crezca aún más este texto de José Sanchis Sinisterra. Miguel ha sabido rentabilizar el hecho de que 20 años después la experiencia del principio esté muy viva. Ha sacado jugo a la memoria emotiva, me ha pedido consejo y ha innovado en lo que le ha parecido.

DG: Después de poner en pie El sueño de una noche de verano y Doña Rosita la soltera la comunicación será muy fluida y os enfrentaréis al trabajo de una manera peculiar, ¿no?
VF: Con la mirada, sí. Tenía muchísimas ganas de trabajar con él porque sus montajes tienen una vitalidad que no suele haber en otros. En los de Miguel, como espectadora, nunca me he aburrido y eso que le ha metido manos a textos muy complejos. Es su gran virtud como director. Yo le cogí hace 3 años y el pobre ya no se libra de mí. Hay mucha confianza: cuando le veo la cara después del ensayo, con muy pocas palabras o ninguna, sé lo que quiere. Sabemos por dónde vamos. Y, por si fuera poco, tiene un gran sentido del humor, mucha sorna, una cosa cachonda, divertida, tierna... Y eso se ve en esta obra.

DG: Una tragicomedia muy completa donde pasamos de la cruda realidad a la risa. Por cierto, entre tus máximas hay una frase de Oscar Wilde...
VF: "Morir es fácil, lo difícil es la comedia". Yo he hecho mucho cine, televisión y teatro, que es el medio que te permite conocerte de una manera más profunda. Debuté sobre los escenarios en 1975 con Divinas palabras. Desde entonces he buscado en todos los papeles el lado cómico, hasta en los más duros, y el de Carmela es inteligente, patético y cómico, y a la hora de hacer reír necesitas algo especial que no se puede trabajar.

DG: ¿Es ese equilibrio entre homenaje a los cómicos, memoria histórica, drama y comedia el elemento diferenciador de ¡Ay, Carmela!?
VF: No lo sé. Cuando una obra se convierte en algo inmortal, grande, no sabes cómo explicarlo. El texto ya es un regalo, tenemos mucha suerte de tenerlo para nosotros. Conecta con todo el mundo, aunque no sepan mucho de la historia, de los referentes reales... Mira, ese puede ser uno de los ingredientes básicos de esta mezcla tan bien cocinada.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Josep María Pou

2007-02-27T07:56:00.000+01:00
Era un paso obligado: después de casi 40 años como actor, siempre en primera línea, se estrena como director.

Su respeto por el público y la idea de sentirse responsable de todo un producto le ha llevado a cuidar y apasionarse por un montaje del que asume su traducción, adaptación, producción, dirección e interpretación. Le ha valido el aplauso del público, la crítica y los compañeros, sin olvidar la concesión del Premio Nacional de Teatro 2006 por una vida entregada a las tablas.

Detrás de La cabra hay una especie de declaración de intenciones y hablando con él somos conscientes de que ningún argumento es gratuito.

Daniel Galindo: Estamos acostumbrados a compartimentar, a poner etiquetas, pero resulta imposible encontrar sólo una para definir la obra. Sería acotar demasiado y no tenemos derecho a hacerlo...
Josep María Pou: El lector que haya visto la obra habrá descubierto el truco maravilloso que nos lleva a hacer reír a partir de una mezcla agridulce y desconcertante, un texto dramático sobre un tema tan serio, tan profundo, tan vital. La clave está en la ironía con la que unos personajes muy inteligentes deben paliar un enorme dolor. El sarcasmo a veces es la única defensa para no caer y morirse de dolor. Eso provoca una risa nerviosa justo antes de preguntarnos por la razón de nuestra carcajada.

DG: No estamos ante un género específico: no es comedia, ni drama, ni tragedia...
JMP: Es todo eso mezclado y más: teatro costumbrista, alta comedia, guiños del absurdo... Es vital para entender ese mundo. Partimos de un texto magnífico, con una profunda carga literaria, incluso filosófica. Los actores estamos acostumbrados a parcelar y aplicar claves, pero aquí cada 5 minutos hay un cambio radical. Es un viaje brutal y apasionante.

DG: Y con muchas paradas: la obra está salpicada de tantos temas que es imposible centrarse en uno sólo.
JMP: Otra de las riquezas: es como un pastel de capas donde cada espectador puede encontrar lo que quiera. Hay quien sale del teatro conmocionado por la imposibilidad de controlar lo irracional del amor y quien se mosquea por el discurso de la doble moral, de haz lo que quieras pero que no se entere nadie. He leído muchos textos porque es mi oficio de siempre, pero nunca había tenido en mis manos una función que en 100 minutos pasara por tantos géneros y tuviese elementos como humor, sacrificio y otros que no vamos a desvelar. Un autor como Edward Albee, que se atreve a llevarnos por tantos recovecos, es muy valiente.

DG: Y es casi un logro mantener la tensión, sabiendo que el espectador tiene muy claro el motivo de ese viaje...
JMP: Ha sido una de las cosas más difíciles de transmitir a los actores, aunque por suerte tuve mucho tiempo para trabajar en ello. El hecho de hacer la traducción, primero al catalán y luego al castellano, me ha servido para conocer cada detalle, silencios incluidos. Nuestro trabajo final es conseguir trastornar, noquear al espectador con algo inclasificable, pero sin que pierda el interés durante la obra.

DG: Da la sensación de que La cabra escogió a Josep María Pou...
JMP: En cierta manera, así fue. Incapaz de esperar a que me enviasen el texto, me fui a Nueva York en un viaje relámpago a ver una de las funciones previas. Fue el viaje más enriquecedor de mi vida: salí del teatro con las ganas de contarle a todo el mundo lo que acababa de ver, compartir ese cúmulo de emociones con la gente a la que quiero. Me hacía feliz que el público español pudiese ver la obra, no digo gracias a mi, pero sí de mi mano. Es cierto que tenía ganas de dirigir, aunque no de manera especial, pero llegó La Cabra y me enamoré.

DG: Desde noviembre de 2005 el montaje lleva un recorrido de más de 14 meses. El tiempo y el reposo del éxito ha venido venir bien para ir tomando perspectiva...
JMP: Al principio uno quiere abarcar tantas cosas que no tiene la claridad suficiente para ser objetivo. Ahora puedo decir que el montaje, por ser inclasificable y pertenecer a eso que llaman teatro de minorías, acaba interesando no sólo a unos pocos. Dice mucho a favor del público, que quiere cosas que le provoquen, que atraviesen las barreras que nos ponemos a fuerza de tantos impactos que recibimos, sobre todo a través de la televisión. El teatro llega a través de las emociones y deja un poso que luego permite reflexionar acerca de lo que se ha visto. Me gusta llenar los bolsillos con inquietudes, emociones, preguntas; al día siguiente, al cabo de un mes, uno saca algo de todo lo que arrojamos desde el escenario y se queda pensando. El teatro debe estar vinculado a la sociedad de su tiempo y convertirse en tratamiento de shock para curar males.

DG: Recetemos ir al teatro...
JMP: Y más en estos tiempos tan crispados en que vivimos. Además el hecho de que 300 personas se reúnan para compartir una historia en principio insólita y absurda me merece más que respeto: que salga la gente de su casa, gaste dinero y tiempo, es un milagro y una capacidad de generosidad tan enorme que no tengo derecho a desperdiciar. Ya no sólo como actor sino como ser que forma parte de la sociedad me veo en la obligación de respetar al público y eso me tiene obsesionado. Yo elijo mis trabajos pensando en que nadie salga defraudado. Y eso es lo que me ha llevado a asumir tantas facetas, no por vanidad sino por impedir que nadie malee esta criatura, esta especie de legado.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Un apunte más: échale un vistazo a la página web de Josep María Pou.

Hablamos con... José Luis García Pérez

2007-02-27T07:34:00.000+01:00
El teatro corre por las venas de este sevillano de 34 años. Muchos le conocieron gracias a Cachorro, de Miguel Albaladejo, pero los andaluces aficionados al teatro le identificaban como miembro de su compañía Digo Digo (En la boca del lobo, 5 y acción).

Atrapado por el cine desde que Miguel Albaladejo le confió el protagonista de Cachorro, José Luis no ha dejado de aparecer en la pantalla y se ha convertido en actor de cabecera de Gracia Querejeta (Héctor, Siete mesas de billar francés) y Gerardo Herrero, a cuyas órdenes rueda estos días una comedia junto a Federico Luppi y Carmen Maura.

Lanzado en el cine, no oculta su pasión por los escenarios, donde se mueve con soltura y no sólo como actor.

Daniel Galindo: Camino de las primeras 50 representaciones habrás tomado distancia para responder a esta sencilla pregunta: ¿Cómo ves Closer?
José Luis García Pérez: Creo que es, junto con mi compañía, donde mejor me lo paso trabajando y eso que había mucha tela que cortar: dos meses y medio de ensayos, muchos minutos dedicados a la promoción, creo que nunca he dedicado tantos, mucha presión... A eso súmale que es muy estresante esto de hacer teatro. Después de un par de años dedicado por completo al cine casi me había olvidado de lo que era estar todo el día con un personaje en la cabeza: desde que te levantas estás pensando en que por la tarde tienes la función. Eso sí, trabajar y hacerlo con esta gente es una delicia, y cuando llego al Lara sólo pienso en dar gracias por todo lo que me ha tocado.

DG: Y seguirás dando gracias porque la obra todavía está en pañales, tiene mucha vida y la razón es que conecta muy bien con el público...
JLGP: Fíjate que durante los tanteos previos teníamos claro que era una tragicomedia. Sabíamos que al ser una farsa patética y realista, podía funcionar, pero no sabes hasta qué punto reconforta sentir la risa nerviosa del público. Todos nos podemos ver reflejados en los seres que pululan por el escenario y se establece una complicidad vital entre el patio de butacas y nosotros, en las tablas. Además estoy enamorado de mi personaje: pasa por tantos estados que lo disfruto muchísimo sin darme cuenta de que pasa el tiempo y la obra termina.

DG: Tienes en tus manos una caja de sorpresas: Larry es un tipo muy complejo...
JLGP: Sí, pero a la vez muy cercano. Te cuento mi historia con Closer: una amiga, la actriz Diana Lázaro, me dijo que había una película que me podía gustar, que yo le recordaba al tipo. Ella misma me llamó años después para decirme que Mariano Barroso iba a montar la obra. Corrí a buscar la película y me sorprendió verme tan reflejado en Larry. Al día siguiente me cité con Mariano y él llamó a Belén Rueda, que es parte de la producción, y le dijo: 'nuestro Larry acaba de entrar por la puerta'. Hay veces que uno piensa que está hecho para un papel y con Closer tuve esa sensación.

DG: ¿Avisamos a todos de que si vienen con los referentes de la película muy marcados se van a encontrar con algo muy diferente?
JLGP: Sí, sobre todo porque la película de Mike Nichols es una versión de la obra de teatro original de Patrick Marber y no deja de ser una película 'americana'. Creo que la obra es mucho mejor que la película, tiene un lenguaje muy cotidiano e intenso, y luego está la magia de la verdad, por lo que te provoca mucho más: ver a cuatro personas a poca distancia, dando vida a un texto repleto de emociones...

DG: Sólo discrepo en que muchos la han tildado de 'obra urbana': si eso significa que todos vivimos en una espiral de soledad y necesitamos engañarnos, estamos apañados...
JLGP: Pero tiene una lectura positiva además de visos de acabar como una historia feliz, salvadora... La vida urbana también tiene una esperanza, aunque a veces nos veamos en relaciones tan mentirosas. Eso es lo que perseguía Mariano, por cierto, un director al que le gusta mucho los actores. Basa su trabajo en lo personal, en la amistad, y los ensayos son muy largos y enriquecedores. Hemos trabajado como compañía independiente, con mucha unión entre nosotros, con la posibilidad de ensayar en un teatro que tiene 126 años y era el mismo donde luego íbamos a estrenar.

DG: Tu parcela sigue siendo Digo Digo Teatro donde experimentas en el campo de la dirección (Quijotadas) para afrontar nuevos retos...
JLGP: Como el de Vampiros, un espectáculo que se basa en la diferencia y pronto llegará al Centro Cultural de la Villa. Cada vez que tengo un proyecto entre manos, me entrego por entero varios meses y luego siempre estoy sacando ratitos libres de los trabajos que no son por cuenta propia. Es entonces cuando sale a relucir mi vena de estudiante por mi formación como historiador. Me gusta meterme a fondo en un tema, investigar, y cuando ya están las cosas claras... ¡todos a ensayar! Y cuando ves que todo sale bien y que la gente disfruta, vuelves a agradecer por vivir de esto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Un apunte más: échale un vistazo a la página web de Digo Digo Teatro, la compañía de José Luis.

Toni Collette

2007-02-25T10:19:00.000+01:00
Pequeña Miss Sunshine, Voces en la noche... ¿De qué nos suena esta actriz? Rebusque en su memoria, vaya hasta 1994 y saqué del cajón películas-que-dan-la-campanada La boda de Muriel.

Con esa cinta se dio a conocer incrementando la nómina de actores australianos de su generación (Eric Bana, Rachel Griffiths) adoptados por papá Hollywood, aunque lo cierto es que, en más de 15 años de carrera, nunca se ha desprendido de cierto halo independiente.

Ahora sí que vemos a Toni Collette detrás de aquella desesperada y alocada mujer, Muriel, que modernizó el mito de la Cenicienta con complejo de patito feo cuando anunció que su única ambición en la vida era casarse y enfundarse en un vestido de novia. Consiguió engañar a todos y obtuvo su primera candidaturas a los Globos de Oro y con ella un visado permanente para trabajar al otro lado del Pacífico.

La actriz nacida en 1972 sí representa un sueño en la vida de real, el de muchos jóvenes que acaban poniendo su nombre en los títulos de crédito de películas tan taquilleras como El sexto sentido y Las horas y eso que no encontramos el gen interpretativo en su ADN -su padre es camionero y su madre empleada en una empresa de mensajería-.

Sirvió de contrapunto a Cameron Diaz, que se metió En sus zapatos. En la cinta de Curstis Hanson (L.A. Confidential) volvió a adoptar ese rol de vecina de al lado en la que nadie se fija hasta que se da bruces con ella en el ascensor. Quizás sea la característica que más llama la atención de una actriz que, de manera tímida, se ha ido abriendo camino entre sus compañeras, más llamativas (y por lo general, insulsas) a priori.

Más allá del dato frívolo de que juega con su peso en función de un papel u otro -engordó 20 kilos para ser Muriel-, su capacidad para mimetizarse con ciertos personajes le ha llevado a interpretar a la madre de una aspirante a pequeña reina de belleza norteamericana, la chica más feucha eclipsada por Gwyneth Paltrow en Emma y la perturbada que se inventa enfermedades en el thriller Voces en la noche, junto a Robin Williams.

Todavía tenemos que presentar a Collette como "la que salía en..." porque a nuestro país no han llegado títulos que le han dado prestigio: 8 mujeres y media, donde Peter Greenaway la convierte en una monja que trabaja en un burdel, Japanese story, en la que debe guiar a un turista accidental, y Hotel Splendide, que la presenta como cocinera jefe de un curioso y remoto complejo turístico por el que pulula Daniel Craig, el último Bond.

Si quiere conocer otras de sus facetas siempre puede recurrir a Velvet Goldmine, en la que da vida a la sufrida esposa de una estrella del rock (Jonathan Rhys Meyers), y Un niño grande, insustancial comedia donde también aparece la chica de Sydney para gloria de sus productores. Pero no se apure, lo de Toni Collette es sólo cuestión de tiempo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Monica Bellucci

2007-02-16T14:46:00.000+01:00
Hay que pensar mucho para encontrar alguien como ella: natural, capaz de atisbar un halo de sensualidad y hacer convincente un papel como el de María Magdalena.

Esa naturalidad innata que enamora a la cámara es la baza principal de la actriz nacida en 1964 en la pequeña localidad de Citta di Castello, curiosamente cerca de donde trabajaría muchos años después.

En La Pasión de Cristo según Mel Gibson, apareció con la cara lavada y claro, atrapó a los pocos que aún no se habían fijado en ella. Antes había vuelto locos a los chiquillos de un pueblo italiano durante la Segunda Guerra Mundial. Fue en Malena, de Giuseppe Tornatore (Cinema Paradiso), estrenada en el año 2000. Por aquel entonces el de Monica Bellucci era ya un rostro imprescindible en toda coproducción europea que se preciase y codiciado por directores en Hollywood.

Si es actriz es por culpa de Sophia Loren y Claudia Cardinale, aunque en sus inicios fue imagen publicitaria y modelo de pasarela. El trabajo en principio temporal que servía para pagar sus estudios en la Universidad de Perugia, se convirtió en puerta de entrada hacia la agencia Elite, la pequeña pantalla y, finalmente, el cine. Una trayectoria que la emparenta con otras de su generación, como Inés Sastre.

Francis Ford Coppola vio en ella a una de las criaturas que pululaban por el castillo de Drácula (1992) y ya en el siglo XXI, los hermanos Wachowski contaron con ella para formar parte de los repartos de la segunda y tercera entrega de la trilogía iniciada con Matriz. De manera paralela en el viejo continente se labraba una carrera con menos afán comercial, con excepción de algún título como Asterix y Obelix: misión Cleopatra, donde daba vida a la caricatura de la reina de Egipto.

Estuvo a las órdenes de Isabel Coixet en A los que aman; mientras, en Italia y Francia no daba tregua: con 32 años protagonizó El apartamento, cinta por la que fue candidata a un César, equivalente francés a nuestro Goya. No sería el único fruto positivo de la experiencia. Sabemos que el futuro del cine europeo pasa por la coproducción: la unión hace la fuerza y ella lo practica en casa al estar emparejada con el francés Vincent Cassel (Ocean's 12), compañero de reparto en aquella aventura, a la que siguieron Doberman, El pacto de los lobos, Irreversible y Agentes secretos.

Pronto les veremos de nuevo juntos en Hesitan, ella como una bella vampiresa para recordar sus pinitos en Hollywood, donde pagan muy bien. Lo curioso es que hasta ahora sólo se ha publicitado su salario a este lado del Atlántico: aseguran que por ¿Cuánto me amas? cobró más de millón y medio de euros. Pero un buen salario no es lo único, ahí está por ejemplo N (Napoleón y yo), una curiosa visión propuesta por Paolo Virzì, director de Catterina va in città.

En 2007 veremos a Monica en múltiples facetas ya que tiene pendientes de estreno 5 cintas, entre ellas El elegido (Le Concile de pierre), de Guillaume Nicloux, y Shoot'Em Up, una violenta película de suspense dirigida por Michael Davis. En ella el británico Clive Owen cuida de Bellucci, una mujer embarazada que, por supuesto, habla, aunque esto no es necesario para ser una buena actriz: ella siempre saca a colación la el papel de Holly Hunter en El piano. Tampoco le importa el tiempo en pantalla sino la enjundia del personaje, como la reina del espejo de El secreto de los hermanos Grimm y la fisioterapeuta madura de una de las historias que componen el fresco de Manuale d'amore 2.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Brad Pitt

2007-01-13T17:22:00.000+01:00

Demasiado guapo para llegar a ser buen actor. Eso decían. Si dejan de ver al rubio que cobra 18 millones de dólares por película, es que el intérprete le ha ganado la partida a la estrella.

Era el año 94. Tenía 31 años y atesoraba ya algunas películas (Kalifornia, Amor a quemarropa, Entrevista con el vampiro) pero Leyendas de pasión le presentó con honores. Era el primer protagonista de un actor que ya había despertado curiosidad entre las féminas gracias a su intervención en Thelma & Louise, junto a Susan Sarandon y Geena Davis y dirigido por Ridley Scott, y pescando en El río de la vida, a las órdenes de Robert Redford.

Atrás quedaba su etapa como chico anuncio de Levi’s y las apariciones puntuales en series como Dallas, Los problemas crecen y Treinta y tantos. Su legado iba abultando y se convirtió en objeto de videoclub, no necesariamente de culto: Seven, Sleepers, Siete años en el Tíbet, La sombra del diablo, etc. Del estreno de Leyendas de pasión han pasado 12 años y la diferencia está en los millones que cobra por película, dinero que no es lo primordial, sino el poso que dejen sus personajes en el público. Y no precisamente los de Troya y The Mexican. Se refiere a los más ‘intelectuales’, como el de 12 monos (Terry Gilliam), que le permitió acariciar el Oscar, reportándole al final su primer Globo de Oro.

En otros trabajos encuentra otro tipo de satisfacciones: Sr. y Sra. Smith dio frutos y no sólo en taquilla. Durante el rodaje, tantos planos junto a Angelina Jolie, dieron valor a eso de lo ‘del roce hace el cariño’. Infiltrados le otorgó lustre a la faceta de productor, que ha seguido alimentando con títulos como A mighty heart, de Michael Winterbottom, con su mujer actual (antes lo fueron Juliette Lewis y Jennifer Aniston) como protagonista de un relato basado en la muerte de un periodista en Afganistán. Pronto le veremos también en los títulos de crédito de Dirty tricks, que ahonda en el caso Watergate. Quiere seguir dejando huella, pero no desde los primeros planos.

Como actor aumentará la cosecha el año que viene: llegará el estreno de Ocean´s thirteen, junto a sus amigos George Clooney, Matt Damon y Julia Roberts, y a las órdenes de Steven Sodderbergh. Vuelve el dandy con clase, aunque el papel de macarra, chulo o desastrado no es que le caiga demasiado mal. Ahí están los personajes en El club de la lucha (David Fincher) y Snatch. Cerdos y diamantes (Guy Ritchie). El rubio se tiñe de moreno en El asesinato de Jesse James y quizás le veamos en la adaptación de la novela El curioso incidente del perro a medianoche.

Ahora saborea las primeras consecuencias de su experiencia más brutal hasta el momento. Babel le ha unido para siempre a Alejandro González-Iñárritu. Junto al mexicano y Cate Blanchett, con quien comparte secuencias muy duras, se ha hecho mayor: los 43 años se traducen en patas de gallo y algunas arrugas, pero no tema por él ya que el sentido de esta historia las ha acentuado para que todos nos olvidemos del chico guapo que está detrás de ese rostro cansado.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Ben Affleck

2007-01-13T17:11:00.000+01:00

Hace unos años no había película en cuyo reparto no apareciera este joven de buena planta capaz de parecer el amigo bruto del colegio y poner al momento cara de no haber roto un plato.
Después de Diario de un ejecutivo agresivo, Ben Affleck regresa ahora a las pantallas con Hollywoodland. Lo hace en uno de sus mejores momentos despues de haber conseguido -para sorpresa de todos- la Copa Volpi por este papel en el último Festival de Venecia- y habiendo escrito de nuevo un guión y dado el salto con él a la dirección.

Affleck pertenece a una generación de treintañeros unidos en 1992 por su primera incursión cinematográfica, una cinta de nombre School Ties en la que coincidieron Matt Damon, Chris O`Donell y Brendan Fraser. Por aquel entonces e incluso antes –desde los 8 años- al joven Ben Affleck se le empezó a ver en un buen puñado de series de televisión, como Buffy, la cazavampiros y películas de "Serie B", estrenadas directamente en video y cuyos repartos integraron a muchos de los que hoy son estrellas, como Última llamada, La asesina de la oficina y Jóvenes desorientados, con unos desconocidos Milla Jovovich y Matthew Mcconaughey.

A pesar de que se dio a conocer en el Festival de Cine de Sundance en 1997 como protagonista de la comedia de Kevin Smith, Persiguiendo a Amy, Armageddon (Bruce Willis, Liv Tyler) fue el primero de un listado formado por títulos que pronto consagrarían al californiano, entre ellos Shakespeare in love y Pearl Harbor. La buena racha se incrementó con los protagonistas absolutos. La fórmula es sencilla: coges a Affleck y le colocas junto a una actriz popular, ya sea Gwyneth Paltrow (Algo que contar), Sandra Bullock (Las fuerzas de la naturaleza), Charlize Theron (Operación Reno) o Jennifer López (Una relación peligrosa).

Su lado más alternativo lo encontramos en las colaboraciones con el siempre polémico Smith, director de la mítica Clerks y la mencionada Persiguiendo a Amy. A mediados de los noventa inició con Mallrats una línea diferente a la que llevaba en el Hollywood de las estrellas, participando en el resto de títulos de un cineasta obsesionado con temas como los cómic y el hockey: Dogma, Jay y Bob el Silencioso contraatacan y Una chica de Jersey. En Clerks II, como no podía ser de otra forma, tenía una pequeña intervención.

No sólo con Smith atesora proyectos al margen de los grandes estudios. No podemos olvidar su debut como guionista junto a su amigo Matt Damon. Fue con motivo de El indomable Will Hunting, de Gus Van Sant, la historia de un joven rebelde y superdotado, con la que ganaron el Oscar al mejor guión. El actor, a punto de cumplir 35 años, vuelve a meterse en faena, aunque en esta ocasión saldrá a relucir su faceta como director con el título provisional de Gone, Baby, Gone (basado en un libro de Dennis Lehane, autor de Mystic River). Se trata de un proyecto acerca del secuestro de un niño y tiene como intérpretes a Ed Harris, su hermano Casey Affleck y Michelle Monaghan, compañera de reparto de Tom Cruise en Misión imposible III.

Mimado por Hollywood, es de los pocos actores que pueden afirmar que han sido superhéroes. Encarnó a uno de la factoría Marvel en la adaptación cinematográfica de Daredevil, un abogado ciego que tiene el resto de sus sentidos muy aguzados. Ahora en Hollywoodland da una vuelta de tuerca y encarna al actor que en su momento encarnó a 'El Hombre de Acero' para la pequeña pantalla en los años 50. Como apunte de prensa rosa podemos decir que aquí fue donde conoció a Jennifer Garner, su actual mujer y madre de su hija.

El que otrora fue paladín de la justicia tiene pendiente de estreno Smoking Aces, junto a Ray Liotta y Andy Garcia. Y su nombre suena para encarnar al comandante Spock en la película que narra el origen de la saga Star Treck que podría rodar J.J. Abrams (Alias, Perdidos, Misión imposible III).

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Christian Bale

2007-01-13T17:04:00.000+01:00

Steven Spielberg confió en él como protagonista de El imperio del sol. Tenía sólo 13 años. Unos cuantos años después le vemos en El truco final (El prestigio), de Nolan.

Pero este hijo de piloto de aviones y bailarina circense descubrió lo bueno y lo malo de la fama demasiado pronto, una experiencia que le apartó de las pantallas hasta que se consideró lo bastante formado como para afrontar el trabajo de actor y toda su parafernalia.

Christian Bale creció. A lo mejor no le pone cara, pero era el apuesto galán de la última versión de Mujercitas, donde rondaba a una de las chicas surgidas del imaginario de Louise May Alcott. Ese mismo chico, con 30 kilos menos y algunos años más, llegó hace poco a las pantallas convertido en el esqueleto andante protagonista de El maquinista, producción española de la factoría Filmax.

La cinta de Brad Anderson retrataba lo que ocurre cuando el insomnio se convierte en una pesadilla terrorífica. Algo así como un mal sueño fue la preparación del personaje. Recuerda que su dieta diaria estaba compuesta por una lata de atún, una manzana y tabaco, mucho tabaco. Testigo del trabajo concienzudo fue la actriz Aitana Sánchez Gijón, que ve en Bale a uno de los mejores intérpretes por la pasión que pone en su profesión.

Tiempo después y ya bastante repuesto del cambio, reconoce que se arriesgó, que está muy bien entrar en la piel de un personaje, pero no a costa de la salud. Asegura este hombre de 1,90 metros de altura y más de 80 kilos que no se reconocía en la piel del yuppie asesino de American psycho, pero más le costó identificarse con el famélico protagonista de El maquinista.

Cotiza como uno de los actores más solicitados de Hollywood y la prueba la tuvimos, cuando llegó embutido en el traje del murciélago más grande y cinematográfico que existe. Christian Bale fue rostro y cuerpo de Batman en el episodio introductorio de la saga, Batman begins. La película, dirigida por Christopher Nolan (Memento), nos cuenta el dilema del millonario Bruce Wayne, que no sabe si disfrutar de su fortuna o dedicarse en cuerpo y alma a hacer el bien. De nuevo a las órdenes de Christopher Nolan, aparece Christian Bale para la gran pantalla en El truco final (El prestigio), en el que comparte reparto con Hugh Jackman y Scarlett Johansson.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Sofia Coppola

2007-01-13T17:00:00.000+01:00
Su visión de María Antonieta, a la que ve con el rostro de Kirsten Dunst, ha cosechado tantos elogios como abucheos. Ella ni se inmuta, bastante tiene con ser la última cineasta rebelde.

Se paseó delante de la cámara, diseñó su moda, pasó largas temporadas en hoteles impersonales de Japón -¿les suena de algo?- y se convirtió en icono de la crítica con una adaptación muy ‘independiente’.

Reacia a que le digan lo que tiene que hacer, la neoyorquina de 36 años apunta hacia un cine con sello propio: Las vírgenes suicidas, Lost in translation y ahora María Antonieta, cada cual más heterodoxa y al margen del Hollywood más comercial. ¿Una reina en el Versalles del siglo XVIII a ritmo de rock? Cosas de la hija de Francis Ford Coppola.

Muy fina ella, idea que apuntala su imagen delicada, Sofia Carmina fue educada en los mejores colegios, pero no hagan elucubraciones apresuradas: cada curso estaba sometida a las más estrictas reglas y corsés, normas que en vacaciones se iban por la borda al asistir a los rodajes de su padre, como el de Apocalipsis Now en Filipinas. También aprendió a interpretar sobre las tablas y en películas hechas en familia como Cotton Club y Peggy Sue se casó.

Entre sus hitos, algunos curiosos: es la única actriz que ostenta el honor de haber participado en las tres entregas de El Padrino –aunque si papá dirige, no es muy difícil que digamos-. También, y este es más valorado, fue la primera estadounidense en ser candidata a un Oscar al mejor director. Fue el año de Lost in translation, la estatuilla al mejor guión original, la revelación dramática (y vocal) de Bill Murray y el éxito más sonado de Scarlett Johansson.

Su historial profesional nos descubre que es autora de una de las Historias de Nueva York que su padre rodó junto a Woody Allen y Martin Scorsese, y que apareció en La guerra de las galaxias: La amenaza fantasma: búsquenla. En el amoroso destaca que fue pareja de los también cineastas Spike Jonze y Quentin Tarantino. De su futuro poco se sabe, tan sólo que al igual que otros compañeros de generación, con su tercera película cierra una trilogía no planificada, ésta acerca del proceso de madurez de mujeres diferentes.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Alejandro González-Iñárritu

2007-01-13T16:56:00.000+01:00
Es responsable del rediseño de la Torre de Babel, esa que otros hombres construyeron presos de su ansiedad por tocar el cielo. Si Dios la derruyó y esparció a los seres humanos por el mundo, obligándoles a hablar distintas lenguas, el polifacético cineasta mexicano plantea que es posible la comunicación entre los hombres si cada uno derriba la torre y los muros que se levantan sobre las fronteras que nos separan. Para ello nos cuenta en Babel una fábula sobre el dolor, que es lo que nos hace iguales.

Dirige, escribe, produce, es creativo publicitario y compone bandas sonoras. Si me lo permiten, es como un Dios todopoderoso que remueve conciencias y valores éticos. Hace 6 años se dio a conocer con Amores perros, después de más de 30 borradores de guión. Antes de su tarjeta de presentación cinematográfica este obsesivo creador ya había demostrado sus dotes como realizador con el telefilme Detrás del dinero, pero lo suyo era el cine, emular a sus referentes: Akira Kurosawa, Robert Altman, Quentin Tarantino y Jean-Luc Godard.

Vino al mundo el 15 de agosto de 1963 y con 17 años se embarcó en diferentes aventuras, como las que le llevaron a trabajar como lavacoches y marinero, en la vendimia y en una discoteca de la Costa del Sol. Se congratula de entretener a la gente, algo que aprendió a hacer en la radio durante 5 años, hasta que entró en el mundo de la televisión: a los 27 fue jefe de antena y producción de Televisa. Y siguió alimentando el gusanillo: película a película se ha ganado el respeto de todos y ahora que tiene el apoyo de Hollywood, se mantiene al margen de la industria, a sabiendas de que es el cineasta mimado al que permite ciertas licencias, entre ellas, la de asestar duros golpes al espectador que pretende ver una ‘americanada’.

Teórico del cine, busca la gramática visual de cada momento, proporcionando diferentes emociones a través de técnicas dispares. Considera que bastante tiene con la parte formal y decide que la música es cosa de otros, ‘del más grande’, Gustavo Santaolalla. Es uno de sus habituales, el otro colaborador conocido lo encontramos en el guión: confía en la mano de Guillermo Arriaga, que firmó los libretos de la atroz trilogía iniciada por la cinta protagonizada por Gael García Bernal y Goya Toledo –acerca de la pasión desenfrenada-, continuada con 21 gramos (2003) -reflexión sobre la muerte y la idea de pérdida-, y finalizada con Babel -su parábola acerca de la incomunicación y la compasión-.

La intensidad puede llegar a saturar y todo parece indicar que dejarán de trabajar mano a mano. Lo que no apaciguará será su espíritu nómada: de México al mundo, pasando por Estados Unidos. No concibe el cine sin riesgo y tampoco deja pasar el activo componente de denuncia social que tiene este altavoz tan poderoso. Y juega con las armas a su alcance, como la de viajar de Marruecos a Japón, haciendo suya la Teoría del Caos y explicándola con ayuda de Cate Blanchett y Brad Pitt, que entran en un universo dominado por la tragedia coral donde ya orbitan Naomi Watts, Benicio del Toro y Sean Penn.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Verónica Sánchez

2006-12-17T11:31:00.000+01:00
Camino de que le caigan los 30, atesora algunos de los títulos más curiosos del cine español de los últimos 3 años. Con Mía Sarah nos regala un nuevo protagonista.

Su entrada en el cine no fue a lo grande, con un personaje principal en una superproducción... Ni falta que le hizo: esta sevillana, nada más acabar sus estudios de Arte Dramático, cogió la maleta y se marchó a Madrid. Sabía que el de la interpretación no era camino fácil así que, sin amedrentarse, fue cubriendo etapas. Todo a su debido tiempo.

Tuvo un atisbo de tirar la toalla: volvió a Sevilla, se matriculó en Filosofía y cuando pensaba que jamás se vería en los títulos de créditos de una película apareció Fernando Colomo, que vio en ella al amor andaluz de Gerald Brenan. Al sur de Granada fue la primera y su interpretación convenció. De manera tímida participó en la ceremonia de los Goya más polémica, la de 2004 (protestas por el documental de Julio Medem La pelota vasca y el posicionamiento de los actores en contra de la guerra en Irak).

María Valverde (La flaqueza del bolchevique) se impuso en su primera candidatura pero ya se había revelado como actriz. Dos años más tarde le llegó la segunda, esta vez en la categoría de reparto y por otro personaje con raíces andaluzas, el de ‘La Chispa’, esposa del cantaor José Monge, en Camarón, de Jaime Chavarri. Se premió, con justicia, la madurez de Elvira Mínguez (Tapas). Dos opciones a premio y muchas películas en mente, Verónica tenía por aquel entonces muchas puertas por abrir. Y las tiene.

De cuando en cuando da un portazo a la prensa rosa: está cansada de que le pregunten por su vida privada. Tiene títulos suficientes para hablar de teatro (Lorca a escena), cine y televisión, tras Génesis y los 4 años anteriores que pasó en Los Serrano como hija de Belén Rueda, hijastra de Antonio Resines (con el que trabajó en las Alpujarras) y hermanastra con derecho a roce de Fran Perea. Ocupó la habitación de al lado y ahora los dos están en la sala principal del cine junto a compañeros de generación como Félix Gómez, Marta Etura y Raúl Arévalo.

Hoy día, el actor que se achanta ante los retos no tiene nada que hacer. ¿Hay que cantar? Pues se hace: en El Calentito, de Chus Gutiérrez, fue la sustituta que revolucionó la trayectoria musical de Las Siux. Le cogió gustillo a eso del canturreo y se lanzó a hacer dueto con Lucía Jiménez en Los 2 lados de la cama, de Emilio Martínez-Lázaro. Con él repite en un registro muy diferente: es una de Las 13 rosas (rojas) de las Juventudes Socialistas que murieron asesinadas cuando terminó la Guerra Civil.

Soñadora, positiva, responsable y curiosa. Le gustaría viajar a Japón, a Israel se fue de vacaciones, buscando emociones que le removieran el estómago. Su próximo destino, por cuestiones laborales, está en Argentina: en Zenitram hará de terrorista ecológica, junto a Jordi Mollá. Se pone a las órdenes de Luis Barone de la misma manera que trabaja con directores debutantes, como Gustavo Ron, que le ha regalado un personaje en una comedia tranquila, reposada y muy sentimental. Poco le pide al futuro salvo seguir trabajando en esto y al tiempo que disfruta, crecer como persona.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Nuria Espert, en "Play Strindberg"

2006-11-30T19:05:00.000+01:00
Es uno de los mitos vivos del teatro contemporáneo europeo. Lleva 58 años en escena, toda una vida dominada por una máxima: no dejar de aprender.

Como si de un juego se tratara, empezó en el teatro al igual que otros niños, pasando las tardes en los nidos de arte, espacios donde se abría un abanico de habilidades artísticas a los hijos de la clase obrera. Ella quería ser bailarina de music hall, pero se vio empujada hacia otros escenarios y a los 13 años ya era titular de la Compañía Infantil del Teatro Romea.

La vida de esta catalana siguió ligada al teatro, llevándose en muchas ocasiones el trabajo a casa, al crear junto a su esposo, Armando Moreno, su propia compañía. Su hogar estuvo durante muchos años en los teatros, que llenó con la palabra de autores tan diferentes como Eurípides, Lope de Vega, Calderón de la Barca, Shakespeare, Oscar Wilde, Eugene O’Neill, Bertolt Brecht y Jean Genet.

La vida de un intérprete está llena de capítulos, uno por personaje, pero en su caso, el de Medea ocupa muchas páginas: su relación con ella se inició a los 19 años. Era la primera vez que se entregaba al mito griego, personificación de la magia y el deseo, y con él recorrió España. Casi tan denso como el poso que dejó en ella Medea es el regusto dulce que aún saborea por haber sido, después de muchas intentonas frustradas, La Celestina, "más sabia que astuta", bajo la atenta mirada de Robert Lepage.

Los seres a los que ha llenado de vida han marcado su forma de ser y su carrera: Doña Rosita la serenó, Medea le enseñó todo lo que puede hacerse por amor, Yerma la presentó en los escenarios internacionales, rebuscó en el alma de Maria Callas, Arkadina, de La gaviota, le abrió los ojos, y el de Las criadas la engatusó. ¿Y los que no han llegado aún? Le gustaría enfrentarse a la Madre coraje de Brecht, a quien tiene un poco olvidado en escena, a pesar de incluir en su repertorio La buena persona de Sezuan y el recital Poemas y canciones de Brecht y Kurt Weill, del que ha ofrecido más de 150 funciones junto al pianista Pedro Navarrete.

Dos andaluces, Rafael Alberti y Federico García Lorca, le inculcaron el amor por la literatura: con el gaditano tuvo oportunidad de disfrutar de largas charlas; al granadino admira por sus textos, con los que ha dado la vuelta al mundo, llegando incluso a Japón. A esta catalana de L’Hospitalet de Llobregat afincada en Madrid no le asustan los retos: fue directora del Centro Dramático Nacional de 1979 a 1981 y no se amedrentó ante la puesta en escena de Tosca en el Teatro Real y el Tokio Opera House, uno de sus últimos desafíos, en el que aunaba de nuevo pasión y profesionalidad.

A Espert se la disputan directores de escena, desde el desaparecido Adolfo Marsillach (¿Quién teme a Virginia Wolf?) a Lluís Pasqual (Haciendo Lorca, La brisa de la vida) y Mario Gas (Master Class), compañeros como ella en la tarea de extraer del actor la vis más desgarrada. Envuelta de un halo que infunde respeto, destacan de ella su humildad: dicen que cuando se pone en manos de otros esconde su lado de director, el que bien conocen Irene Papas (Medea) y Joan Plowright y Glenda Jackson, durante los seis meses que duró la experiencia londinense de La casa de Bernarda Alba.

Ahora esconde esa faceta. Georges Lavaudant la enfrasca en una pelea a muerte frente a un contrincante interpretado por José Luis Gómez y con Lluis Homar ejerciendo como árbitro. El que quiera saber más de esta dama de la escena puede hacerlo gracias a su autobiografía De aire y fuego, un libro de memorias convertido en una especie de crónica de su profesión. Lo cuenta todo en primera persona, aunque el goce que produce ver a Espert sobre las tablas, jugando por ejemplo con Strindberg, no se puede comparar a nada, ni a sentimientos plasmados en un papel.

Vive un momento espléndido y, aunque parezca suicida afirmarlo, grita que todo le da igual. A sus 71 años asume el reto de continuar trabajando: dice que tiene mucho por hacer, montajes arriesgados, retos interesantes... Y le ilusiona el hecho de encabezar una saga dedicada al teatro, con su hija Nuria Moreno y una de sus nietas, Bárbara Lluch, siguiendo sus pasos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Blanca Portillo y Helio Pedregal

2006-11-30T18:44:00.000+01:00

Proponen un interesante juego metateatral a partir de lo que hay más allá del papel, en concreto el escrito por Antón Chejov. Afterplay pudo haberse representado 3 años atrás, pero como los buenos vinos, hay montajes que necesitan cierta madurez y los dos eran conscientes de que había que montarla con un equipo especial. A ninguno le falta trabajo, pero su pasión por el teatro les ha llevado a embarcarse en una aventura más personal. Así comienza una casualidad maravillosa que ya tiene vida propia y muchos visos para estar rodando hasta el otoño próximo.

Daniel Galindo: Está escrita por Brian Friel, adaptada por Juan Caño y dirigida por José Carlos Plaza, pero da la sensación de que la obra es sólo de vosotros.
Helio Pedregal: Teníamos claro que queríamos que fuese nuestra para hacer el trabajo sin la mínima interferencia. Lo mejor para perseguir lo que nos sugería el texto era pagarlo y así fue como nos unimos Blanca y yo. Todo se ponía de nuestra parte: teníamos a José Carlos Plaza y entró en juego Mario Gas, que nos facilitó la Sala Pequeña del Español, que nos interesaba por respetar la intimidad que nosotros le conferimos al montaje. Ha sido una preciosa casualidad a pesar de que entraba por primera vez en el terreno de la producción. Creo que está siendo el bautismo idóneo ante algo que puede ser muy venenoso...

DG: ...y adictivo. De eso sabe mucho Blanca, que tiene más experiencia en este campo.
BP: Sólo si tú tienes la posibilidad de controlar todos los hilos cabe que el resultado sea como el que quieres. Yo no soy una empresaria que busque hacer dinero, sino alguien que cree en lo que hace. ¿Por qué voy a esperar que alguien decida por mi? Esto era nuestro, de tres personas... Es una garantía, un seguro. Es cierto que no hay una fórmula mágica, que corres el riesgo de fallar, pero se daban muchos elementos como para no hacerlo.

DG: Se atisba un trabajo de artesanos, lejos de cualquier ‘industria’. Esa manufactura confiere una atmósfera especial durante el encuentro de dos desconocidos que se desnudan ante nuestros ojos.
HP: Todo el trabajo ha estado en armonía con la función: muchos días de trabajo de mesa, ensayos en un espacio mínimo, una obra concebida para el pequeño formato... Y llega una obra que tiene de enjundioso el hecho de que dos personajes se encuentran en un café donde es inevitable no conversar. Un espacio de nadie, un limbo teatral mágico, donde confluyen dos seres necesitados de cariño y apoyo,
BP: Trabajar sobre personajes de Chejov, o basados en criaturas suyas, tiene la ventaja de que sus antecedentes están ahí, en dos obras maravillosas (Tío Vania y Tres hermanas). El gran hallazgo es que hay 25 años de vacío. Y me gusta destacar una premisa de la que parte el director: un personaje no existe hasta que no hay un espectador que lo mira, ahí surge la magia. Yo empiezo a hablar y a sentir cuando tú te sientas en la butaca. Es como si estuviesen congelados en el tiempo y volviesen a la vida, por arte del teatro, esa noche que viniste. Es un acto exclusivo y maravilloso.

DG: El título da idea del juego que hay después de la obra...
BP: Es eso, un hermoso juguete que invita al espectador a enredar a partir de una conversación, en principio banal, entre dos solitarios en un bar. Lo que está pasando ahí es tan de verdad, tuyo, mío, del vecino... Todo queremos ser lo que no somos y mostramos una imagen falsa para que nos quieran más. Cuando nos quitamos las caretas somos más bonitos, tenemos cosas que no aceptamos y cuando nos reconciliamos con ellas, se vive sin terror. Este encuentro entre Andrei y Sonia es tan valioso que una conversación, aparentemente sin interés, se convierte en algo apasionante.

DG: Resulta impúdico veros tan cerca... Hay tanta verdad y parece tan sencillo de levantar...
HP: Que de la sensación de que es fácil para mi es el mejor síntoma de que lo estamos haciendo bien. Lo hemos hecho tan nuestro, aclarándolo tanto dentro de nuestro corazón, en la cabeza, durante los ensayos, que ahora salimos a escena a jugar, sin que nos cueste un gran esfuerzo. El divertimento para nosotros resulta fácil e implica que llegue bien al público.

DG: La obra va a recorrer la Comunidad de Madrid y distintas plazas de nuestra geografía. Abandonaréis este espacio con el riesgo de sentiros algo desprotegidos...
BP: Va a ser muy diferente, pero yo creo que lo que sucede aquí puede repetirse en cualquier escenario. Es tan contundente... Nos va a chocar que los 80 espectadores, esa especie de familia que nos arropa, se conviertan en 250 ó 300 personas, pero ese efecto de cercanía, sencillez y verdad se va a reproducir.

DG: Ninguno de los dos concibe esta función sin el otro.
HP: A ese texto le añades 3 meses de trabajo y todo cobra otro volumen. Lo que nosotros aportamos al texto original de Afterplay es mucho tiempo de trabajo, bagaje incluido.
BP: Fíjate, no la haría ni por todo el oro de Venecia. Es él, no hay otro Andrei.
HP: Dentro de 40 años cuando se monté, si vivimos para entonces, yo desde luego no pienso ir
BP: O vamos los dos juntitos, con la garrota, a ver qué tal lo hacen.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Daniel Craig

2006-11-24T17:49:00.000+01:00

Es el último actor que encarna a uno de los mitos cinematográficos del siglo XX, ya saben, el seductor agente secreto con licencia para matar.

Craig, Daniel Craig, es rubio, tiene ojos azules, un punto sexy y un sólido pasado como actor. También ostenta el récord del mayor número de críticas negativas por su elección. Durante el rodaje levantó las iras de todos aquellos que no le veían como agente 007, un tipo que ha dejado demasiados referentes en nuestro imaginario.

El Bond de menos edad tenía la ventaja de empezar desde cero ya que Casino Royale está considerada como la introducción a la saga. Una vez estrenada, todos coinciden en que aquellos comentarios maldicientes han quedado sin fundamento. Se mantuvo alejado de todas las apostillas y asegura que se ha inspirado en el que consideran mejor Bond de la historia, Sean Connery, pero sin copiarle.

Es el sexto actor que encarna un personaje que irrumpió en la pantalla en 1962 y sigue tan joven como entonces. Craig, inglés de 38 años, no había nacido cuando Connery se enfundó el esmoquin y se midió frente al Doctor No. Tras Pierce Brosnan, que con 53 años se estaba haciendo algo mayor, se rumorearon los nombres de actores que podían continuar la labor a la que también se entregaron, con mayor o menor fortuna, George Lazanby, Roger Moore y Timothy Dalton.

El intérprete al que hemos visto en Lara Croft: Tomb raider, Sylvia, Camino a la perdición, Elizabeth y Munich se impuso a Dougray Scott (Misión imposible 2), Eric Bana (su jefe en la película que rodó a las órdenes de Spielberg), Hugh Jackman (X-men, Scoop), Clive Owen (Closer, Hijos de los hombres) y Ewan McGregor, de quien fue compañero en las clases de interpretación. Por lo visto, su entrega, su forma física y su concepción de la saga como aventura épica convencieron a los productores.

Viene del teatro y quienes le conocen aseguran que no se ha dejado deslumbrar en su salto al cine. Por ahora tiene la agenda repleta de proyectos y pronto será Lord Asriel, personaje de La materia oscura, nueva trilogía cinematográfica basada en los libros fantásticos de Phillip Pulman. En la primera entrega compartirá secuencias con Bana, Nicole Kidman y Eva Green (Soñadores, El reino de los cielos), una de sus compañeras en Casino Royale. El intento de búsqueda de las raíces de Bond también ha dado buenos frutos porque hasta el momento ha firmado por tres películas más. Parece que sus detractores ya han cerrado la boca.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Cesc Gay

2006-11-10T10:23:00.000+01:00

Empezó en esto del cine con Hotel room, una largo experimental dirigido a medias con Daniel Gimelberg. Después de Krámpack y En la ciudad, se marchó 3 meses a la montaña para rodar Ficción.
Cesc Gay ha filmado su última película en compañía de su buen amigo Eduard Fernández y actores habituales en su incipiente filmografía como su mujer Ágata Roca y Carmen Pla.
Daniel Galindo: Da la sensación de que necesitabas respirar aire puro, abandonar el caos de la urbe.
Cesc Gay: Y acabo metiéndome en un laberinto interior al contar con un personaje pudoroso y reservado e intentar explicar un sentimiento de renuncia al amor. Quería hacerlo sin generar un conflicto brutal, sólo manteniendo un ritmo, unas tensiones y una progresión lineal. Y para ello, el sosiego del campo es vital.
DG: En la ciudad partía de una anécdota, un encuentro entre amigos en el que un hecho inesperado desemboca en una clima de tristeza general. ¿Cuándo surge Ficción?
CG: En el momento en que mezclo varias inquietudes que me rondan, como el interés por trabajar de nuevo con Eduard, hacer un mano a mano. Nace también de las ganas de salir de la ciudad, de rodar en otro espacio: había algo de mí que me llevaba a refugiarme en la montaña. Y surge de charlas con amigos cuyas relaciones se van al traste, de ver como dos personas que se quieren, juntos no duran ni cuatro días...
DG: La película está llena de reflexiones muy interesantes, eso sin entrar en que parece una apología a la fidelidad y también a los nuevos modelos de familia.
CG: Sí, eso es lo que todos me estáis diciendo. Pero es lo que nos ha tocado vivir. Estamos en un periodo del que están saliendo los nuevos rumbos de la sociedad de mañana y al igual que el personaje de Javier Cámara, que se limita a observar, me gusta sentirme un mirón que condensa en unos fotogramas la vida que nos rodea, caótica y a veces sin sentido, con parejas que se rompen nada más nacer sus hijos.
DG: Después de darle un pequeño papel en tu anterior cinta, vuelves a trabajar con Eduard... ¿por qué?
CG: Le hago entrega del protagonista que se merecía y supone mucho para los dos, porque se trata de la primera película que hago con un personaje central. Nos quedamos con las ganas de desarrollar algo con él, que tiene una cantidad de registros muy viva. También me gustaba la química que hay entre Javier y Eduard, la sutilidad y comicidad natural con que se muestran ante la cámara. Aquí todo pivota en torno a Eduard y me obligó a buscar una actriz que, sin ser muy conocida para no restar protagonismo a la historia, pudiera resistir el torrente de fuerza de este buen amigo.
DG: Cesc Gay, un "domador de fieras" en palabras de Cámara, lo ha debido tener fácil al rodar entre amigos y en familia, con tu mujer y la hija de Eduard...
CG: Es verdad que el trabajo de En la ciudad fue más estresante, con muchos personajes, muchos lazos que tenían que quedar bien atados. Aquí tuvimos la libertad de rodar la película todos juntos. El lujo que supone levantarte y saber que sigue la acción en el punto donde lo dejamos el día anterior es impagable.
DG: A pesar de tener un punto triste, de añoranza, ¿Ficción te permite reconciliarte con todos los que disfrutamos de la amarga En la ciudad?
CG: Sentía la necesidad de liberar tensiones, de verbalizar, sin hacerlo de manera expresa... Yo les decía a ellos que estábamos contando un amor que nunca llegó a existir. Es la renuncia a una historia de amor, un gesto de despedida. Me interesaba poner la mirada en las personas que no consiguen dar ciertos pasos en su vida. Todo tenía que ir por dentro y creo que, aunque parezca impensable, se transmite con imágenes.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Stephen Frears

2006-11-10T10:15:00.000+01:00

Aunque los derroteros artísticos le llevaron por el camino del teatro, dirigiendo obras para el Royal Court Theater, encontraría en el cine y la televisión su verdadera razón de ser.

En la actualidad no hay muchos directores que puedan enfrentarse con la misma soltura a un drama de época como Mary Reilly y a un docudrama político que ponga en entredicho la labor de Tony Blair. Stephen Frears no sólo es capaz sino que afronta nuevos retos casi tres décadas después de estar dedicado por entero al cine.

La adaptación de la novela de Hanif Kureishi Mi hermosa lavandería -con un joven Daniel Day Lewis-, Ábrete de orejas y Sammy y Rosie se lo montan, una trilogía sobre la sociedad inglesa bajo el mandato de Margaret Thatcher, le confirmaron como uno de los directores de la nueva ola del cine británico. Heredero de los progresos del "free cinema" de los sesenta, Frears es poseedor de un lenguaje identificable, con rasgos propios como el humor negro, la naturalidad y agilidad de los diálogos y el enfoque original de ciertos dramas.

La hilarante y realista Café irlandés abriría a comienzos de los 90 su etapa más costumbrista, alimentada por La camioneta. Una separación temporal, formal y argumental en el arco temporal que se había iniciado en 1971 con Detective sin licencia, y dos relatos emplazados en ambientes criminales rodados en la década siguiente: Chicos sangrientos y La venganza.

Creador activo donde los haya –suele estrenar una película cada dos años-, Frears se erige en paladín del cine que se hace en el viejo continente a sabiendas de que para hacer frente al todopoderoso Hollywood hay que encontrar historias únicas y dotarlas de la envoltura atrayente de títulos recientes como Largo domingo de noviazgo o las propuestas de cineastas españoles como Pedro Almodóvar y Julio Medem.

Pero Frears no reniega de la industria norteamericana ya que fueron concebidos en su seno algunos de sus éxitos como Hi-Lo country, Alta fidelidad y Las amistades peligrosas, en la que dirigió a John Malkovich, un conde juguetón que flirteaba con Michelle Pfeiffer y Uma Thurman. Un ejemplo que corrobora su capacidad para contar buenas historias, darles otro aire en el caso de que estén basadas en novelas. Todavía nos queda mucho por ver de este defensor a ultranza del trabajo de guión como base de un proyecto.

A sus 65 años este británico ha regresado con Mrs. Henderson presenta a la comedia con clase después de destapar los Negocios oscuros de un grupo de explotadores encabezado por Sergi López, principal protagonista junto a Audrey Tautou de este thriller curioso cuya trama tiene lugar en los suburbios del Londres que el turista nunca ve. Una crítica irónica acerca de la inmigración ilegal.

Si hay un área en el que Frears se siente seguro es en el de la política actual, un nexo más de conexión con su compatriota Ken Loach, formado como él en la televisión de los 60 y 70. En Gran Bretaña se conocen muy bien sus trabajos para la pequeña pantalla, como The deal en el que presenta a Tony Blair en su carrera hacía el liderato del Partido Laborista, un personaje para él con más defectos que lindezas. En su último trabajo de ficción para la gran pantalla, The Queen, también ha querido hablar de otras ‘amistades peligrosas’, las de Blair con la reina de una institución que en su opinión cambiará cuando Isabel II ya no esté.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Helen Mirren

2006-11-10T10:05:00.000+01:00
Como Isabel II en The Queen se coloca en la quiniela de aspirantes al Oscar. Detrás del revuelo mediático de los últimos meses se esconde una actriz que no nació ayer.
Diez años más joven que Judy Dench –habitual ya de la saga Bond- y Maggie Smith –vista como profesora de Harry Potter-, Mirren comparte con ellas el porte británico que, unido a una maestría en el terreno de la interpretación, las convierte en embajadoras de la escena y el cine de su país de origen.
La recordada Calígula le dio popularidad, permitiéndole saltar el charco de vez en cuando hasta que se estableció en Los Ángeles, donde comparte hogar con el director Taylor Hackford (Oficial y caballero, El abogado del diablo, Ray). Fue Morgana en la mítica Excalibur, de John Boorman, se perdió en La costa de los mosquitos, junto a Harrison Ford, y se puso a las ordenes de Peter Greenaway en El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante. De las tres damas es Maggie la que suele salir menos de la isla, pero tanto Helen como Judy han paseado por la alfombra roja de los Oscar en varias ocasiones, una de ellas por Gosford Park, de Robert Altman.
The Queen le ha supuesto el visado para entrar en el universo de Stephen Frears. Es uno de esos personajes que marcan una carrera y parecen borrar de un plumazo todo lo anterior (y a veces, lo venidero). Hacer de Isabel II en medio de un espíritu casi revanchista, sin perder el aire british y el toque de seriedad justa, sin histrionismo, era un reto. ¿La habrá llamado la reina de Inglaterra para felicitarla por su excelente labor?
Conocido el beneplácito de público y crítica, seguro que no espera el telefonazo de Buckinham aunque desde el principio sintió un enorme respeto por una institución tan querida como criticada. Era la primera vez que alguien se acercaba al lado más humano y privado de una reina con dudas y emociones que, con otro estilo, había sido encarnada por más actrices (Prunella Scales, Imelda Staunton). Su admiración por Anna Magnani y Jeanne Moureau, mujeres con autoridad y confianza, queda patente en su visión de la mujer más poderosa del mundo, con permiso de Condolezza Rice.
Ha intentado imitarla desde la psicología y la imaginación una vez pasada la etapa donde la intriga y el temor se apoderaron de ella. El resultado lo tienen en pantalla y no deja indiferentes a nadie: el afán por intentar comprender al personaje real hizo que la actriz que tomaba té con pastas en Las chicas del calendario y sufrió La sombra de un secuestro se alzase con la Copa Volpi en el pasado Festival de Venecia. Ovacionada durante 5 minutos, el galardón incrementó el número de premios a su carrera como majestad: la londinense, nacida en 1945, parece ya una experta en este tipo de papeles ya que apareció como reina en La locura del rey Jorge (candidatura al Oscar incluida) y en 2005 protagonizó la miniserie Elizabeth I, galardonada con 9 premios Emmy.

Voz de otra reina muy animada en El príncipe de Egipto, el porte regio no le viene desde luego de familia ya que fue criada en un ambiente antimonárquico. En su siguiente proyecto escapa a esos roles, convirtiéndose en una coleccionista de libros surgida del imaginario de la escritora de libros infantiles Cornelia Funke.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Calixto Bieito

2006-11-01T11:27:00.000+01:00

Más allá de la provocación y la polémica, su forma de trabajar dota de sentido el papel de los grandes directores de escena: dar una visión renovada de obras clásicas.
El Festival de Otoño programó dos de sus últimos trabajos, Peer Gynt, poema épico de Henrik Ibsen, y Plataforma, a partir de la novela de Michel Houellebecq. Acude a Madrid con regularidad al frente de la compañía del Teatro Romea, espacio que dirige en Cataluña. Entre sus proyectos, devolver la ópera Don Giovanni al Liceo y llevar en 2009 una dramaturgia con 6 zarzuelas de género chico a Berlín y Stuttgart.

Daniel Galindo: Dicen que estamos ante un Calixto Bieito más relajado y flemático...
Calixto Bieito: Continuo furioso, pero es una ira creativa más reflexiva y existencial, que toca más adentro. Estoy en un proceso de transformación fruto del paso de los años. Sigo sin estar de acuerdo con muchas cosas aunque es verdad que ahora pienso más antes de actuar, buscando otras formas de expresión. Quizá sea porque haya madurado, por haber recuperado la pasión por la filosofía... Pero sigo siendo igual de apasionado en los ensayos y mi próximo Don Giovanni será tan furioso como siempre.
DG: Unos meses ahora en Basilea –donde está ensayando Don Carlo- y en 2008 en Barcelona os hará aparcar vuestras giras por Europa...
CB: Eso nunca. Nuestra vocación viajera no se puede mermar. Al cabo del año tenemos muchísimas peticiones para representar obras de repertorio e incluso para estrenar e inaugurar festivales como el de este año en Bergen con motivo del centenario de la muerte de Ibsen.
DG: ¿Y cómo abordas la adaptación de 7 horas y media de lectura de una epopeya como Peer Gynt?
CB: Gritando en un primer momento "dónde nos hemos metido" y luego esquematizando y destacando el carácter universal de los 50 años de vida de este personaje. Un tipo que es a los noruegos como Fausto a los alemanes y Don Quijote a nosotros. Me gusta trabajar con imágenes, e Internet para esto ofrece el mejor banco iconográfico. Luego está la parte romántica, una faceta que en el caso de Peer Gynt me llevó a recorrer Noruega, la turística y la que pudo vivir Ibsen, aunque esta novela la escribió muy lejos, en Italia.
DG: ¿Te trasladaste a Tailandia para indagar en el relato de Plataforma?
CB: No fue necesario porque lejos de una historia pornográfica dura, para mi es una historia de amor que deja el sexo a un lado. A veces hablar de sentimientos es más obsceno que jugar con efectos visuales. Y luego está la música: a la hora de concebir una puesta en escena me dejo llevar por el ritmo propio de cada pieza. La Celestina, por ejemplo, me sonaba a rumba catalana.
DG: ¿Y a qué suena Peer Gynt?
CB: A todo. Tiene música muy ecléctica, con versiones del Réquiem de Verdi, de P.J. Harvey , George Michael... Es un poema dramático hiperrealista para 7 voces y una yamaha, y muchos temas cantados por Roser Camí suenan a creaciones muy de Björk, por el toque interior y desgarrado.
DG: Y como el resto del texto, en catalán...
CB: O en castellano, siempre según nuestro criterio y nunca por razones políticas. Peer Gynt está en catalán y obedece sólo a cuestiones artísticas, que son naturalmente muy subjetivas. Hemos ido a Londres en los dos idiomas, a París en castellano, a Salamanca en catalán... Plataforma está en castellano, ¿porque está Juan Echanove? Puede ser, pero me gusta que la compañía cambie, que no se anquilose. Y en el caso del verso de Ibsen, suena muy bien en catalán, lo que no quiere decir que suene mal en castellano. Otro ejemplo: Shakespeare es más lírico en catalán y más fuerte en castellano. Con el idioma hay que jugar. Ya que tenemos esa ventaja, aprovechémosla.
DG: Una de tus pasiones menos conocida por nosotros es la zarzuela...
CB: Sí, me da buen rollo porque me recuerda a la banda de Miranda de Ebro que tocaba los domingos de primavera en la plaza del pueblo. Me molesta que muchos no tomen en serio este género, que hay que cuidar. Es verdad que necesita algunas reformas en los bajos y recibir un empuje, pero tiene seriedad y calado intelectual, además de un halo clásico, que ya me encargaría yo de transformar.
DG: Y a esperar las críticas del público.
CB: ¿Sabes? En tres años al espectador se le pasa el enfado, así que podemos investigar, aunque al principio más de uno lo vea todo negro. Créeme que lo he sufrido en mis carnes.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Martín Scorsese

2006-10-27T17:13:00.000+02:00
Llega a las carteleras con Infiltrados al tiempo que uno de sus títulos más carismáticos, Taxi Driver, celebra sus primeros 30 años en la retina de los espectadores.
La película protagonizada por Robert De Niro, Jodie Foster, Cybill Shepherd y Harvey Keitel no fue su primera incursión en el mundo del cine pero sí una de las más celebradas, Palma de Oro en Cannes incluida. Antes había rodado Alicia ya no vive aquí y Malas calles, con las que ponía a prueba su mano diestra y su afición por relatar historias.
Aquella fue la primera de muchas: Toro salvaje, New York, New York, Uno de los nuestros, El cabo del miedo, Casino… Con De Niro estableció una relación peculiar parecida a que desde tres cintas atrás le une a Leonardo DiCaprio. Con él como protagonista ha rodado Infiltrados, El aviador y Gangs of New York, sobre la historia de una ciudad en la que él nació en 1942. El de Queens la ha convertido en otra de sus actrices predilectas al estar presente en buena parte de su filmografía y recibir homenajes expresos, como el que le rindió en la trilogía de historias narradas también por Francis Ford Coppola y Woody Allen.
En más de 40 años escribiendo guiones y mirando a través del visor –desde que en 1968 rodó ¿Quién llama a mi puerta?- ha tenido tiempo de hacer experimentos como Kundun, donde recrea la vida del decimocuarto líder espiritual tibetano y retrata la invasión del Tíbet por parte de la China de Mao. No se amedrentó a la hora de levantar polémica con La última tentación de Cristo, adelantándose 15 años a La Pasión, de Mel Gibson, el más inmediato trabajo controvertido sobre el Jesús más humano.
Demostró que es capaz de desenvolverse con soltura en la alta sociedad neoyorkina del siglo XIX, donde ambienta La edad de la inocencia, y en un giro radical puso Al límite a Nicolas Cage y Patricia Arquette en una inquietante historia sobre los conductores de ambulancia. Enamorado del cine italiano, resulta curioso su sobrado acercamiento de 243 minutos con formato documental. Él mismo se encarga de relatar en Mi viaje a Italia la profundidad estética de Federico Fellini, las películas más recientes y los logros del neorrealismo, al que se adscribe buena parte del cine que empezó a ver cuando no tuvo más remedio que refugiarse en la sala oscura ante la imposibilidad de disfrutar de otras actividades por culpa del asma.
No era esta su primera incursión en el género: en 1976 filmó los conciertos de despedida de The Band, por la que pasaron Bob Dylan, Van Morrison, Neil Young, Joni Mitchell, Neil Diamond y Eric Clapton. También le debemos por ejemplo No direction home: Bob Dylan y es posible que pronto veamos otro sobre la intensa trayectoria de los componentes de un grupo mítico que aún perdura: los Rolling Stones.
Un total de 19 candidaturas a los Oscar le avala entre sus compañeros, pero el no haber conseguido ninguna de las 5 estatuillas a la mejor dirección emborronan en parte su historial. No tiene ningún premio de la Academia pero que empiecen a temblar sus compañeros porque Scorsese se toma la revancha, ya que emprende una nueva faceta, la de crítico para una revista que recoge la programación de cine en televisión.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Alfonso Cuarón

2006-10-24T07:46:00.000+02:00

A sus 45 años se confirma en el universo de los cineastas más críticos y prolíficos de su generación. Pero la trayectoria del mexicano es muy curiosa, producto de un largo camino en el cine.

A mediados de los 90 Sydney Pollack le propuso dirigir Grandes esperanzas, lustrosa incursión en el gigante del norte después de filmar en inglés la adaptación de un cuento llamado La princesita. Sus avales patrios no eran asuntos menores: varios cortometrajes a comienzos de los 80, Sólo con tu pareja, una ópera prima protagonizada por Daniel Giménez Cacho (Celos, La mala educación), y episodios de series de televisión.

Conocido el entramado cinematográfico británico después de rodar Harry Potter y el prisionero de Azkabán, sólo pensaba en adaptar la novela de P.D. James Hijos de los hombres. Su película con mejores críticas, la más controvertida por anunciar un mañana no tan lejano. Ha encontrado el equilibrio perfecto entre acción y conciencia moral. Se decanta por una ágil forma de rodar: cámara en mano, con secuencias largas en las que la cámara no deja de filmar, tono documental... Quería que el triste paisaje que retrata –un Reino Unido del que sólo nos separan 21 años- tuviera reminiscencias del tercer mundo actual y quedase como una mirada realista al presente, la mejor advertencia sobre el futuro que se nos avecina.

Hablar de Hijos de los hombres es hacerlo también del actor Clive Owen, por el que se decantó Cuarón. Asegura que si tuviera que salvar el mundo le tendría como compañero. Juntos han hecho un camino similar en el cine: paso a paso, primero en su país natal, dejándose mimar por Hollywood y dando pasos certeros como esta fábula que avisa de que el futuro es cosa del pasado. El actor británico entrará en su universo del mismo modo que lo hizo Maribel Verdú. Recordemos que Cuarón la dirigió en Y tu mamá también (candidata a los Oscar a la mejor película en habla no inglesa y al mejor guión original) y como productor confió en ella para El laberinto del fauno, de su también amigo Guillermo del Toro.

No pasamos por alto esa faceta, la de productor, ya que el mexicano está detrás de títulos como El espinazo del diablo, la divertida Temporada de patos y El asesinato de Richard Nixon, de próximo estreno. Ahora está metido en nuevos proyectos, como México 68, una mirada no a los Juegos Olímpicos, sino a las trágicas revueltas estudiantiles en su ciudad natal. Podría contar con actores a los que conoce bien, como Gael García Bernal y Diego Luna, además de tener en el reparto a las españolas Diana Palazón y María Casal, populares gracias a la serie Hospital Central.

Entre sus colaboradores, además de su hermano Carlos, se encuentra Emmanuele Lubezki (Sleepy Hollow, El nuevo mundo), responsable de la fotografía de sus películas, desde la primera hasta Hijos de los hombres, la última y más inquietante por el momento.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Sergi López

2006-10-13T11:22:00.000+02:00

Con motivo de El laberinto del fauno el año pasado volvía a España a rodar, algo que no hacía desde el año 2001.

En la pantalla grande se despoja de su carisma, pero el actor de 41 años lo sigue conservando una vez conocida su historia de amor con el cine. Quería ser futbolista pero cumplidos los 18 se encontró con el viejo oficio de actor. Se fue a París a estudiar y conoció a Manuel Poirier con quien ha hecho, hasta el momento, 7 películas. La primera fue Western, ‘road movie’ con dos marginados que entronca con la última, Caminos cruzados, versión francesa de Carreteras secundarias.

No es distante ni serio... Eso se comprueba en cuanto te diriges a él y te contesta con una amplia sonrisa en la boca. Viéndole en El cielo abierto, de Miguel Albaladejo, pasa por ser el amigo que quieres tener; aunque en otros títulos como Ataque verbal y Janis & John, utiliza la sonrisa y las palabras para engatusar y camelar. Ahora peca de sádico convertido en una especie de lobo feroz enfundado en un traje de militar. Le toca el rol de ogro en el cruel cuento de hadas de El laberinto del fauno.

Guillermo del Toro sedujo a Sergi López por su inteligencia y su capacidad de narrar. Le contó hace tres años su proyecto cuando era un boceto, pero no se habló más, sólo una cosa: el mexicano quería verle pero no haciendo de buena persona, sin atisbo del aprecio que se le coge hasta en las películas más duras. Como el capitán Vidal, franquista empedernido, no tiene nuestra simpatía moral aunque sí la cinematográfica-, ya que borda un terrorífico y malvado rol sólo comparable al odioso personaje de Sólo mía, donde da vida a un maltratador.

A la espera de entrar en un proyecto sobre el gángster que siempre quiso ser, su próximo trabajo le lleva a Niza, donde rueda Parc, otro thriller donde asegura divertirse tanto como haciendo los Negocios sucios que le encargó en 2002 Stephen Frears junto a Audrey Tautou. La película pasó desapercibida, no así su papel como inmigrante explotador de compatriotas que confirma ese lado oscuro que puede explotar, sin olvidar el punto tierno que deja entrever. Tiene pendiente el estreno en España de Les mots blues, donde da vida a un maestro de niños sordomudos. Con ella visitó la Berlinale, un festival al que en su día se acercó con Caricias y Morir (o no), sus trabajos a las órdenes de Ventura Pons.

Hace un año se enfrascó en la aventura teatral que le iba a permitir saldar las cuentas con su pasado sobre las tablas. Con Non solum se reencontraba con Jorge Picó y quienes le vieron destacan que en pantalla, el catalán de Vilanova i la Geltrú no da ni un cuarto de todo el torrente que es capaz de soltar. Aún así nos quedamos con títulos como Una relación privada y La curva de la felicidad, e incluso con algunos denostados como Lisboa (Antonio Hernández), Harry, un amigo que os quiere (Dominik Moll) por la que se alzó con un César francés, y Hombres felices (Roberto Santiago), cintas menores en las que resalta la labor de un intérprete de fama continental que sigue viviendo en su pueblo como si nada, junto a su mujer y sus tres hijos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Carmen Maura

2006-10-10T21:04:00.002+02:00
Poseedora de un don especial para la interpretación, esta madrileña no tiene parangón en el cine de hoy, al menos en el español.

Hay excelentes actrices, aquí y en Europa, que acumulan experiencia, pero se cuentan con los dedos de una mano las que a sus 60 años continúan en activo, rifada entre los cineastas, acreedora de una mirada diferente y siendo algo que muchos dicen con demasiada ligereza: un icono.

Estaba al frente de una galería de arte cuando su vocación artística fue cobrando fuerza a finales de los sesenta: de los escenarios, los cortometrajes (Pomporrutas imperiales) y los café-teatros saltó a la televisión, donde recibía los piropos de Fernando García Tola ("nena, tú vales mucho"), alternándolos con intervenciones en varios Estudio 1.

Fernando Colomo y Fernando Trueba la convirtieron en la musa de la comedia disparatada que dejaba atrás la transición y se abría paso entre las moderneces y los progres: Alaska –por citar un nombre- era a la música lo que Carmen Maura al cine. Pero antes fue el teatro y antes también, chica Colomo, con Tigres de papel y ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste?

"No fui la primera chica Almodóvar porque en aquellos momentos éramos tres ó cuatro". Con soltura se corta la etiqueta, aunque no se desdice de ella. Pepi, Luci, Bom... y otras chicas del montón sería la primera de seis colaboraciones entre la actriz tragicómica -según él- y el cineasta talentoso -según ella-. Maura puso voz y cuerpo a las historias del manchego, a las primeras, como ¿Qué he hecho yo para merecer esto? y Entre tinieblas, con las que entronca ahora Volver.

Premio Nacional de Cinematografía por su labor indiscutible a nuestro cine, Mario Camus la convirtió en una ex-terrorista de ETA en Sombras en una batalla y demostró, gracias a Ana Belén, Cómo ser mujer y no morir en el intento. Eso antes de instalarse en Francia, donde ha rodado a las órdenes de André Techiné (Alice y Martín), Martín Provost (El vientre de Juliette) y Etienne Chatiliez (La alegría está en el campo, por la que fue candidata al César). Habitual en los repartos internacionales de nuevos y consagrados directores, no le falta tiempo para hacer la maleta e irse a rodar a Argelia (El harén de Madame Osmane), Argentina (El sueño de Valentín), Italia (Ángeles de negro), México (Al otro lado) o Bélgica (25 grados en invierno). También a Israel, con Zona libre, en la que pronto la veremos como suegra de Natalie Portman a las órdenes del realizador Amos Gitai.

Circunstancias de la vida, en España rodó a finales de los 90 Lisboa, junto a Sergi López, el otro embajador de nuestro cine en Francia –con permiso, eso si, de Victoria Abril, Inés Sastre y José García-. Antonio Hernández la trajo de nuevo a España y Alex de la Iglesia hizo que deslumbrase con su protagonista absoluto en La comunidad: un nuevo Goya se sumaba a los conseguidos por Mujeres al borde de un ataque de nervios y ¡Ay, Carmela! donde fue el rostro de la República surgido del imaginario de José Sanchis Sinisterra y tamizado en 1990 por Carlos Saura.

Acaba de entrar en los sesenta y sigue ilusionada con el cine como el primer día. Para comprobarlo sólo basta ver su apoyo a jóvenes realizadoras en sus cortometrajes –dentro del proyecto 50 minutos- y disfrutar de Volver, punto final a 17 años de parón en la relación Maura-Almodóvar y puesta de largo de la misma química, la confianza, que siempre hubo entre musa y creador, esa que le permite hacer cosas al borde del precipicio sin miedo a despeñarse.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.
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Hablamos con Pedro Almodóvar.
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Perfil de Carmen Maura.

Natalie Portman

2006-10-10T21:04:00.001+02:00
Natalie Herslag se dio a conocer en 1994 con León, el profesional, de Luc Besson, y apareció junto a Al Pacino en Heat. Tenía 12 años por aquel entonces y sólo dos después sorprendería con dos títulos diferentes: Todos dicen I love you, de Woody Allen y Beautiful girls, de Ted Demme, una cinta generacional que, fíjense en las casualidades, cuenta con los mismos patrones que Algo en común, la inteligente ópera prima del guionista y actor Zach Braff, rodada en 2004. Entre ambas surgieron películas como Mars attack! (Tim Burton) y Cold Mountain (Anthony Minghella).

En 13 años de carrera ha compaginado sus proyectos en cine con las primeras incursiones en el teatro. En su Nueva York de adopción debutó sobre las tablas con un papel caramelo para cualquier actriz, el personaje de Nina en La gaviota, arropada por Meryl Streep, Kevin Kline y Philip Seymour Hoffman. No quedaría aquí la pasión por la escena, ya que durante la temporada 1997-98 Portman protagonizó en Broadway El diario de Ana Frank, montaje aclamado por el público y la crítica.

Sus estudios de Psicología en Harvard le han permitido encarar personajes con más aristas punzantes de las habituales, como el de Evey en V de Vendetta, una joven bajo la opresión totalitaria de un gobierno fascista que pasa, de la noche a la mañana, de ser una oficinista anónima a una audaz heroína con firme compromiso político. Del proyecto le atrajo las innumerables reflexiones que se extraen de la novela gráfica original de Alan Moore que comenzó a publicarse en 1981 y se completó en 1989.

A sus 25 años, la que durante una década ha sido madre de Luke Skywalker y Reina Amidala en los tres primeros episodios de La guerra de las galaxias, vio como la popularidad frenaba su carrera cinematográfica. No era Portman una actriz que se prodigase mucho en los repartos: tras el acelerón inicial parecía que diese miedo pronunciar su nombre entre los productores. Pero el caché no era problema: asentada en su trono de joven talismán de cineastas independientes –Algo en común, V de Vendetta-, en 2004 comenzó su carrera británica con Closer, de Mike Nichols, en la que compartía protagonismo con Jude Law, Julia Roberts y Clive Owen y por cuya interpretación recibió el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto.

Para protagonizar V de Vendetta no dudó en raparse la cabeza y renunciar a otros trabajos. Al fin caía en sus manos el guión de una película movidita con trasfondo social y sustancia política, donde la acción era lo menos importante. Su director, James McTeigue, destaca de ella un talento innato y su gran capacidad de concentración. Portman no es ajena a los tiempos que corren y dicen que es una voraz lectora que introduce en sus conversaciones referencias a Shakespeare y a pensadores contemporáneos. Quizás eso fue lo que convenció a los productores, los hermanos Wachowski (Matrix), de su candidatura frente a otras actrices como Bryce Dallas Howard y Scarlett Johansson, con cuya carrera tiene la de Portman muchos puntos en común.

El año pasado volvió a su Jerusalén natal para rodar Zona libre a las órdenes del más internacional de sus compatriotas cineastas, Amos Gitaï. Si en ésta intervenía en secuencias junto a Carmen Maura, en Los fantasmas de Goya, también a punto de estreno, hacía lo propio con Javier Bardem. Cuatro meses estuvo en nuestro país compartiendo la visión de Milos Forman de una España anclada en la tradición y una corte rendida al genio de Francisco de Goya.

Confesa admiradora de la reina Rania de Jordania, considera que la fama le puede brindar la posibilidad de ayudar a los más desfavorecidos aunque no quiere servir de ejemplo a los que están creciendo. Tiene la cabeza bien amueblada y durante la promoción de su último título ha manejado paralelismos con la Alemania nazi, Guantánamo, Irán y los genocidios en Ruanda, la desmembrada Yugoslavia y Sudán, soltura intelectual en un Hollywood mermado en sus capacidades. Por ello no oculta su deseo de trabajar con directores especiales o controvertidos como Michael Haneke y Roman Polanski y realizar incursiones en el cine europeo. ¿Lo próximo? Paris je t’aime, donde protagoniza una de las 20 instantáneas de amor dirigidas por cineastas como Fernando Trueba, Isabel Coixet, los Coen y Walter Salles.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Eduard Fernández

2006-10-10T21:03:00.001+02:00
Hay personajes con los que todo actor sueña con interpretar. El de Hamlet es uno de ellos. Consciente de su madurez en el medio y de que la idea de seguridad no es buena compañera de viaje, Eduard Fernández afronta uno de sus proyectos más ambiciosos a las órdenes del amigo que a su vez es gran director de escena.

Él está inserto en el experimento a gran escala que monta Lluís Pasqual con actores de toda España. Doble ración de Shakespeare: por un lado la tragedia del príncipe de Dinamarca, que no es otro que él; por otro, La tempestad, donde da vida a un capitán en medio del desastre.

Embelesado por el cine y haciendo lo propio con nosotros desde la pantalla grande, el catalán de 42 años llevaba muchos sin pisar un escenario. Sólo lo hacía cuando debía presentar una película o recoger algún premio como los Goya al mejor protagonista por Fausto 5.0 –incursión fílmica de La Fura dels Baus- y al mejor actor de reparto por En la ciudad (2002), labor también reconocida por la Unión de Actores.

La ascensión de este chico con cara de persona corriente, bajito y aspecto de chuleta fue progresiva desde que Mariano Barroso confió en él uno de los personajes de Los lobos de Washington. Hasta entonces, finales del siglo XX, mucho teatro y televisión en Cataluña con alguna participación menor en largometrajes que han pasado inadvertidos a las órdenes de Rosa Vergés en Souvenir y Juan Manuel Chumilla en Zapping.

Desempeñó registros muy diferentes en El portero y La voz de su amo, hasta que su apellido, muy común, se asoció a un Eduard que hacía el tándem más conocido. Sorprendía por su naturalidad a la hora de encarar hasta los papeles más desagradables y peliagudos pero también los cómicos (Cosas que hacen que la vida valga la pena) y los que le permitían conservar el halo de circunstancia que le envuelve (Smoking room).Marido celoso, y con razón, fue en la adaptación que Bigas Luna hizo de Son de mar, de Manuel Vicent, formando triángulo con Jordi Mollá y Leonor Watling.

Fernando Trueba (El embrujo de Shanghai), Gerardo Herrero (El misterio Galíndez), Montxo Armendáriz (Obaba) y Marcelo Piñeyro (El método) son algunos de los que le han dirigido en cine, aunque son Cesc Gay (En la ciudad) y el citado Barroso (Hormigas en la boca) quienes saben sacarle más jugo. En septiembre veremos qué tal le ha ido con Agustín Díaz Yánes en Alatriste, donde ha dado vida a Sebastián Copons, el compañero de armas del capitán castellano salido del imaginario de Arturo Pérez-Reverte.

Tras el intenso rodaje ha dado rienda suelta por media España a su pasión más temprana en el que está siendo su tercer idilio con Lluís Pasqual, después de Esperando a Godot y Roberto Zucco. El director es otro de los que saben cuidarle y él no hace ascos a tanta generosidad al confesar que sólo con él podía atreverse con el primer espada de Shakespeare.

Juntos han demostrado que se trataba de la mejor elección: el actor presume de que el rol le va como anillo al dedo, a sabiendas de que el director le ha dejado deshacerse de guiños preconcebidos, dando vida a un equilibrado compendio entre la reflexión –que es duda- y lo cómico –por su comportamiento histriónico-, un príncipe danés con aire extrovertido y mucha, mucha ironía, la misma que él le echa a la vida.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Michael Winterbottom

2006-10-10T21:02:00.001+02:00
Heterodoxo en su filmografía y siempre con el ánimo de sorprender alzando la voz, este cineasta se ha convertido en uno de los iconos de ese sector del cine europeo que aúna conciencia social y maestría formal.

El universitario de Oxford se apartó pronto del campo de la filología para dedicarse al cine aunque pasando primero por las salas de montaje de la Thames TV, para la que dirigió documentales sobre el cineasta sueco Ingmar Bergman y un par de telefilmes dirigidos a una audiencia juvenil.

Hace poco más de una década fundó junto al productor Andrew Eaton Revolution films que sólo un año después, en 1995, dio como frutos sus primeros largometrajes: Besos de mariposa –que narra el amor de dos lesbianas- y Go now –sobre el drama de la esclerosis múltiple-. El panorama cinematográfico era vasto por aquel entonces y muchas eran las ganas de hacer un cine diferente, prueba de ello fue el impacto que supuso en Cannes Jude, con Kate Winslet y Rachel Griffiths.

Iconoclasta en su forma de hacer cine, su estilo se va haciendo cada vez más personal e identificable. Su progresión le fue llevando a cierto desencantamiento ante el mundo que, después de Wonderland, Welcome to Sarajevo, El perdón y 24 hours party people, se volvió más sosegado, plasmado de cierta melancolía. Dejó prueba de ello en Código 46, una historia sobre un futuro próximo que nos llega a través de los ojos de los personajes a los que dan vida Tim Robbins y Samantha Morton. Y los experimentos siguieron, esta vez bajo el nombre de 9 songs, batiburrillo de sexo y música que no deja indiferente.

En la misma línea que En este mundo –sobre el viaje de dos afganos con Londres como meta- pero por otros derroteros discurre su Camino a Guantánamo, una cinta que ha cosechado buenas críticas desde su estreno en la pasada Berlinale. Su recuerdo del paso por el festival debe guardarlo bajo llave ya que periodistas y público le ovacionaron durante varios minutos por su última incursión en el cine de compromiso ideológico. El Oso de Plata a la Mejor Dirección fue un premio a repartir entre los dos directores de Camino a Guantánamo, Winterbottom y Mat Whitecross, los narradores de esta historia real protagonizada por cuatro jóvenes británicos que fueron a una boda a Pakistán y acabaron retenidos por Estados Unidos cerca de dos años.

Para el cineasta británico de 45 años, su película no es un trabajo de denuncia, sino una obra que va más allá, pretendiendo que el público salga de las salas criticando la situación de lugares como esa cárcel improvisada y pidiendo responsabilidades a quienes practican actividades criminales. Winterbottom vive con la idea de que el cine sirve para que el pueblo no olvide y que el espectador pueda convertirse en protagonista de la historia que se cuenta.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Ana Fernández

2006-10-10T21:01:00.001+02:00
Empezó en esto del cine a los 33 años. Hasta entonces llevaba unos años como chica del tiempo en Canal Sur, alguno que otro como locutora de radio "todoterreno" y muchas horas de carretera montando obras de teatro por pueblos.

En el recuerdo de todos están sus trabajos con Pedro Almodóvar (Hable con ella) y José Luis Garci (You’re the one, Historia de un beso, Tiovivo c.1950) y lejos en la distancia, pero siempre presente al hablar de ella, está Solas, la película de Benito Zambrano que la lanzó a la fama en 1998.

Tiene una cuenta pendiente con el teatro pero está muy centrada en el cine. A dos películas por año –el pasado hizo doblete con Morir en San Hilario (Laura Mañá) y Pasos (Federico Luppi)- ahora presenta el estreno casi simultáneo de Amor en defensa propia y Sin ti. Con ellas comienza el goteo de películas protagonizadas por una de las actrices más solventes del panorama nacional. Lo próximo ya está también rodado: Vidas pequeñas, de Enrique Urbizu, Lola, de Miguel Hermoso y El corazón de la tierra, de Antonio Cuadri.

Daniel Galindo: No sales de un rodaje cuando estrenas el fruto del anterior: acabas de estar a las órdenes de Miguel Hermoso Lola, dando vida a Rosario, la madre de Lola Flores.
Ana Fernández: He sacado todo mi acento andaluz para dar vida a esta matrona que me ha tenido fascinada desde el guión: es valiente, me recuerda a las mujeres de mi familia y es mucho esta mujer. Soy la madre de la artista, papel interpretado por Gala Évora, y como miembro del equipo debo decir que a todos nos ha supuesto un redescubrimiento de la figura de la Faraona, pero intentando no caer en imitaciones. Creo que va a ser uno de los estrenos del próximo año.

DG: Y de un mito como Lola Flores a un personaje también de carne y hueso, pero más terrenal, el de Amor en defensa propia, un rol en apariencia sencillo que te ha dado más de un quebradero de cabeza...
AF: Si, porque ella pertenece a ese tipo de mujeres que no caen muy bien que digamos. Me centré en ella como pocas veces había hecho en otros trabajos precisamente por la antipatía que me provocaba, por engañarse a si misma, por no haber pisado la tierra en 40 años, por mirarse al espejo y no gustarse. Tenía tantas aristas por pulir...

DG: El debut en el largo de Rafa Russo coincidirá en cartel con Sin ti, cinta del catalán Ramón Masllorens, en la que interpretas a una madre de familia que pierde la vista.
AF: Fue un trabajo muy duro que me provocó una especie de presbicia acentuada por no enfocar al mirar. El proceso de preparación del papel resultó muy complejo, hablando con gente de la ONCE e intentando experimentar de qué manera vive un ciego, no de nacimiento, sino por accidente. Pero de verdad, lo de la ceguera, a pesar de su gravedad, se queda en mera anécdota, ya que a raíz de quedarse sin vista, este personaje aprende a decir no a ciertas situaciones, incluso en plena lucha por sobrevivir y superar las trabas que se pone a si misma.

DG: Muy satisfecha del personaje, ¿no?
AF: Sí, sobre todo de su elaboración, ya que he ido descubriendo muchas cosas de Ana, de mí misma, que no había visto a pesar de tantos personajes y tantos años conviviendo conmigo, y es curioso. Siempre que te metes en la piel de otra persona acabas conociendo algo personal, pero gracias a Masllorens y a la ceguera, ocasional, claro, saqué cosas de dentro, como el instinto de superación, que hasta entonces había pasado inadvertido.

DG: Un título más a una filmografía variada: te hemos visto en registros muy diferentes pero siempre queda algo por hacer...
AF: ¿Una comedia por ejemplo? Si, me encantaría y fíjate, pido más si me dejas: hacerla con Carmen Maura, con la que me reí muchísimo haciendo un drama de suspense como La promesa, así que en una comedia debe ser apoteósico. Y que nos dirija Pedro Almodóvar... ¿no sería fantástico?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

José Luis Cuerda

2006-10-10T21:00:00.001+02:00

Había pasado tiempo, siete años, desde que miró por última vez a través del visor de una cámara, pero en sus manos cayó la novela La educación de un hada, de Didier Van Cauwelaert. José Luis Cuerda no se lo pensó dos veces a la hora de dotar de protagonismo a las pasiones, que son la causa de sus mayores placeres y dolores.
El argumento entroncaba con su cine de emociones, un tanto visceral, y sólo había que buscar rostros para esa historia que versaba sobre la necesidad innata en el ser humano de estar con sus seres queridos. El director de cintas como Mala racha, Amanece que no es poco y La marrana se sumergía una vez más en las profundidades de los sentimientos.
Pero intentando huir de la extrema sensiblería y el punto almibarado, Cuerda vuelve a dejar claro que sigue luchando por hacer las cosas como cree que hay que hacerlas. Al escritor de historias -en activo desde los 12 años- le sedujo la posibilidad de hacer suyo un relato escrito por otro, contarlo a su manera y además, aprehenderlo por medio de un encargo a instancias de Gerardo Herrero en su faceta como productor.
Nacido en Albacete hace 59 años, comenzó a estudiar Derecho, pero no tardaría mucho en alejarse de las leyes en cuanto se sintió atraído por el mundo de la imagen: de la realización de reportajes y documentales en Televisión Española (desde 1969) pasó a ocupar un puesto destacable en el área de programas culturales, donde siguió dando rienda suelta a su capacidad creativa con la escritura de guiones para espacios divulgativos y también dramáticos.
A comienzos de los ochenta, en pleno periodo de efervescencia cultural, dirigió su primer largometraje, Pares y nones, que le enmarcó en un naciente género de comedia progre bautizada con el gentilicio de madrileña, género al que también adscriben a Fernando Colomo. Debe ser que Cuerda no gusta de encasillamientos, porque sólo tardó un lustro en adentrarse en el humor surrealista lleno, eso sí, de referencias literarias. Corría el año 1987 cuando El bosque animado llegó a las pantallas y barrió en la segunda entrega de Premios Goya, llevándose cinco galardones, entre ellos los de mejor actor, Alfredo Landa, y mejor guión, por la adaptación de Rafael Azcona a partir de la novela homónima de Wenceslao Fernández Flores.
Tras el éxito que supuso en 1999 su anterior trabajo como cineasta, La lengua de las mariposas, quedó exhausto. Después se centró en la producción de Abre los ojos y Los otros, hasta que con dignidad y sin cursilería se ha vuelto a poner detrás de la cámara, echando mano de la fantasía para resolver ciertos problemas, porque la vida es muy dura. En su afán por no pasarlo mal, ni él ni su público, Cuerda confío en este relato protagonizado por la suiza Irène Jacob y el argentino Ricardo Darín.
Mucho se está hablando del debut de Bebe a las órdenes de Julio Medem en Caótica Ana, pero pocos conocían el hecho de que la cantante, mitad valenciana, mitad extremeña, se hubiese puesto en manos en Cuerda y que ya apareciese en Al sur de Granada. Aún así de puntillosos, hay que destacar la destreza del cineasta a la hora de encontrar nuevos valores: el mejor ejemplo lo personifica Alejandro Amenábar y su Tesis, tarjeta de presentación en formato largo. El de los niños en plató es tema aparte, ya que casi siempre hay historia que requiera un actor de menor edad. Además de La lengua... y la fábula recién estrenada, con el niño Víctor Valdivia en uno de los papeles principales, Cuerda presenta un abanico de interpretaciones infantiles en sus películas, ya que considera que son lo mejor que hay y verles actuar es similar a ver crecer una flor.
Este tierno cineasta que se declara pesimista ante la vida (en palabras de Truffaut, "un optimista bien informado") nos invita a que descubramos los secretos del bosque, paradigma de un microcosmos e imagen eficaz de lo que es el mundo, con sus diferentes alimañas y también sus dulces moradores.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Gonzalo de Castro

2006-10-10T20:59:00.001+02:00
A falta de tres asignaturas, se quedó sin licenciarse en Derecho. No tuvo ni que colgar la toga para decantarse por una de las profesiones más antiguas del mundo. Después de un intenso máster en televisión, debe reconquistar su lugar en los escenarios.

Tablas no le faltan porque él ha hecho de todo por su pasión por el teatro y ya en sus inicios fue técnico en el desaparecido Teatro Maravillas (no olvidemos que el actual es de nueva planta) hasta que tuvo la oportunidad de dar muestras de sus dotes para la interpretación.

No estuvo en el reparto inicial de la serie 7 vidas, pero pocos saben que estaba allí, detrás de las cámaras, como ayudante de dirección. Entró en el incipiente fenómeno televisivo con la intención de convertirse en uno de los personajes y la prueba de fuego le llegó cuando en el capítulo decimoquinto le dijeron: "toma, apréndete estas frases". Al final acabó como uno de los supervivientes de la serie: 15 temporadas, 7 años en total, se mantuvo en ese formato a medio camino entre la comedia de situación y el teatro en directo, por lo atípico de su grabación.

Unos cuantos años antes, en 1992, el catalán Lluís Pasqual le dirigió en Tirano Banderas y poco después repitieron Haciendo Lorca. A estas obras siguieron otras como Calígula, en una nueva versión de José Tamayo, y Testamento, de Gerardo Vera, además de otras piezas bajo la atenta mirada de Lluís Homar y Sergi Belbel. Y compaginaba sus trabajos como actor con otras funciones como la de regidor, resultando curiosos que ahora, una década después, regrese al María Guerrero de manos de Bertolt Brecht, donde fue ayudante de dirección de Terror y miseria del Tercer Reich.

El madrileño aparcó el teatro por la televisión, pero siempre que había un proyecto interesante, volvía. Eso le ocurrió cuando se le presentó la oportunidad de protagonizar Como en las mejores familias junto a Nathalie Poza, Julieta Serrano, Blanca Portillo, Javier Cámara y Pau Durá. Al igual que los tres últimos, Gonzalo asumía también la faceta de productor con este montaje pero siguió siendo un actor por cuenta ajena: Juan Mayorga escribió un nuevo texto para la compañía Animalario, Últimas palabras de Copito de Nieve y él, junto a Pedro Casablanc y Tomás Pozzi, se subió de nuevo al escenario.

Entretanto este madrileño de 43 años logró su primer gran papel en cine, aunque sólo a medias. De animales iba la cosa ya que consistía en poner voz a Melman, la alocada jirafa de Madagascar. Quienes le conocen aseguran que tiene una capacidad innata para expresar sus emociones y comunicarlas al auditorio, también a través de su palabra.

Convertido en aguador, es el primero de una ciudad oriental que da la bienvenida a tres de los más importantes dioses en la revisión que el Centro Dramático Nacional hace de una intensa obra de Brecht. A sus 43 años está empeñado en buscar a La buena persona de Sezuan y quién sabe si pronto dará rienda suelta a otra de sus aficiones, la gastronomía, abriendo un restaurante con mucha esencia teatral.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Hablamos con... Eduardo Aldan

2006-10-05T21:27:00.000+02:00
Su recorrido por la memoria y la infancia consigue dibujar sonrisas y sacar alguna que otra lagrimita. Con Espinete no existe invita a disfrutar de sensaciones que son patrimonio de todas las generaciones y afronta la dura tarea de convertir los bajos del Teatro Gran Vía en una islita en medio del inmenso océano donde sólo hay grandes espectáculos.

A fuerza de constancia ha conseguido reestrenar montaje propio donde se revela como artista integral (director, intérprete, productor y guionista). Tiene ganas de explorar aunque sólo con una cosa clara: no se considera actor sino comunicador. Lo corrobora su trayectoria en el viejo oficio del contador de historias.

Daniel Galindo: Cerraste temporada y vuelves al mismo escenario, una proeza sólo destinada a los musicales y algún montaje dramático...
Eduardo Aldan: Y yo creía que era sólo para un mes. El público actuó como chivato y tuvimos que ampliar y claro, yo encantado, porque Espinete no existe es parte de mi vida, mi caja de recuerdos particular. Y al final la he abierto. Era un capricho tan mío que no quería que nadie metiese mano, por eso ha tardado en ver la luz.

DG: Nos gusta recordar viejos tiempos, incluso los que no fueron buenos. Y aunque parezca que el espectáculo entronque con los que fueron niños en los 70 y comienzos de los 80, es cierto que arrastras a mucha gente.
EA: Hay gente mayor y más joven que conecta igual. Es el caso de nuestra generación anterior, que ha vivido esa época como padres o abuelos. Al intentar transmitir sentimientos el resultado no es algo concreto. Además uno se da cuenta de que cuando particulariza generaliza aún más: cuanto más hablas de ti mismo, mejor se identifica contigo el público.

DG: Muchos te identifican con las factoría de El club de la comedia. ¿Cuesta quitarse el sambenito de monologuista televisivo?
ED: Si lo hay, que seguro que sí, desde luego no es un estigma, todo lo contrario: es una buena marca pero no duradera, al menos si pretendes huir de fórmulas establecidas. Es una escuela muy digna, con sus limitaciones y sus aciertos. Hay que cuidar el género y hacerlo crecer con nuevos retos. Durante esa etapa me sentí muy libre e incluía retales sobre la infancia, las chucherías, el material escolar... Todo está en este espectáculo y confieso que era parte de un plan diabólico concebido desde tiempo atrás. Como George Lucas y su Guerra de las Galaxias, yo tenía que contarlo todo en dos horas, después de pulir mucho y hacerlo a mi gusto. Desde que empecé a escribir la primera línea han pasado 5 años. Y sigue evolucionando, porque las opiniones y los puntos de vista ajenos, sugeridos no impuestos, son buenos y necesarios.

DG: El monólogo es una fórmula arriesgada y por eso debe sorprender, jugar con herramientas muy concretas, ir del humor al drama...
EA: Y eso es un riesgo... No es comedia al uso ni una estructura cerrada donde ya sabemos cómo empieza y cómo puede acabar. Cuando el humor es previsible pierde su gracia, la capacidad de sorpresa. Le tienes que dar ritmo, intensidad y fondo para no buscar sólo la risa. Hay gente que llora y eso para un cómico que persigue comunicar, tocar la fibra sensible, es el mayor de los premios. Pienso en Chaplin, que era un maestro porque su comedia llevaba implícita poesía, crítica, capacidad de conmover, potencia visual y mensaje. Sólo hay que ver El gran dictador, que es arte porque te conmueve.

DG: Y después de Espinete...
EA: A veces me preguntó qué voy a hacer en mi vida si ya he contado lo que quería. ¿Voy a estar otros 10 años preparando lo siguiente? Pues a lo mejor sí, pero ya tengo claro un punto de partida. Esto ha sido el comienzo de la exploración, mis primeras pruebas... Lo siguiente va a ser totalmente diferente, no hay competencia por ahora. Pero mientras sale seguiremos con recordando nuestros momentos de ayer.

Contenido íntegro del texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.